bitlogger!

Ponto Final... será?

2009-03-19T08:28:00.002Z

Tentando fazer algum sentido do que disse antes sobre o actual estado deste blog, e tentanto responder (ou desculpar-me?) a feedback de alguns leitores, parece-me ser a hora de revelar que o BitL está neste momento num limbo de inactividade oficial.

Encaixado entre uma actividade profissional cada vez mais exigente, as actividades extra-profissionais (ou ultra-profissionais) e as (recentes) actividades académicas, que começam agora a pedir mais atenção e seriedade, não me resta outra solução senão interromper a actividade do BitL até que as condições de tempo sejam propícias.

Durante estes quatro anos este blog foi o bloco de notas onde tentei fazer sentido (?) de alguns dos apontamentos mentais do que fomos lendo, ouvindo e sobretudo vendo cá por casa. Como diário gráfico teve muitas falhas (sobretudo ausências) pois seria impossível registar todas as possíveis entradas em posts, deixando para trás centenas destes. Por vezes falhou também em conseguir traduzir de forma 'decente' algumas das mensagens sobre as 'pepitas' que foram por aqui expostas, muitas vezes em textos algo deficientes e inexactos.

Mas mais do que estas falhas ficam uns valentes mais de 1000 posts que se foram dividindo entre os gostos caseiros, desde o mau gosto e o trash até à alta cultura, da Anime ao Avant-garde, da nova e exuberante cultura pop e das relíquias esquecidas pelo tempo, dos pequenos cultos discretos aos valores absolutos. No fundo tratou-se aqui da nova cultura popular, uma hyper-misturada conduzida pela curiosidade e o hedonismo (sobretudo) visual, largada por aí (por aqui) on-line, aprofundada em (literalmente) milhares de horas de pesquisa, interacção com pessoas de todo o mundo e reflexões escritas que apenas capturaram uma minúscula parte do que fui aprendendo ao editar este blog.

A todos aqueles que foram lendo, comentando e divulgando o BitL, resta-me apenas agradecer a generosidade e deixar a certeza que, embora ainda sem qualquer data pensada, este blog voltará às (mesmas ou semelhantes) actividades, mesmo que com outro nome e em outro url. As novidades de tal serão por aqui registadas, e aconselho o sign in da feed de RSS do blog para saberem algumas actualizações.

Obrigado e até ao mais breve possível!

Quatro

2008-10-31T19:29:00.006Z

Mais um ano passou, um daqueles com muitos projectos simultâneos, pouco tempo e muitas audições, leituras e sobretudos visões que não conseguiram ficar por aqui registadas. Desde o final do Verão que o BitL tem ficado algo negligente e negligenciado devido a outras esquizofrénicas actividades profissionais e pessoais.

De forma a celebrar esta forma de registo, e porque existe tanta coisa que deveria ter ficado aqui registada mas que foi esquecida na longa lista de drafts no back office deste blog, o BitL está de repouso até ao final deste ano.

Escrever sobre 'artefactos' de prazer, 'objectos' de culto e propriedades sensíveis, sobretudo daquelas que gostamos, é um dever. Mas também é interessante agarrar outras actividades que acontecem aqui à volta no momento, agora que outros meios escritos requisitam tanto tempo, sacrifício de horas de sono e massa cerebral.

Serão registados por aqui updates sobre o estado de saúde deste blog e sobretudo registos de mudanças, no formato ou na localização, caso se justifiquem. Prometida fica a volta em Janeiro de 2009, depois de um intervalo que se quer curto.

Desde já gostava de agradecer a atenção e entregar um abraço aos poucos (mas bons) regulares que aqui vêem bisbilhotar. Até à volta!

Causa Nossa

2008-10-12T08:53:00.004+01:00

Emocional e revelador, o documentário independente A Walk Into the Sea (2007) tenta desenterrar a memória de Danny Williams, um cineasta independente que pertenceu brevemente ao gang artístico da Factory de Warhol e que foi o director técnico da digressão multimédia Exploding Plastic Inevitable, antes de ter sido ostracizado e afastado da Factory por alguns dos artistas mais influentes e próximos de Warhol.

Mais do que narrar a história desta figura obscura (como outras) e enquadra-la na nem sempre justa descrição histórica da Factory nos 60s, a realizadora Esther B. Robinson está claramente mais interessada em confrontar os entrevistados com a súbita hostilidade e 'apagamento' de alguns factos conhecidos (e não confirmados) e com o posterior misterioso desaparecimento de Williams.

Robinson torna este documentário um tributo emocionado sobre a memória de uma figura oculta, remetendo-a para um lado 'humano' e fazendo deste filme uma 'causa' que tenta perseguir a verdade sobre a obra e (sobretudo) os dias finais de Williams. Não escondendo de resto que é a sobrinha do mesmo Danny Williams retratado, a realizadora torna este exercício pessoal, mantendo-o numa certa esfera 'familiar', algo que por vezes transpareceu durantes as entrevistas documentadas durante o filme, algumas a membros proeminentes da clique de Warhol (Paul Morrisey, Billy Name, Brigit Berlin, John Cale, Gerard Malanga). Paul Morrisey, directamente envolvido num particular episódio conflituoso com Williams, parece de resto agastado na maior parte das filmagens mostradas, algo que poderá ser devido a algum remorso (como a realizadora parece querer afirmar) ou talvez mais pela frontalidade intimidatória com que por vezes a entrevista parece ser conduzida.

A esta 'afirmativa' abordagem documental, Robinson acrescenta também alguns dos factos factos mais íntimos sobre a vida em comum do Papa da Pop e o seu temporário discípulo fíel, tornando este documento algo telenovelesco e estridente, e por ventura mais interessante e picante, para algum do público já tão habituado aos inúmeros documentários e biopics sobre acontecimentos gravitantes à Factory que são constituidos por lugares comuns, homenagens comovidas e muito 'labeculismo' artístico-intelectual. Mas o sabor brejeiro que por vezes alguns entrevistados deixam no ar, torna alguns destes momentos mais inéditos algo superficiais, basta ver algumas das intervenções de Danny Fields ou Billy Name.

Nem só de roupa suja este documentário é constituido, e Robinson revela vários minutos de imagens inéditas (sempre interessantes) sobre a clique em redor de Warhol, actualmente pertencentes ao espólio da familia do realizador, e exibe na quase integralidade um desaparecido filme de Williams, que rapidamente revela que os rasgados elogios que alguns dos companheiros de armas do realizador tecem são fundamentados. São de resto estes mesmos realizadores e técnicos, como os realizadores Chuck Wein ou Ron Nameth, que sugerem que talvez Danny Williams, se tivesse produzido mais trabalho visível para Warhol, teria decerto moldado muita da produção cinematográfica da Factory, que a partir de certo ponto caiu sobre controlo total nas mãos de Paul Morrisey.

Um documentário bem mais recomendado a 'iniciados' na obra cinematográfica de Warhol do que a desconhecedores da obra filmica deste periodo, A Walk Into the Sea possui momentos que particularmente dispenso, mas que consegue de repente ganhar um interesse vital devido à footage inédita que apresenta, decerto interessante para os fans da fase mais experiemental da produção cinematográfica ('pré-sonora') da Factory.

Nostálgicos Objectos Identificados (1)

2008-09-28T19:27:00.006+01:00

Mesmo sendo algo que alguns cinéfilos vêm com algum repúdio existir, alguns filmes de 'imitação' estética como La Antena (2007), realizado pelo argentino Esteban Sapir, parecem querer fazer lembrar que existiu uma altura na história do Cinema (sobretudo - mas não só - europeu) em que as poética estética cinematográfica não se resumia a imagens 'mastigadas' culturalmente para comodidade do espectador. Não quero com isto dizer que este impecável exercício estético seja impenetrável pelos seus potênciais espectadores, mas que a sua mensagem é perceptível universalmente, se para isso necessitar de alguns artifícios modulares do cinema moderno.

Apoiando a sua estética no cinema avantgarde europeu dos anos 30 (sobretudo Dada e Surrealista), La Antena é um magnifico exercício simbolista sobre a repressão da liberdade de expressão e dos modernos instrumentos de comformidade e escravidão social, e das consequências práticas da submissão cega e não questionada aos poderes instituidos. Sendo talvez um filme demasiado 'simbolista' e 'estético' em termos de significado, decerto que esta obra de Sapir poderá tornar-se pouco exposta ou até não levada muito a sério nos tempos cínicos que correm, embora seja já um objecto de culto, talvez porque pareça mais imitação do que réplica cinematográfica, tornando-se kitsch como todos os exercícios nostálgicos.

La Antena tem contudo um valor automático de ser uma bela 'reflexão gráfica' (ou plástica) de um tipo de cinema que, por distracção, desconhecimento ou simples negação, hoje está algo esquecido embora seja (parodoxalmente) uma influência plástica para muitos dos produtos visuais contemporâneos (lembro-me de alguns videoclips musicais) consumidos sem consequências.

Um magnífico objecto identificado com uma 'nostalgia visual' de vanguarda, que em parte constitui parte forte de uma certa cultura visual contemporânea, La Antena é decerto recomendado não só aqueles que poderão facilmente identificar as suas fontes visuais, mas também ao público algo saturado da parafernália dos efeitos especiais do actual Cinema mainstream.

Caspa na Tola (1)

2008-09-26T08:10:00.006+01:00

Depois do anterior post sobre Santiago Segura era inevitável (se bem que evitável) um pequenino comentário às duas curtas metragens que abriram a hostilidade de mau gosto ibérico que é a carreira desta personalidade incontornável do pós-pós-modernismo pop espanhol. Anos antes de José Maria de El Dia de La Bestia ou José Torrente, o alter-ego de Segura era Evilio, uma tétrica e 'desgostante' personagem que se diverte a torturar até à morte colegiais enquanto vai debitando hilariantes mensagens moralistas.

Os cerca de 20 curtos minutos que compôem Evilio (1992) e Evilio Vuelve (1994) foram suficientes para tornar Segura uma das mais conhecidas e mediáticas figuras da Espanha contemporânea. Com a primeira curta o seu já reconhecível estilo cómico-choque-javardo tornou-o uma estrela do underground das tribos urbanas de Madrid, e se Perturbado (1993) lhe deu um Goya como 'melhor curta espanhola' desse ano, é com Evilio Vuelve que o mainstream começa a notar o sucesso do actor, consolidado com o jevi (heavy) José Maria em El Dia de la Bestia, um dos maiores sucessos cinematográficos espanhóis de sempre.

Muito mais virados para o universo slasher (no final de uma era de video nasties) com um ofensívo e hilariante humor (centrados nos monólogos incoerentes e moralistas de Evilio), ambas as curtas metragens são actualmente algo raras de serem vistas, talvez devido ao seu conteúdo 'desconcertante'. Tendo caído numa obscuridade de culto que se foi propagando não só com a popularidade de Segura (ainda hoje uma das celebridades mais reconhecíveis em Espanha!) mas também com o culto underground pelo cine casposo com que o realizador/produtor/actor/cómico fez a totalidade da sua carreira, Evilio e a sua sequela são pequenas obras de mau gosto que decerto serão apenas imprecindíveis aos fans de Segura, com um 'grão fílmico' underground algo distinto das suas actuais produções.

Duplicidades em Sessão Dupla (2)

2008-09-22T13:21:00.005+01:00

Sendo um franchising europeu já incontornável, e seguindo este post antigo sobre o espécimen ibérico José Luís Torrente, seria inevitável uma sessão dupla para entender por que é que esta criação do bizarro Santiago Segura conseguiu ultrapassar recordes de bilheteira em Espanha e tornar este actor/produtor/realizador uma das figuras mais reconhecidas do star system ibérico. Nesta dupla sessão, uma visão de Torrente 2: Misión en Marbella (2001) seguindo de Torrente 3: El Protector (2005), consegue-se constatar que esta paródia javarda aos filmes do 007 com um macho ibérico como centro possui um carácter subversivo imperdível.

Se o quase insuportável mau gosto do primeiro filme parecia criar novos paradigmas do cinema de paródia, as duas sequelas seguintes vêem trazer mais brilho à jarvardeira cómica em que Segura normalmente chafurda, fazendo um upgrade do primeiro filme, um dos tesouros pós-moderno do Cinema espanhol, injectando um budget mais chorudo nos filmes para entregar de forma luxuriosa mais umas valentes descargas de mau gosto hilariantes.

Talvez o mais comercial dos três, Torrente 2 é aquele onde as facetas mais asquerosas do character de Torrente são 'amaciadas', tornando-se um espectacular exercício de acção com comédia absurda. Mesmo com os 'habituais' abusos cómicos (traficantes de droga a trocarem com crianças doses de heroína por cromos do Pokemon, aparatosos acidentes poucas vezes vistos e muito sleaze porco e carne à mostra) a obscenidade fica-se mais pela situações do que pelos actos podres da personagem central.

Como não há duas sem três Torrente 3 vem repôr o inicial excesso a esse 'abrandamento' asqueroso, com um visceral ataque de mau gosto que tem tanto de inacreditavelmente estúpido como de hilariantemente cómico. Abrindo logo nos primeiros minutos as hostilidades, Segura coloca a personagem central a falar ao telemóvel dentro de um avião que de súbito é tomado por terroristas. Não contente com isto o suíno herói começa a disparar sobre os 'mouros' fazendo com que o avião se despenhe sobre as torres KIA em Madrid, replicando visualmente os tristes acontecimentos de 11 de Setembro. Sem dar quartel Torrente 3 é o mais extremo dos 3 filmes, reunindo o humor obsceno e politicamente incorrecto do primeiro filme com o aparato cinematográfico do segundo filme, sendo evidente o orçamento bem mais substancial, posto ao serviço de um humor estúpido e grosseiro, que ou se acha repelente ou provoca risos ao ponto do sufoco.

Não querendo repetir algumas das 'qualidades' já inumeradas neste post anterior, a triologia Torrente deverá ser o ponto alto de Santiago Segura, com uma obra reverente e de referência no cinema ibérico actual. Repetindo advertências já tantas vezes escritas aqui quando se fala de filmes de (ou com) esta figura, estas são obras simultaneamente desinteressantes para muitos mas que decerto são referências pop incontornáveis para aqueles interessados na actual cultura pós-moderna espanhola.

O Fim do Verão Eterno

2008-09-22T13:20:00.006+01:00

Seria injusto não referir neste blog a visão recente cá em casa de Endless Summer (1966), homenageando assim Bruce Brown (falecido no passado mês de Julho), um dos surfistas e realizadores que mais contribuiu para a divulgação do surf e que o resgatou dos delírios kitsch do cinema para teenagers dos lendários estúdios de exploitation AIP (e imitadores).

Descrevendo a suposta viagem à volta do mundo de dois surfistas para perseguir o Verão ao redor do mundo, este filme possui uma qualidade plástica inovadora para a época, inaugurando algumas das técnicas 'filmicas' que ainda hoje podem ser vistas em qualquer programa de desportos radicais. Transformando completamente a percepção do público sobre este estilo de vida, Brown criou o molde de apresentação tão imitado até aos dias de hoje, compondo nos seus filmes as sequências de planos que criam uma progressão na acção e tentando sempre que possível compor shots distantes com filmagens dentro de água, algo completamente inovador para um documentário deste género.

Não quer com isso dizer que este seja um filme perfeito ou até mesmo interessante para um público fora do fandom de culto que esta agora raridade fílmica mostra. Datado e com bastante 'basófia' e manipulação à mistura, Endless Summer vive um pouco de um certo sentimento naïf americano perante outras culturas e que gera alguns equívocos, ampliando um certo sentimento de ignorância (aqui sem nunca cair na arrogância) sobre o resto do mundo e interpretando claros equívocos filmados como verdades certas. Não ajudando a isto, Brown vai narrando os acontecimentos nem sempre com uma perspectiva distante, tentando fazer piadas sobre alguns dos 'nativos' dos locais por onde a dupla de surfistas vai passado, que são por vezes extremamente desagradáveis.

Mas para além destes grosseiros pormenores (pontuais), idênticos de resto a outros pormenores incluídos em tantos outros filmes (documentários ou não) de fontes menos independentes e mais 'conceituadas' (basta pensar nos podres filmes documentais britânicos dessa mesma década), Endless Summer torna-se uma pitoresca película vintage, que decerto agradará a adeptos não só do Surf como de obras documentais 'ultrapassadas'. Para lá do seu carácter mais técnico, este filme poderá também tornar-se uma interessante visão sobre uma certa cultura juvenil americana pré-globalização, fascínada com o que encontra nesta viagem mesmo deturpando a sua visão 'virgem' do mundo, que reveste este filme com uma 'cobertura' de culto, que poucos filmes (semelhantes) posteriores, devido à falta dessa inocência e visão 'subjectiva', nunca conseguiram captar.

------------------------------
Bruce (Bud) Brown: 1 de Dezembro 1937 - 27 de Julho 2008
Ler obituario LA Times

A Maldição dos Amêndoins Expressionistas

2008-09-20T08:19:00.004+01:00

É fácil julgar um comédia de animação como Gritos en el Pasillo (2007) mais através da sua técnica do que do seu conteúdo. De resto sendo (segundo o seu realizador) o primeiro filme feito exclusivamente com um cast composto de amêndoins pintados e animados (acredito ser verdade), este hilariante produto filmico espanhol gerou na sua curta carreira uma pequeno mas fiel culto, propagado sobretudo pela Internet.

Contando as atribulações de um amêndoim ilustrador de contos infantis, que é contratado para pintar as paredes de um hospício onde estão encerrados perigosissimos amêndoins doentes mentais, esta extravagância realizada por Juan José Ramírez Mascaró é mais do que uma disparatada produção low budget. Reciclando de forma interessante as influências do Cinema Expressionista para construir um conto de alienação, Gritos en el Pasillo consegue encontrar um certo rumo fílmico interessante que, mesmo sem nos fazer esquecer que estamos a ver um filme feito com amêndoins(!), vai conseguindo fazer-nos imaginar que mesmo com actores reais, esta poderia ser uma comédia de horror perfeitamente 'comestível'.

Mas essa não parece ser a ideia por detrás deste filme, e sempre que este filme ameaça entrar por um caminho mais 'sério' na narrativa ou na forma fílmica (como se tal fosse possível), Mascaró depressa nos lembra, através de inusitados disparates técnicos, que estamos perante um filme que não poderá ser levado demasiado a sério, embora ambiguamente feito de uma forma profissional.

Não sendo uma espécie de devaneio de fanboy ou um filme Z surreal, mas mantendo um certo espírito low budget e uma novidade na escolha do 'material dramático', Gritos en el Pasillo não se consegue deixar definir de forma clara, tornando-se um daqueles filmes que não cai para o lado do culto 'javardolas' do horror cómico obscuro, mas também não parecendo ser apenas um tontice fílmica sem consequências estéticas. Mas mesmo dizendo isto esta primeira obra de Mascaró, que mostra ter sido filmada com um empenho divertido e profissional, decerto que será perfeita para acompanhar o serão do público em geral, acompanhado com umas cervejas e um pratinho dos ditos protagonistas.

Cruzes! Credo! (3)

2008-09-19T08:50:00.006+01:00

Mesmo sendo um brit horror flick bastante modesto, se tivermos em conta que foi produzindo no apogeu de uma das épocas mais interessantes do cinema britânico, Curse of the Crimson Altar (1968) parece ter adquirido uma certa patine de culto ao longo das décadas, sendo hoje uma obra que parece definir (para o bem e para o mal) um certo 'terror ambiental' que (tenta) mistura(r) um certo psicadelismo tétrico a algumas das tradições 'românticas' nativas desta ilha, e que resultam (como se sabe) em magníficos documentos de terror camp.

É de estranhar que mesmo com um cast fabuloso (aos gigantes Christopher Lee e Boris Karloff juntam-se Mark Eden e a rainha do terror britânico Barbara Steele) este filme possua um caracter tão ligeiro, provocando mais risos que sustos, por culpa de um argumento completamente coxo e alguns elementos de exploitation (ou até machismo) que fazem deste filme uma misturada sem nexo. Lembrando ainda que este é supostamente uma adaptação de um conto de H.P. Lovecraft (um dos autores mais 'adaptados' para o cinema do género, mas que tão poucas vezes conseguiu uma séria visão cinematográfica), este filme torna-se ainda mais pateta e absurdo.

Sendo um filme dedicado ao culto pelo rabudo, poucas são as cenas em que essa devoção é mostrada. Falta garra à narrativa, não existe qualquer ameaça satânica arrepiante e mesmo a psicadélica festa na mansão do agregado familiar do culto Mr. Morley (Lee) é tão hedonista como uma saída à noite na labregolândia na ilha britânica. Pelo meio ficam umas interpretações sonâmbulas dos veteranos, umas quantas cenas S&M graficamente titilantes (a maior parte com Steele, pois claro!), muitos cortes de pudor e pouco mais sobra desta obra.

Mas com o tempo esta mistura de tongue-in-cheek, pudor Brit e a presença de tão selectas 'monstrosidades' tornou Curse of the Crimson Altar um daqueles B britânicos obrigatórios em qualquer late night session televisiva. Poderá ser dispensável para muitos, mas este filme possui alguns elementos camp decerto imperdíveis para muitos dos fans do terror dos 60s. Adquirindo uma certa 'cândura terrorífica' este será um belo complemento camp à rainha das adaptações camp da obra de Lovecraft, o kitschambólico The Dunwich Horror de 1970.

Revoluções do Quotidiano

2008-09-18T09:03:00.002+01:00

(post escrito originalmente a 31-05-2008)
Via Ubuweb

Foi talvez o mais importante movimento artístico da segunda metade do século XX, devido à sua forte influência em toda a actual cultura ('erudita' e sobretudo popular) que actualmente nos rodeia, mas o Situacionismo Internacional será um dos poucos movimentos quase nunca mencionados em qualquer documento sobre essa mesma actual cultura.

Talvez devido ao seu 'estado incendiário' e conotações políticas, este foi um movimento nunca 'digerido' propriamente pelo mainstream. Basta ver dois dos exemplos mais gritantes do aproveitamento das ideias de intervenção do movimento, o Maio de 68 e o início do Punk Rock britânico, para entender esse mesmo poder de ideias, urgentes e contemporâneas, não assentes em convenções artísticas mas em atitudes políticas, muitas delas com uma patine de maldição desconcertante, mesmo já passadas várias décadas.

E se a já mencionada absorção nunca foi feita directamente, o certo é que, mesmo vivendo-se em tempos onde o cinismo, o Situacionismo mantêm-se ainda hoje completamente actual, não só em mash-ups culturais de conteúdo 'subversivo' (como os Adbusters ou Reclaim the Streets), mas também no 'outro lado das barricadas' com o aproveitamento (indirecto) de algumas das suas ideias (deturpadas) para vender discos de bandas de punk pop boçais e inofensivas ou para tácticas de propaganda e contra-propaganda governamentais.

Uma pequena colecção dos quase nunca vistos filmes deste movimento está disponível actualmente na Ubuweb para streaming ou download:

*Critique de la séparation (Guy Debord, 1961)

*Hurlements en faveur de Sade (Guy Debord, 1952)

*In Girum Imus Nocte Et Consumimur Igni (Guy Debord, 1978)

*Refutation of All Judgments (Guy Debord, 1975)

*Society of the Spectacle (Guy Debord, 1973)

*Can Dialectics Break Bricks? (René Viénet, 1973)

*The Girls of Kamare (René Viénet,1974)

*Chinois, encore un effort pour être révolutionnaires (René Viénet,1977)

*On the Passage of a few People through a Rather Brief Moment in Time: The Situationist International 1956-1972 (documentário)

Da Cara a Metade (4)

2008-09-18T07:38:00.008+01:00

Bowie (Farley Granger) oferece a Keechie (Cathy O'Donnell) um relógio, começando assim uma das uniões mais ternas do Cinema americano da década de 40. Mesmo sabendo que será dificil provar que é um ser humano normal, já que será tornado famoso e infame pelo sensacionalismo dos media, Bowie mantém ainda a sua inocência, mesmo depois de ter passados os seus últimos (e adolescentes) anos fechado numa prisão. A presença da também tímida Keechie revela-lhe uma esperança na redenção, tão justa e esperada como ameaçada pela corrosão e cinismo de uma sociedade atenta aos media.

Decerto uma das primeiras obras mais notáveis de sempre em todo o Cinema americano, They Live by Night (1948) é um espantoso retrato de uma 'America Interior', de pulsões estranhas pouco retratadas até então no Cinema. Sendo considerado um film noir, as personagens da primeira obra de Nicholas Ray não se refugiam nas sombras das grandes cidades, mas sim na quietude das pequenas cidades rurais, aspirando um dia conseguir andar debaixo da luz do sol como os outros, um dia em que consigam comprar a sua redenção.

Ray parece aqui obssecado com a questão da justiça das escolhas para atingir a redenção das duas personagens, colocando o principal par numa situação injusta e marcante. Com isto o realizador parece simultaneamente querer denúnciar algum desmazelo social pelos mais desprotegidos, mas também usa isto para para, primeiro, criar o mito do criminoso superstar (tão querido ao Cinema americano desde sempre, e que terá o seu fruto mais apetecível no anterior The Public Enemy de 1931), para depois desfazer o mito e revelar as fragilidades humanas do magnífico par de personagens Keechie e Bowie.

UUm dos filmes que parece querer abrir um novo capítulo no melodrama americano (o género rei de todo o cinema, e aquele a que todos os outros estão ligados, será necessário lembrar), They Live by Night mantém-se ainda hoje como uma das mais pujantes obras americanas da década de 40, anunciando já os adolescentes rebeldes sem causas (não será Granger o inicial avatar de Dean, Brando ou Newman?) e o realismo do método dominante nos 50s. Como se tal importância não fosse já um feito, a sua influência parece transpirar em obras contemporâneas, desde os delírios cinematográficos de Oliver Stone em Natural Born Killers até a objectos cinematográficos mais sérios como Wild at Heart. Simplesmente fundamental.

Em Cima Como em Baixo (3)

2008-09-17T07:38:00.005+01:00

Realizado depois das várias obras de 'época' que deram fama mundial e o tornaram conhecido como um dos maiores realizadores de sempre de toda a História do Cinema, Tengoku To Jigoku (1963, aka O Céu e o Inferno, High and Low) marcou a volta Akira Kurosawa ao Japão contemporâneo e aos policiais de contornos neo-realistas. Baseando-se inicialmente num pulp americano de autoria de Ed mcBain, Kurosawa moldou este filme até ao ponto da obra-prima (de facto uma das suas maiores obras de sempre), construíndo uma estrutura narrativa perfeita e trabalhando as personagens até aos limites do inacreditável.

Um policial com atento detalhe a todo o 'procedimento' criminal, tal como Stuart Galbraith nota na sua biografia de Kurosawa e Mifune, dando um lado credível à história tal como em filmes americanos do género como He Walk by Night ou The Naked City, Tengoku To Jigoku torna-se de repente uma crónica sobre a condição humana, tornando os seus personagens em figuras morais que desde logo necessitam de fazer escolhas de forma a conseguirem avançar nos obstáculos encontrados.

Baseando-se no dilema de Kingo Gondo (o inconfundível Toshiro Mifune), um poderoso, convencido e egoista self made man que terá que escolher entre a compra das restantes acções da companhia de que é accionista ou o pagamento do resgate de uma criança, o filme atravessa vários dos espectros humanos, enlaçando as suas personagens até ao ponto onde toda as ambiguidades morais (o cima e o baixo) são destruídas de forma a ganhar a mais nobre forma do ser humano, o ser consciente perante o outro.

Uma pujante visão sobre o ser humano em situações de escolhas-limite, Tengoku To Jigoku possui um frenético drive de suspense que se vai enlaçando com a visão realista da alienação humana (as cenas nocturnas numa Tóquio cheia de zombies dependentes de heroína são assustadoras, mesmo para os dias de hoje) e o policial de contornos quase documentais (salve o exagero), que tornam este filme uma das mais fundamentais obras de Kurosawa pós-Yojinbo.

Em Cima Como em Baixo (2)

2008-09-15T17:48:00.005+01:00

Esta é uma época marcada por imagens 'hiper reais' no Cinema mainstream (ou mais reais que a própria Realidade) que tentam satisfazer um demente sentido voyeuristico de um público cada vez mais adormecido e iludido pelos media e insensível a qualquer sentido estético para lá ou dos ridículos devaneios escapistas de muito do actual Cinema americano (sim, o horrendo Mamma Mia está também incluído nesse lote) ou o actual fashionable revivalismo torture porn que parece ser constantemente confundido como verdadeiro cinema. Neste contexto uma obra realista como The Naked City (1948) entra na visão de uma forma completamente nova, mesmo quando se trata de um reencontro após tantos anos desta obra prima do grande Jules Dassin.

Preferindo ser filmada nas (verdadeiras) ruas de Nova Iorque em vez de se manter nas paredes ilusórias dos estúdios, a acção deste então inovador filme mistura as marcantes imagens a preto e branco do favorito fotógrafo da Nova Iorque pré-70s, Weegee com um enredo policial da investigação do assassinio de uma modelo, onde o comentário social e cultura de um dos hubs mundiais é feito de forma visual e os procedimentos políciais são mostrados de forma realista e convincente.

Tal não significa que este filme tenham o mesmo teor de actuais séries de TV que se debruçam sobre investigações políciais com a mesma atitude hiper-realista já citada. Naked City, também originalmente uma série de TV com algum culto, tem um outro sentido narrativo, tentando muito mais mostrar uma história que se vai compondo de pequenos momentos realistas para chegar ao um todo de contornos muito mais humanos e elaboradamente globais. Em vez de se centrar em 'descritivismos' em tudo aparentes (tal como numa recente edição deste podcast alguém dizia) a acção de um qualquer filme pornográfico (que todas estas séries parecem imitar na cadência narrativa), onde o voyerismo está sempre patente, The Naked City apresenta o realismo de forma 'crua' (ou nua, aludindo ao título), mantendo o rigor fotográfico e cinematográfico.

Um pouco como o aqui já referido He Walked by Night (também de 1948), The Naked City possui uma qualidade documental que faz deste filme um misto entre uma (aparentemente) vulgar história policial com um documentário sobre a cidade e os seus habitantes, desde o extracto superior da normalidade diária até ao submundo escondido nas sombras das zonas mais baixas (também metafóricamente), mostradas de forma tão realista como desconcertantemente poética.

Alguns dos contornos que fazem muitos encaixar este filme na categoria de film noir prendem-se também com esta sua ambiguidade, que sobrepõe 'realidade' com um simbolismo poético, que agudiza os dilemas humanos, não só das personagens em background (os habitantes da cidade) como os principais intervenientes na história, os agentes investigadores e os suspeitos investigados. Aparentemente tal originalidade deveu-se ao script de Albert Maltz, que faleceu durante as filmagens e que foi substituido por Malvin Wald para a sua conclusão. Poderá tal facto explicar porque é que existem aqui momentos particularmente 'apressados', sobretudo no final do filme (onde existem alguns elementos narrativos sem sentido), que contradiam todo o ritmo descrítivo e até contemplativo do filme até então.

Mas mesmo revelando de certa forma um produto 'não acabado' da forma inicialmente proposta (algo de resto comum, para o bem e para o mal, em toda a história do Cinema), The Naked City é um soberbo relato de uma Nova Iorque que já não existe e que depressa se tornou um dos mais interessantes e importantes documentos sobre esta cidade, filmando os seus 'altos e baixos' como nunca antes foram filmados e como possivelmente nunca mais se repetirá.

Pequenas Visões de Grandes Heróis em Collants (3)

2008-09-13T19:00:00.006+01:00

Mais um super herói de fato coleante (neste caso super-vilão) a ser mencionado neste blog, que decerto aqueles com particular interesse neste submundo pérfido e vasto do Cinema de Culto já devem conhecer. Uma das príncipais atracções do cinema xunga da Turquia, Kilink Istanbulda (1967) é um dos mais delírantes filmes algumas vez revistos neste blog, mostrando as aventuras de um super-vilão vestido com um fato de esqueleto apostado em dominar o Mundo (claro!), que não perde uma oportunidade para torturar mulheres e que é auxiliado por uns capangas com uns bigodes e chapéus iguais ao grande Quim Barreiros.

A primeira parte de 3 filmes que desafiam qualquer descrição, este filme é uma bizarra mistura de uma série de super-vilões de banda desenhada para adultos, de que o original francês Kriminal, do italiano Killing e de Diabolik (que também mereceu uma adaptação pela mesma altura) serão os mais conhecidos, e que rouba (sem quaisquer preocupações com copyright) várias bandas sonoras de filmes de acção da altura, incluindo uns music scores de John Barry para 007. De resto esta série de filmes poderá até ser considerada em tudo semelhante ao super espião mais fascizóide de sempre, misturando gadgets absurdos, muito machismo grosseiro e alguns recalcamentos sociais algo suspeitos. E se tal não bastasse, o super herói apostado em combater o mal chama-se Uçan Adam (Super homem!) e exibe também uma fatiota coleante em tudo semelhante ao do superherói com alergia a criptonite!

A acreditar no que Nathaniel Thompson escreve no seu imprescindível guia DVD Delirium, este filme saiu da sua obscuridade com uma edição grega em DVD algo recente que rapidamente se propagou pela Internet para delírio dos fans de cinema obscuro e mesmo a fraca qualidade do registo existente (completamente podre) não tira de forma alguma qualquer explendor trash a esta obra-prima do mau gosto.

Colocando a Turquia no mapa do cinema trash, este tesouro do pulp é de um inacreditável e delicioso low budget, que consegue ombrear com clássicos como o imperdível Ninja das Caldas (1998) ou 'pérolas baratas' da produção nacional turca, como 3 Dev Adam, que brevemente terá por aqui destaque. Para os apreciadores, a ver sem reservas.

Duplicidades em Sessão Dupla

2008-09-12T17:19:00.003+01:00

Talvez devido à audição de um velhinho episódio do podcast The Greatest Movie Ever! sobre John Carpenter, resolvi rever ontem à noite (em sessão dupla) os dois Escape From..., de forma a tentar perceber o que pessoalmente acho ser um exagero na importância do posterior Escape From L.A. (1996) e do magnífico e tantas vezes minimizado Escape from New York (1981), talvez a mais coerente obra de um realizador que se dispersou de forma fácil em certas obras.

Consigo entender por um lado o fascínio que a mais recente (destas duas) possa parecer mais apelativa e conhecida, e que a mais antiga possa ser ainda hoje tão minimizada e desconhecida. É que proporcionalmente e em sentidos opostos, o que uma obra têm em pirotécnia, acção e referências sociais e políticas óbvias até ao boçal a outra tem de focus na narrativa e contenção de acção (também devido a um budget mais pequeno) e subtileza dos mesmo temas. E claro que Escape From New York ser muito menos acessível e menos recente ajudou a despoletar o culto pela obra mais recente, criando uma ideia (errada) que estamos perante um filme de conteúdo obviamente idênticos.

Não será necessário entrar em muitos detalhes para entender esta oposição de ambos os filmes (o último uma sequela do primeiro), que parece reflectir uma mudança na forma como Carpenter vê os EUA e a sua relação com o mundo, e que está claramente patente na personagem principal, o lendário Snake Plissken (Kurt Russell). Em Escape from New York Plissken apresenta-se como um niilista que, desencantado consigo mesmo e os seus antigos superiores, segue durante todo o filme a sua linha de neutralidade, embora seja o principal fomentador da narrativa directa, algo interessante.

Na qualidade oposta, a mesma personagem (ou diriamos, a mais recente leitura da personagem) deixa a sua neutralidade cool em certas cenas de Escape From LA, para fazer juízos de valor e, pior ainda, reflectir de forma aberta a leitura do realizador sobre o Mundo dos anos 90. E acreditando nessa mesma visão, os lados que entalam Snake Plissken são uma emergente aliança 'comunista' dos países do terceiro mundo que ameaçam o American way of life de um país liderado por um fanático religioso, algo que poderia reflectir de certa forma a realidade de então, se não estivessemos em plena era Clinton e se não fossem os EUA o principal fomentador (através da CIA) de praticamente todos os regimes 'absolutistas' a sul da fronteira.

Entendo no entanto porque é que alguns acham Escape From LA uma obra 'clarividente' na forma como apresenta um possível futuro dos EUA, de resto praticamente a acontecer em certos aspectos, e onde personagens secundárias no filme parecem adquirir uma importância vital para tal opinião. Mas mais chocante parece ser a atitude desta 're-edição' de Plissken, que é a verdadeira causa da rapture no final do filme, apagando milénios de civilização de forma abrupta que nega qualquer justiça mundial, uma atitude de resto em tudo semelhante aos actuais republicanos no poder e que tudo indica que se repetirá no tão esperado messiânico papel do senhor que se segue, bem mais perfído do que muitos julgam.

Se não bastasse, não será Escape From LA um dos mais conservadores filmes na década passada? Um pastiche cyber punk ultrapassado, veículo de product placement para as corporações discográficas, que entupiram a péssima banda sonora de 'rebeldes instantanêos' e das suas personagens de cardboard, que parecem mais saídas de um banal e vazio videoclip da MTV do que de uma reflecção séria, já para não falar de dois dos menos eficientes vilões dos anos 90, Cuervo 'Che Guevarra' Jones, uma caricatura que parece definir a idea ignorante que muita gente ainda hoje tem em relação à esquerda e do básico Presidente americano, outra caricatura disparatada dos fanáticos religiosos americanos que agora rondam o poder presidencial.

Com tal perspectiva em relação a Escape from LA, as qualidades do seu antecendente, Escape from NY, tornam-se ainda mais apuradas. Este é de facto o exacto oposto (como ambas as cidades, em costas opostas), uma obra clarividente, influente e certeira que antecede em décadas muitas das análises sociais e políticas de um país ainda traumatizado pelo 11 de Setembro. De resto, nos minutos iniciais de Escape from NY, temos até uma futurologia desse evento dramático, que com esta revisão tantos anos depois, ganha um arrepiante valor.

Uma sempre aconselhável double bill de culto, estes dois filmes são no entanto recomendados de forma diferente: um devido ao seu espantoso valor de análise do futuro de uma nação, ou outro como exemplo do que o espalhafato intelectual contaminado pelas multinacionais de forma a fazer revoluções inofensívas que não perturbem a digestão da fast food ingerida e as banalidades confundidas como rebeldia debitadas de uns estridentes headphones.

Em Cima Como em Baixo (1)

2008-09-10T17:55:00.003+01:00

No seu primeiro 'combate verbal' durante o filme, o duro detective Mark Dixon (Dana Andrews) tenta interrogar com os seus métodos particulares o seu eterno inimigo Tommy Scalise (Gary Merrill), recebendo de volta as linhas de diálogo que dão nome a Where the Sidewalks Ends (1950). Este curto e brusco diálogo é de resto acabado perto do final do filme, criando uma 'suspensão', durante a qual a narrativa desvela que entre as alturas morais das forças policiais e da law enforcement e o submundo perfído de Scalise, sempre nas sombras, a diferença será apenas na 'iluminação social' e não na moralidade.

Poderá não ser o momento da carreira mais conhecido de Preminger, ainda na 'ressaca' do sucesso da sua primeira obra-prima (Laura de 1944), mas Where the Sidewalks Ends é um dos filmes contidos num período entre 1945 (ano do 'fetichista' Fallen Angel) e 1952 (com Angel Face, com Robert Mitchum), onde o realizador definiu de forma definitiva os canons do Film Noir, reformulando as anteriores influências para criar um género realmente americano, se tal poderá ser afirmado. Relativamente esquecido (e antecedido do grande Whirpool, também com Gene Tierney), Where the Sidewalks Ends é no entanto um dos filmes centrais de Preminger, sendo uma ponte entre o êxito do estranho conto necrofílico de Laura e o noir de rigeur do já citado Angel Face.

Revolvendo, como em quase todas as obras do realizador nesse período, na sensação de confusão (e culpa) que as suas personagens sentem devido à não separação entre o 'dever profissional' ou moral e a obsessão mais primária e obscura (não será em vão o uso novamente da palavra fetichismo para descrever alguns dos comportamentos de Dana Andrews neste filme), Where the Sidewalks Ends torna-se no entanto simplista na forma em como são conduzidas as personagens durante o filme, para depois 'explicar' a sua estranha linearidade com uma falhada carga de redenção que Mark Dixon tenta carregar, negando o seu 'baptismo de rua'. E são mais esses momentos finais e não tanto um denso jogo de investigação, que 'reabilitam' o filme, fazendo entender as complexidades das personagens.

Mostrando de forma inequívoca o génio creativo de um dos maiores realizadores americanos de sempre, que sempre soube aproveitar os poucos recursos (tal como muitos dos seus 'irmãos' no film noir) para fazer algumas das maiores obras dos 40s e 50s, este será um daqueles noir que, mesmo parecendo superficial e sendo talvez o mais 'temperamental' das obras do realizador neste período, deverá ser redescoberto na excelente obra de Preminger.

A Ilusão (3)

2008-09-10T17:45:00.002+01:00

A cena é nos mostrada de uma forma púdica e simbólica, mostrando apenas os seus intervenientes no reflexo da água da piscina. Lydia (Mary McLeod) confessa ao namorado Paul (Jimmy Lydon) que o seu futuro padrasto a assediou sexualmente na mesma piscina, confirmando assim todas as suspeitas que este tinha sobre o aproveitador e psicótico Don Juan que está prestes a casar com a sua mãe, viúva e 'acessível'. Sem nunca olhar para Paul durante a frase que revela o abuso, o reflexo de Lydia na água (um símbolo para o sexo?) parece querer também mostrar a vergonha e o sentido de culpa, nunca mostradas de forma directa.

Um dos mais 'repudiados', mas também um dos mais especiais filmes do mestre Edgar G. Ulmer, Strange Illusion (1945) parece pouco interessado a fazer-se passar por um noir decente, com algumas precipitações de argumento e actuações algo apressadas, para ser muito mais um pequeno mas perfeito compêndio sobre Psicanálise, mascarando as cruas realidades freudianas com uma espectacular símbologia psicoanalítica. Jogando com as próprias 'ilusões' das personagens, Ulmer desvela as realidades psicológicas através de uma forma espelhada, mas clara, para construir um puro exercício simbolísta.

Se outras aclamadas obras (sobretudo de Hitchcock) foram ao longo dos tempos catalogadas como sólidas obras sobre a presença da psicanálise no Cinema, esta singela mas ímpar obra de Ulmer, completamente esquecida e já 'caída' no estatuto de creative commons, merece uma menção honrosa pela sua assumida e desconcertante construção psicológica, sendo um perfeito catálogo de 'anómalias' psicanalíticas, cada uma representada por cada uma das personagens, tornando-se num dos mais definidos universos simbolistas da rica década de 40.

A Ilusão (2)

2008-09-09T09:48:00.006+01:00

****Spoilers*****

O agradável serão de Nokichi (Tatsuya Nakadai) é de repente transformado em pesadelo quando a luz da candeia transforma o rosto calmo e harmonioso da sua jovem esposa Yuki (Keiko Kishi) no rosto da bela e terrível 'fantasma das neves' que roubou a vida ao seu colega lenhador à 10 anos atrás e que o poupou à morte certa na condição de este nunca revelar o sobrenatural encontro. Tentando-se convencer que tudo isto não passa de uma ilusão, Nokichi evita cair no terror absoluto, contando à sua prendada mulher tal história encerrada para sempre na promessa.

****Fim de spoilers*****

O clímax da segunda história da adaptação para o cinema de Masaki Kobayashi (em 1964) do 'compêndio' de fantasmas japoneses Kwaidan.

Bonita Troglodita (1)

2008-08-25T14:45:00.005+01:00

Sendo um dos filmes mais disparatados e involuntariamente maus vistos cá em casa nos últimos tempos (anos?, décadas?) La Mujer Murciélago (1968) é também um dos mais hilariantes e divertidos sci-fi que qualquer cinéfilo que goste deste tipo de produtos de refugo poderá pôr as vistas em cima. Um sci-fi polícial mexicano, tentando rentabilizar a popularidade de Batman (e sobretudo da série de TV Batgirl), este Mulher Morcego é também um exploitation de lucha livre (essa forte instituição de culto mexicana) com contorno cheesecake, aproveitando os dotes 'melodramáticos' da sex kitten italiana Maura Monti.

Quando uma investigação policial sobre a estranha morte de alguns conhecidos wrestlers mexicanos ganha uma importância de segurança mundial (?) uma bela milionária, desportista e wrestler de luta livre mexicana conhecida apenas como Mulher Morcego (pois...) decide ajudar a investigação, exigindo apenas que a sua identidade seja escondida por detrás de uma máscara idêntica à de Batman e de um pequeno bikini a condizer. E se as belas formas de Monti vão sendo mostradas em algumas das cenas de diálogo mais estúpidas do celluloid ou quando usa os seus bizarros gadgets anti-vilanagem, quando esta entra em acção no ringue de luta livre é prontamente substituida por uma body double (aqui a palavra double é usada também duplamente), completamente coberta com um fato macaco azul, o que torna este filme absolutamente garrido de gargalhadas.

Como se tal não bastasse, a presença de um estúpido e ineficiente homem-peixe, criação de um pouco convincente génio louco que quer dominar o mundo (pois!) as sequências de luta livre feminina (!), perseguições de automóveis hilariantemente más (e perigosas para alguma da assistência canina junto à estrada onde estas foram filmadas) e algum melodrama sexista e disparatado, em tudo semelhante ao que se pode ainda hoje encontrar em qualquer telenovela mexicana, tornam este filme uma pérola kitsch imperdível.

Sendo um bizarro produto mexicano com todos os ingredientes base para se tornar um daqueles títulos de cult flick que fica sempre bem atirar em conversas especializadas, La Mujer Murcielago sempre teve um culto esmagador mesmo sendo completamente desconhecido até ao aparecimento do DVD. Um daqueles filmes raros mas absolutamente imperdíveis para aqueles interessados em cinema trash de culto.

A Ilusão (1)

2008-08-25T13:50:00.004+01:00

****Spoilers*****

Refugiada num quarto de um hotel barato de Memphis onde tudo parece ser possível, a estrangeira Luisa (Nicoletta Braschi) afronta a mais poderosa ilusão de toda a sua atribulada (e forçada) viagem pela estranha cidade. À sua frente o fantasma de Elvis pede desculpa pela intrusão no quarto, enquanto uma conflituosa 'pendura' dorme, adormecendo também o seu coração, no calor dos lençóis baratos do hotel.

****Fim de spoilers*****

O clímax da segunda história desse 'compêndio' das ilusões e mitos que é Mystery Train (1989), de Jim Jarmusch.

Cruzes! Credo! (2)

2008-08-23T08:15:00.006+01:00

Sendo um daqueles filmes oddities que costumam ganhar culto nos tempos que correm através da Internet, Death Metal Jesus (2003) possui uma particular candura e encanto que os distância dos cada vez mais numerosos filmes que utilizam este meio a rede para tentar monopolizar a atenção das várias comunidades que geram cultos ‘bola de neve’. Se a Internet (agora na sua ‘fase 2’, cada vez mais marcada pela geração youtube), está completamente saturada de milhares de desinteressantes ‘filmes independentes’ que se tentam salientar através de um sarcasmo ‘pós-moderno’ (ou através da já gasta paródia de contornos pop), existem ainda descobertas on-line que amaciam o meu corrente cinismo em relação as intenções de certos novos cineastas. E se normalmente esse tipo de filmes são facilmente encontrados em todo o lado, por outro lado esta curta metragem chilena e tão obscura que, mesmo num meio como a Internet, a sua informação é quase nula.

Uma curta metragem indie de contornos ‘caseiros’ em tudo semelhantes a esse marco histórico do Cinema Português que foi o Ninja das Caldas (1998), Death Jesus conta a hilariante e atribulada história de uma banda chilena de Death Metal que, para promoção do seu visual satânico, resolve roubar o enorme crucifixo do altar da igreja local.

****Spoilers****

O roubo gera distúrbios místicos bizarros e originalmente cómicos quando o Cristo do crucifixo se torna o próprio J.C. incarnando e a situação torna-se ainda mais hilariante quando o ‘Filho do Homem’ é recrutado como o novo vocalista da banda devido aos seus sobrenaturais dotes vocais. Por sua vez o Chifrudo em pessoa (adepto de tecno-pop-xunga e de ódio claro em relação ao Metal), roído de inveja, manda ao mundo o seu sidekick para travar imediatamente este ‘Death Metal do Senhor’.

****Fim de Spoilers****

Mesmo tendo em conta o low fi ‘amador’ deste trabalho (sem paternalismos), o realizador Juan Manuel Aburto consegue gerar um constante interesse durante todos os 50 minutos do filme, segurando o cast nas suas personagens (que parecem ser de resto reflexos dos actores!). Com um espírito cómico cúmplice com os gostos (cinematográficos e musicais) desta sub-cultura, este filme nunca cai numa saturação do cinema de Horror (e muito menos do Gore), preferindo antes o highlight da luta entre o ‘Bem e o Mal’ e as ambiguidades cómicas dos fans desta sub-cultura do Metal.

Com um espírito DIY à ‘prova de bala’, Death Jesus é simultaneamente uma cândida brincadeira cinematográfica, jogando com alguns preconceitos que esta tribo urbana é catalogada, e simultaneamente parece-me pessoalmente um válido trabalho de experimentação que revela uma originalidade singular nos tempos que correm. Pena e que a sua 'presença' on-line seja ainda muito obscura, com uma quase ausencia de informação sobre este filme.

Da Cara a Metade (3)

2008-08-21T10:45:00.009+01:00

Sabendo que esta já se 'decidiu', Dixon Steele (Humphrey Bogart) agarra firmemente Laurel Gray (Gloria Grahame), dando-lhe o primeiro beijo de uma relação que, se sabe já, será tempestiva. Nicholas Ray escolhe aqui um estranho plano para filmar o beijo, colocando a personagem de Grahame numa posição inferior a de Bogart, retirando-lhe assim a sua condição de Femme Fatale (ambos tinham sempre sido mostrados em alturas iguais até este ponto do filme) e transformando completamente uma comum condição em qualquer 'normal' Film Noir, se tal existir.

Se a personagem da extraordinária Grahame tem em In a Lonely Place (1950) um papel aparente de Femme Fatale, no que realmente se torna esta obra inicial de Nicholas Ray ao longo da narrativa é um relato de 'histeria masculina', somando esta aos medos de impotência já comuns no Film Noir, completada com os medos de Laurel (e os nossos). E sendo Laurel uma femme fatale 'reformada' e Dixon o centro 'destabilizador', ambos possuem uma equivalência que os faz caras metades.

Usando como trigger narrativo a investigação do crime cometido por um possível maníaco (e de que Dixon é o príncipal suspeito), Ray vai construindo uma espiral descendente sobre uma relação tornada estranha através do medo e suspeitas de Laurel e também de Dixon, aqui sempre suspeito até ao final, num filme tão simultaneamente terno como cínico onde parece não existirem vítimas e agressores.

Freak-o-Visión (3)

2008-08-20T07:55:00.009+01:00

Com El Topo de Alexandro Jodorowsky , Pink Flamingos (1972) deverá ser a obra mais infame do cinema independente dos anos 70 (facção Midnight Movie) e aquela que reúne a colecção mais bizarra de freaks após a obra de Tod Browning. Se não bastasse a mais completa colecção de desvios sexuais e actos nojentos praticados em frente a uma câmara, John Waters oferece-nos ainda alguns dos diálogos mais hilariantes que há memória no cinema americano pré-Tarantino ("There are two kinds of people in this world: my kind and assholes!" ou "Someone has sent me a bowel movement!" serão algumas das pérolas verbais), para compôr uma paródia aos marcos do melodrama do cinema dito 'sério' dos grandes estúdios.

Com um cast constituido pelo bizarro séquito que o realizador tinha à sau disposição na sua ~~Boston~~ Baltimore natal, Pink Flamingos centra-se à volta da personagem de Babs Johnson, interpretada por um dos maiores misfits de toda a história do Cinema (refiro-me claro a Divine), que torna este puro exercício de melodrama podre numa orgia de mau gosto desde os minutos iniciais até à tão conhecida e comentada cena final. Enquanto a família Johnson vive feliz cometendo os seus excessos podres numa nojenta roulote situada no meio do nada, o casal Connie e Raymond Marble (Mink Stole e David Lochary), que raptam raparigas que logo são engravidadas pelo seu assistente para depois venderem os bébés a casais de lésbicas, vai tentanto seguir todos os passos de Babs, de forma a conseguirem ultrapassá-la e conquistarem o infame título da criatura mais javarda do planeta.

Em parte iguais (e extremas) hilariante e nauseabunda, Pink Flamingos é uma daquelas obras desde sempre comentadas mas que apenas os mais corajosos parecem conseguir suportar até ao fim, tão é o assalto ao sentido que Waters faz aos seus espectadores. Claramente recomendado apenas para aqueles que possam ter interesse nos marcos do (verdadeiro) cinema independente americano, este inesquecível e espectacular microcosmos de mau gosto e perversão visual consegue, imitando a vida, ultrapassar quase todos os limites cómicos alguma vez impostos pelas convenções sociais.

Norte e Sul

2008-08-19T07:55:00.005+01:00

Uma obra sui generis, até para a actual ‘mais estranha’ produção cinematográfica sul-coreana, Welcome to Dongmakgol (2005) e um fantástico exercício cinematográfico simultaneamente saudosista como também uma ‘reflexão de um possível futuro’ das duas Coreias. Uma adaptação de uma peça de Jin Jang, este bizarro filme mistura o conflito coreano com uma história de amizade impossível devido a divisões politicas, tudo ‘empacotado’ num formato cinematográfico que mistura drama, comédia e pitadas de filme de guerra.

Mas mais do que um filme de Guerra (com uma ausência quase total de cenas de guerra!) como alguns o consideram ser, este filme é muito mais um conto cómico popular de contornos humanistas, que tenta centrar-se nas ‘artificiais’ diferenças entre as populações de ambos os lados do conflito para revelar as suas semelhanças.

Na sua quase totalidade este filme passa-se numa obscura e quase inacessível aldeia entre as duas Coreias, vivendo ainda numa fase ‘medieval’ em tudo semelhante à mitológica ‘idade de ouro’, onde os habitantes não desenvolveram qualquer sentimento de vingança ou malícia e vivem numa paz absoluta, protegida devido a uma estranha e mística névoa que isola esta aldeia de um dos mais marcantes conflitos do século XX neste quadrante mundial.

Com a queda de um caça de combate americano, ao qual sobrevive um piloto americano e a acidental chegada de dois pequenos grupos de soldados de ambos os exércitos coreanos à aldeia, todo este ideal e estático equilíbrio é perturbado, quase ao ponto da ruptura social, usando de forma ambivalente tanto a comédia como situações dramáticas próprias de um filme de guerra.

Se é constatado cedo no filme que existe um conteúdo ‘moral’ que este filme quer revelar, sendo um misto de comédia e um drama de guerra sobre o conflito coreano, existe logo também uma certa pretensão de ‘aplanar’ o conflito, reduzindo-o a uma simplicidade que tem tanto de interessante (pelo menos para este propósito) como de historicamente ‘revisionista’. Note-se mesmo que por vezes (sobretudo quase no final deste filme) existe mesmo uma certa ‘vitimização’ de ambas as facções do conflito, ambas a sofrerem as mãos do exército americano, de que Smith (a personagem de Steve Taschler, o piloto americano hóspede dos residentes de Dongmakgol) parece ser uma feliz excepção.

Se tal se deve sobretudo para conseguir incluir o aliado da Coreia do Sul na narrativa, a ideia que transparece depois de uma rocambolesca rábula por vezes a roçar o hilariante é que tal intervenção não explica a divisão da península coreana. E se tal e notado facilmente o oposto, o companheirismo e união na adversidade de guerra, também não parece ser conclusiva. Mas se esta primeira longa metragem Kwang-Hyun Park cai neste 'positivismo' humanista, também é certo que esse mesmo tipo de atitude se torna quase um enlightenment cinematográfico, tornando este filme um objecto que facilmente captiva os espectadores.

Mesmo dizendo isto, e se calhar arriscando a estar a levar demasiado a sério as reais pretensões desta comédia dramática, Welcome to Dongmakgol é uma divertida e emocionante aventura cinematográfica, que tenta de forma diferente e humana aproximar o norte e o sul, talvez trazendo a uma geração já distante deste brutal conflito o que num futuro próximo, com suficiente vontade política e menos interferência exterior (chamam-lhe politica externa, parece), se poderá finalmente alcançar depois de décadas de afastamento. Recomendado.

Da Cara a Metade (2)

2008-08-18T08:11:00.006+01:00

Numa dança que se percebe mais tarde ser o último momento de comunhão entre ambas as personagens, Robert 'Bob' Montagné (Roger Duchesne) e a bela Anne (Isabelle Corey) conseguem entender (e entender-se) que são de facto tão iguais que nunca conseguiriam alguma vez estar juntos.

Se a ‘traição’ cometida entre Anne e o sidekick / aprendiz de Bob, Paolo(Daniel Cauchy) poderia ser algo que despoletaria o final de uma união (que nem sequer existiu para começar) numa qualquer relação, aqui sabemos que entre estas duas ‘caras metade’ o que distancia ambos e o seu espírito demasiado desprendido e independente e um fatalismo constante, que so os jogadores absolutos conseguem encarnar.

Mesmo enquadrado tematicamente no magnífico e influente Cinema francês de gangsters pré-Nouvelle Vague Bob le Flambeur (1955) consegue fazer-se distinto de certa forma de obras-primas absolutas como Rififi (já aqui comentado). De resto, sendo Jean-Pierre Melville bem mais ‘relaxado’ que Dassin neste relato do submundo parisiense, este é um heist film onde o heist nem sequer acontece e onde o existencialismo irónico e fatalista da personagem de Bob toma completamente conta da narrativa, moldando este filme em gestos iconográficos (ou simbolicamente cinematográficos) transgressívos e inflúentes, por vezes em ‘ruptura’ com a narrativa.

Falando da influência deste filme, que de resto costuma ser mencionado por Quentin ‘agregacionista cinematográfico’ Tarantino, Melville foi um dos poucos realizadores franceses antes da ‘Vague’ com conseguiu o respeito desta, sobretudo de Truffaut (inicialmente) e Godard. Bob le Flambeur terá sido mesmo, de uma forma simbólica, uma prequela de À Bout de Souffle (1960), onde Michel Poiccard (a personagem de Belmondo), que parece ser uma reincarnação do sidekick de Bob, existindo até uma menção a um Bob, já para não falar na presença do próprio Melville, como o célebre entrevistado no aeroporto.

Uma das obras centrais da pré-Nouvelle Vague, Bob le Flambeur é ainda hoje um fresco e ousado filme que ajudou a definir o que constitui hoje uma das repescagens modernas da figura do gangster, agora que os clichés ‘mafiosos’ vão sendo suavizados na cultura pop global.

Brondo Hipnose

2008-08-17T08:55:00.006+01:00

Claramente obsecado com a beleza física da actriz Cristina Brondo (revelada internacionalmente como a residente espanhola do Albergue Espanhol), o realizador de TV David Carreras tentou em Hipnos (2004) tecer visualmente um curioso thriller psicológico, recheado de profundas cenas alucinantes que vão dividindo a narrativa temporalmente, tentando prender o espectador à história da pouco credível médica - ou será paciente - enterpretada por Brondo, de um instituição mental com uma invulgar taxa de suicídios recentes e um segredo ligado a personagem principal.

Cinematográficamente, se a discrição acima parece querer fazer entender que este filme será interessante, o facto é que rapidamente se entender que Carreras não se consegue descolar de uma linguagem televisiva, pouco profunda e muito linear, para realizar um filme que é completamente alicercado em imagens perturbadas e profundas e que tentam transmitir a narrativa de forma fragmentada, marcada pelos delírios de Beatriz (a personagem de Brondo), induzidos pelos fármacos e o ambiente claustrofóbico do hospital. E se Carreras trabalha visualmente este filme de forma interessante, depressa se percebe que esta linguagem é tão vazia e carregada de clichés e simbolismo já usado até à naúsea, que facilmente se assemelha a um produto talvez a ambicionar a exportação a um mercado global, correntemente tão marcado por vazios e boçais blockbusters de terror psicológicos.

Para piorar, e sem querer entrar por uma crítica demasiado negativa, a bela actriz principal está de tal forma disparatada out of character, que torna grandes fatias deste filme um exercício titilante de exposição do corpo da actriz, interessante tá bem, mas também com um fetichismo algo disparatado que torna este filme algo pouco sério e credível. De resto falta de credibilidade será o que mais abunda em Hipnos, com Brondo poucas vezes conseguindo ser credível (algumas gargalhadas soltam-se por vezes, com a sua pose de médica semelhante a um qualquer anúncio de pasta dentrífica), mesmo que acompanhada de um cast espanhol que pode ser considerado imaculadamente brilhante.

Se os minutos finais deste filme conseguem de alguma forma redimir alguns dos pontos mais francos ou 'alucinados' do filme, como já dito, carregado de devaneios tão interessantes visualmente como vazios de significado côerente, o facto é que por esta altura já muito do que o realizador tentou fazer neste filme está irremediavelmente perdido, não conseguindo Carreras transportar até ao final o significado misterioso de forma coerente desta sua primeira obra para o grande ecrã.

Claramente um filme sem grande interesse, Hipnos torna-se apenas interessante para aqueles que queiram ver mais uma obra corriqueira numa visão rotineira do actual cinema de terror espanhol mais comercial.

Galáxias Geek

2008-08-16T14:33:00.007+01:00

De todos os trekkers on-line que algumas vez fizeram filmes sobre o assunto primal que modela as suas vidas (para os mais distraídos é isto), o filandês Samuli Torssonen é decerto o mais trabalhador e incansável. Mesmo talvez correndo o risco de parecer injusto, alguém que reúne numerosas crews on-line para recriar de forma hilariantemente sarcástica todos os filmes do franchising Star Trek, ousando fazer uso da sua geekiness para ter conseguido recriar 7 dos filmes, muitas vezes com efeitos especiais superiores ao originais e narrativas bem mais consistentes merece tal título.

Com um humor políticamente incorrecto (sobretudo no que toca à relações diplomáticas da Filândia com a Rússia) e livre das habituais restrições de distribuição da indústria (todo o processo de distribuição foi até à pouco tempo feito através da Internet), Star Wreck está também já a tornar-se por si mesmo um franchising como aquele em que se inspirou.

A mais recente aventura de gosto bizarro, Star-Wreck: in the Pirkinning (2005) possui um recorde de downloads difícil de bater por um filme on-line (cerca de 700 mil na primeira semana, segundo dados oficiais), com já várias edições oficiais e uma recente edição 'internacional', dobrada em japonês. Relatando as mais recentes aventuras da crew do Capitão James B. Pirk (clara paródia ao nome do Capitão Kirk), tornado um javardo vagabundo nas ruas de Helsínquia depois da C.P.P. Kickstart ter caído no planeta Terra do início do Século XXI, Star-Wreck: in the Pirkinning vai contando os avanços do estúpido mas ambicioso capitão, que mesmo com as limitações tecnológicas terrestres não se vê impedido de conquistar o Universo, usando para tal tecnologia russa e começar uma guerra mundial! Para desespero de uma tripulação mais interessada em ficar no planeta a gozar uma vida normal do que a navegar através de wormholes cheios de personagens que desafiam a descrição, Pirk consegue juntar uma invejável frota de naves e parte a conquista do universo.

Mesmo com um humor por vezes juvenil e boçal, este filme torna-se rapidamente numa simpática obra para ver num serão descontraido de fim de semana (ou uma TV party), onde através de uma estrutura narrativa semelhante a das sagas nórdicas, se vai construindo um devaneio cómico de proporções cósmico-estupidas.

Os mais distraídos mas curiosos sobre recentes forma cinematográficas podem ir apanhando o fólego com este Star-Wreck: in the Pirkinning, enquanto se espera pela próxima aventura deste bando liderado por Torssonen, uma bizarra comédia chamada Iron Sky (que pode ser acompanhada através do já disponível site oficial) que talvez se torne num dos casos de maior sucesso do novo cinema on-line a transparecer para o mainstream.

Star-Wreck: in the Pirkinning está disponível na sua versão oficial aqui.

Cruzes! Credo! (1)

2008-08-15T22:37:00.005+01:00

"Não, não sou louco. Nem tão pouco perverso. Ao contrário: sou a salvação tua e de toda a Humanidade!" vai dizendo Josefel Zanatas, enquanto observa um rudimentar engenho a esmagar a cabeça de mais um rival que pode empedir os seu objectivo de vida.

Um pequenino sample dos hilariantes e numerosos discursos nietschianos que Zé do Caixão vai debitando com gosto e sarcásmo em Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver (1967), a segunda parte do relato da incansável procura da imortalidade deste personagem, que tenta a qualquer custo fazer um filho que será a sua encarnação perfeita, um superhomem nietschiano que salvará a Humanidade da supestição e da crença religiosa para gerar um mundo 'perfeito'.

Não querendo nunca cair nas crenças do povoado onde vive, o cangalheiro local vai
tentando provar ao 'povo estúpido' que Deus não existe, em cenas pitorescas que fazem esse mesmo povo acreditar que Josefel Zanatas (o 'verdadeiro' nome de Zé do Caixão) tem um pacto com o diabo, enquando sadicamente tenta encontrar a mulher eleita que será o ventre do 'sangue do seu sangue', a única forma que Zé do Caixão vê ser possível de viver para sempre.

Esta sequela de À Meia-Noite Levarei Sua Alma (1963), onde a personagem Zé do Caixão primeiro apareceu (em Cinema), este filme é a continuação do manifesto ateísta de Marins, que por entre destranbulhados gimmicks de terror (como cobrir actrizes semi-nuas de tarântulas ou cobras verdadeiras!) e inspirados diálogos (ou monólogos) da sua personagem favorita, entrega aqui um dos filmes mais hilariantes alguma vez filmado, ampliando de forma magnifica o camp religioso das antigas novelas de cordel populares num espéctaculo cinematográfico simultaneamente grotesco e divertido (para alguns).

Se a primeira parte deste filme é um dos maiores clássicos da América latina, Esta Noite Encarnarei no Teu Cadáver conta com uma das sequências mais bizarras e kitsch da obra de Marins, a clássica primeira descida de Zé do Caixão aos infernos, num 'delírio dantesco' como a personagem afirma, filmada num technicolor berrante e que acrescenta e este filme um dose de camp quase impossível de ultrapassar. Uma das pérolas do cinema brasileiro.

Da Cara a Metade (1)

2008-08-14T12:40:00.006+01:00

Numa cena terna e melodramática, Joe Kojaku (James Shigeta) declara o seu ambíguo amor a Christine (Victoria Shaw), sabendo que está também a atraiçoar as intensões do seu colega, amigo e ex-companheiro de armas (Glenn Corbett) durante a Segunda Grande Guerra.

Ambos são as equivalentes "cara-metade" nesta esquecida obra de Sam Fuller, que encontra aqui uma 'desculpa' (na amizade entre dois detectives da força policial de LA, um 'Wasp' e o outro nipô-americano) para descrever o clima racial sobre os imigrantes do outro lado do Pacífico uma década após o término da 2a Grande Guerra e as anbíguas trocas culturais que parecem ainda limitadas devido aos códigos sociais.

Parece claro que The Crimson Kimono (1959) será menos um Film Noir do que um requintado melodrama sobre um amor aparente impossível, que Fuller quer ver consumido a qualquer custo, mesmo que puxando as convenções sociais da altura (que de resto estavam já a cair) até ao risqué, colocando de súbito a personagem nipó-americana como a lead do filme, deixando para trás a personagem interpretada por Glenn Corbett. Vai-se descobrindo que todo o plot relacionado com a investigação do assassinio de um dançarina de burlesco que atira ambos os detectives para uma investigação em Little Tokyo e pela clique artística local (devido à pintura que dá título ao filme) não é mais que um pretexto para encenar um esquizofrénico exercício narrativo.

Na obra de um realizador cuja obra é marcado pela guerra (Film is like a battleground, dizia Fuller na sua cameo appearence aqui), The Crimson Kimono torna-se um campo de batalha sentimental e existêncial, uma obra pioneira (influente para a Nouvelle Vague) e que iria definir o começo do pós-film noir.

A Criança e o Monstro (2)

2008-08-08T12:31:00.003+01:00

****Spoilers****

Tentando descobrir o verdadeiro segredo por detrás dos rumores do fantasma do orfanato, Carlos (Fernando Tielve) arrisca-se a entrar no reservatório para ser recebido por Santi (Junio Valverde).

Carlos sabe já que existem coisas neste mundo bem piores que as aparições do outro mundo, e mesmo ainda sem conhecimento de porque é que está num orfanato cheio de órfãos, sabe que entre o fantasma e si mesmo não existem realmente grandes diferenças, já que ambos estão presos a algo: um à própria Morte, o outro na certeza possível de que poderá morrer às mãos das tropas de Franco que avançam já pela vizinhança.

Sendo uma quase ‘prequela’ de El Laberinto del fauno (2006), Guillermo del Toro transforma uma normal história de fantasmas numa das mais interessantes parábolas sobre os fantasmas da Guerra Civil Espanhola e da iminência do regime franquista, fazendo de El Espinazo del Diablo (2001) um dos mais interessantes filmes recentes sobre o período mais negro da história espanhola do século passado.

Pervertendo a forma como o medo é gerado nos espectadores, Del Toro consegue gerar um clima de medo, primeiro alimentado pelo próprio medo do sobrenatural, para depois pegar no ‘silêncio dos inocentes’ ou na voz dos mortos e fazer-nos constatar que de facto a única coisa medonha neste período histórico serão os carrascos, humanos. Levando ainda mais longe a metáfora, a segunda parte do filme torna-se uma espécie de heist film, aludindo a pilhagem franquista, com uma espécie de união de combate constituída pelos órfãos vivos e o(s) fantasma(s), no fundo a memória, dos mortos, a tentarem salvar o assalto ao orfanato.

Com um final menos esperançoso que El Laberinto del Fauno, antevendo o que será o regime franquista, El Espinazo del Diablo é a consolidação da linguagem deste realizador, que tinha já um estilo próprio na sua estreia Cronos (já comentada aqui) e um quase ensaio para a obra-prima já citada. Com um cast soberbo (de já estrelas do cinema latino - Eduardo Noriega, Marisa Paredes, Federico Luppi - ) este filme tem a prestação de um magnifico grupo de jovens actores, capazes de segurar grande parte do filme sem qualquer interferência dos consagrados.

Uma obra a conhecer ou rever para nunca mais esquecer.

Freak-o-Visión (2)

2008-08-05T07:54:00.005+01:00

Parece-me ser bastante difícil definir uma comédia como El Milagre de P. Tinto (1998) no panorama cinematográfico espanhol. Esta bizarra obra, realizada por Guillermo e Javier Fesser do colectivo cómico Gomaespuma (uma espécie de Gato Fedorento espanhol) tem a sua narrativa num passado histórico ibérico mas nunca (ou poucas vezes) mostra um sentido nostálgico que muitas das recentes comédias deste país predam. Outro pecúliar pormenor é o de aproveitar algumas das personagens-tipo dessa mesma tradição cómica, para depois metamorfasear estas mesmas personagens um quase 'micro-clima' cómico, que mistura uma tendência de hyper-desenho-animados-on-acid, humor cómico semelhante ao de Buster Keaton e com caracterizações a fazerem lembrar Freaks de Tod Browning, tudo sempre de uma forma positiva. Existe também uma clara 'colagem' muito mais ligada as então inovadoras linguagens gráficas do cinema de comédia negra europeia (alguns consideram este filme algo semelhante a Delicatessen, mesmo sem nunca entrar num terreno mórbido da obras de Jeunet e Caro) do que à tradição cómica espanhola.

O Sr. P. Tinto (Luis Ciges), um fabricante de óstias para o Vaticano, e a sua mulher Olívia (Silvia Casanova) tentam tornar-se um casal de uma numerosa família, sempre sem resultados. Quando dois extraterrestes anões aterram perto da casa do casal (um antigo apeadeiro onde apenas passa um combóio cada 25 anos), logo se oferecem para serem filhos temporários até o casal receber finalmente um orfão africano, adoptado através de uma organização de caridade. Mas quando um gigante e anafado caucusiano de mais de 2 metros e 200 kilos, fugitivo de um manicómio algures de um país de leste bate à porta do casal, é imediatamente confundido com a tão esperada criança africana adoptada, trazendo dissabores à vida dos dois acomodados extraterrestes. Com uma descrição desta (extremamente linear, acreditem) é quase impossível tentar sequer imaginar o conteúdo de cerca de alguns do 106 minutos mais hilariantes da comédia espanhola de sempre.

Esta hilariante e única comédia passa-se numa espécie de passado entre o transe hilariante e o realismo histórico simultaneo ao regime franquista, mas onde extraterrestes, com capacidades de viajarem no tempo, coabitam com um empreiteiro xenófobo que é também um ufólogo amador, um gigante com problemas mentais que é adoptado como uma criança africana por um homem que nunca teve aulas de educação sexual e que mesmo assim vai tentando (à sua maneira) constituir uma família numerosa, com uma mulher que nunca entendeu ser cega de nascença.

Mas se tal poderá soar como uma forma perfída de comédia negra, de contornos desagradáveis, o que se assiste é exactamente o oposto, tornando-se este um realmente bizarro e distorcido (quase desenho animado) filme, mas como uma 'força motora' extremamente positiva e quase inofensíva, sobretudo se comparado com outras obras cómicas 'extremas' espanholas, como Torapia por exemplo.

Esta é uma daquelas obras onde os gags (sobretudo físicos) são entregues a uma velocidade alucinante (e que forçam a várias paragens constantes de forma a limpar as lágrimas e conseguir apanhar a próxima), e mesmo com pequenos momentos algo fracos (como a reciclagem de cenas de alguns blockbusters, de que E.T. será talvez o mais evidente) esta é uma das melhores comédias surreais da década passada, passando em muitos momentos a qualidade humorística dos filmes dos irmãos Farrelly, cujo o posterior Me, Myself and Irene (2000) estranhamente parece ter pontos em comum.

Mesmo não sendo decerto para todos os gostos (nada o que passa por este blog parece ser), El Milagre de P. Tinto é altamente recomendado a todos aqueles que gostam de comédia, sobretudo física e invulgar, e que consegue suportar sérios ataques de riso que poderão provocar lesões físicas. A ver sem reservas mas com muito cuidado.

A Criança e o Monstro (1)

2008-08-03T07:53:00.004+01:00

Replicando uma cena vista dias antes, durante a exibição do cinema itinerante que trouxe a aldeia “Frankenstein” de James Whale, Ana (Ana Torrent) estende ao assustado e ferido fugitivo (Juan Margallo) uma maça, marcando assim o início da sua revelação, consolidada mais tarde durante uma espantosa cena onde a actriz olha o seu reflexo no lago.

Será desnecessário e redundante tecer qualquer tipo de considerações elogiosas sobre um filme como El Espíritu de la Colmena (1973), um dos mais espantosos filmes europeus de sempre e muitas vezes incluído nas listas de obras mais importantes de toda a história do Cinema.

Uma reconhecível metáfora à guerra fratricida e ao regime político que a sucedeu, a obra mais conhecida de Victor Erice é também um dos mais espantosos relatos simbólicos sobre a condição humana e a constante procura da verdadeira Liberdade, sempre condicionada (e por vezes esmagada) para que uma injusta ‘Colmeia’ se mantenha.

Muitos vêem como justificado o título do filme devido à presença do fugitivo na tarimba abandonada (e que é visto como um espírito, devido a um diálogo, transcrito aqui numa versão em inglês). Mas o verdadeiro espírito do título é aquele que Ana encontra depois da sua revelação (também ligado ao mesmo diálogo) e que esta rejeita, o da submissão que valída o regime político de Franco. E este regime é aqui dissecado, tal como as diversas fases de enlightment de Ana, através de um dos mais coerentes e precisos sistema de simbolismo alguma vez filmado, onde todos os gestos, planos e sequências, palavras e presenças são colocados de forma rigorosa. Desta forma esta obra é simultaneamente hermeticamente simbolista, onde todos os símbolos são precisos e significativos (as portas, o poço, o cogumelo, os quadros, a janela, o lago, e claro a colmeia, etc., etc. …), mas com uma leitura linear que vai emergindo assim que se pensa no seu verdadeiro significado.

O uso deste simbolismo, linear diga-se, torna-se necessário de forma a definir algo indefinível, nunca nomeado durante o filme, e quase oculto na totalidade da sua duração, mas constantemente pressentido. E torna-se claro por isso que se existir alguma obra cinematográfica que consiga definir espiritualmente o longo e terrível sono (e pesadelo) que emergiu a Espanha durante quase meio século, El Espíritu de la Colmena é a sua mais forte candidata, lidando com esses fantasmas (o com esse espírito) de forma inequivocamente iluminada, corporizando essa Espanha ‘submersa’ na curiosa Ana, o rosto daqueles que ousaram acordar para enfrentarem o monstro, tão exteriormente à sua volta como no seu mais escondido e profundo interior.

Uma obra influente ainda hoje, passadas já mais de 3 décadas (basta ver o ‘quase remake’ soberbo que é El Laberinto del Fauno), El Espíritu de la Colmena é um daqueles filmes que vai crescendo subliminarmente no cérebro dos seus espectadores e que necessita de forma viciada de ser revisto vezes sem conta, não tanto para o entender verdadeiramente, mas para perceber até que ponto a realização de Erice é verdadeiramente sublime.

Hunter ao Pequeno-Almoço

2008-07-28T09:03:00.005+01:00

O menos interessante de todos os documentários já vistos (pessoalmente) sobre Hunter S. Thompson, Breakfast with Hunter (2003) coloca mais o seu interesse no lado excêntrico do escritor e personalidade da contra-cultura, fazendo um retrato humano e divertido e agressivo desta personagem, mas não conseguindo mostrar na maior parte do tempo o ser humano por detrás da lenda.

Dividido sem grande rigor entre uma querela judicial de Thompson em 1998, quando foi apanhado a guiar em Aspen ligeiramente acima do limite legal de alcoolémia e as preparações e realização da adaptação cinematográfica de Fear and Loathing in Las Vegas, este documentário vai mostrando o lado mais social do escritor, com várias celebridades a popularem toda a duração do filme, deixando de parte a faceta mais intelectual do Thompson. Talvez um pouco por culpa do próprio Thompson (nestas filmagens com uma forte tendência narcísistica), o realizador Wayne Ewing deixa para segundo plano qualquer sentido histórico e documental e concentra-se no quotidiano do escritor, que nunca foi possível definir no verdadeiro sentido dessa palavra.

Recomendado de certo a todos os fans de Thompson este documentário tem apenas, parece-me, maior interesse na forma como se consegue tornar, a partir de certo ponto, num making of da excelente adaptação de uma das obras primas do escritor por Terry Gilliam, consistindo-se, à parte disso, por muita 'palha' que não trará grande informação aqueles que ainda não conhecem a obra do que foi (e é) um dos maiores escritores americanos pós-guerra.

Franco-O-Rama

2008-07-27T09:09:00.015+01:00

Depois de uma frenética rat race para finalmente encontrar o local do tesouro, Faustino (Alfredo Landa) cai na desilusão mais mortal sabendo do grande engano que viveu quase toda a sua vida, ao descobrir o que realmente aconteceu ao 'ouro de Moscovo'. O incondicional franquista enfrenta o retrato de Franco nas catacumbas do palácio de El Pardo, a antiga residência do ditador, onde estava escondido o lendário tesouro, sabendo agora que a glória do seu modelo de vida foi construída em torno de uma mentira vil e pulha. Nada mais resta a Faustino do que tentar assumir essa mesma mentira e atingir um estado iluminado, onde a absoluta negação dos factos torna-se a verdade completa, um spin ideológico tão comum nos tempos que correm.

Talvez a única parte realmente interessante numa comédia nostalgicamente perigosa e absurdamente incorrecta, esta cena (final) de Oro de Moscú (2003) de Jesús Bonilla parece ser o único momento onde existe realmente um esforço mínimo para repescar o tema central deste filme. E é necessario esperar mais de uma hora e meia para isto, depois de tantas piadas de mau gosto antiquadas, que parecem ter sido decalcadas de qualquer mau programa de TV populista que tenha como público alvo saudosistas da comédia espanhola antiga.

Não querendo ser tão duro com este filme como Celso Hoyo Arce foi na sua crítica a este filme, parece-me que este será um dos melhores exemplos da recente (má) comédia espanhola, ainda reflectindo o cutre sexista e porco do cinema Humorístico-Costumbrista dos anos 70 e ignobilmente preso a personagens populares (urbanas ou rurais) abestalhadas e presunçosas.

Se o cast deste filme parece irreprensível, reunindo alguns dos mais relevantes actores cómicos espanhóis, com Santiago Segura e Jesús Bonilla à cabeça, o facto é que este é um tipo de filme nostalgicamente redundante e que parece mais empenhado em fazer comédia aparvalhada e boçal do que realmente aproveitar o tema central do filme, baseado num pormenor histórico da Guerra Civil Espanhola muito interessante para explorar em qualquer categoria cinematográfica.

Claramente dispensável, mesmo para aqueles com algum interesse no assunto ou para os fans de Salvador Segura, que aqui tem um papel 'automático' muito pouco habitual na sua restante carreira.

Pequenas Visões de Grandes Heróis em Collants (2)

2008-07-27T09:06:00.006+01:00

Se o herói em collants deste post é um dos maiores vultos de culto no extremo oriente, El Santo será uma das maiores figuras da Mexican Way of Life, com a sua incansável luta em defesa dos fracos contra despropositados tiranos (de quem nunca se entende muito bem quais as intenções), sem dó nem piedade dos maldosos canastrões, que enche de biqueirada acrobática de forma valente, e com a sua máscara sexy que captiva qualquer fêmea nas imediações dos cenários de papelão dos inúmeros filmes que protagonizou.

El Santo é mais que um qualquer encorpado lutador da lucha libre com uns collants minúsculos e uma máscara que parece ter sido comprada numa loja de artigos S&M: é a resposta honesta, justa, democrática (socialista até) a heróis fascizóides e de contornos psicológicos homoeróticos, que necessitam de repetir sempre a mesma fórmula para o perfeito Martini ao barman e que sentem necessidade de andar a saltar para a cueca de todas os agentes secretos femininos de forma a compensar a perda de um império. Em todo o seu esplendor barato, o franchising do Santo mexicano (bem mais extenso que o do outro 'cavalheiro' citado) é bem mais coerênte, mandando desde a America Latina um apulmonado 'FOQUE ÍU' aos eternos opressores do mundo do Norte, mastigando de boca aberta o equivalente mexicano a sandes de corato e lançando perdigotos desafiadores de mini por entre o látex da catita máscara.

Mas se o delírio narrativo e a candura cénica parece correr de forma vigorosa ao encontro das sensibilidades artísticas do público do cinema do piolho mexicano, (e de todos nós, os fans, espiritualmente sindicalizados por todo o mundo, nas ideias rústicas mas acertadas deste herói), existe um particular filme do Santo que parece conciliar isto com uma preguiça cinematográfica desesperantemente má, e que quase deita por terra o explendor kitsch das primeiras obras dos anos 50.

Santo Contra los Asesinos de Otros Mundos (1973) é talvez o filme do herói da máscara e prata mais disparatado, incoerente, desinspirado ideologicamente, aquele que coloca os fans em maus lençois quando tentam explicar a mística do Santo. Neste filme já não é o fulgurante e impulsivo herói de El Santo contra as mulheres vampiro ou as mumias de Guanajuato que se pode observar, mas um tarolo de carne a forçar a pança para dentro de umas minúsculas calças de licra, com uma máscara enterrada pela pinha abaixo, que os actores seus colegas parecem não querer levar a sério.

Confesso que entendo os sérios problemas que Rodolfo Guzmán Huerta (o actor cuja história de vida se confunde com a sua personagem de sempre), que quase parece querer fazer uma greve contra a mais estúpida história alguma vez filmada: a de um cientísta maligno que possuí um virus extra-terrestre tipo blob, que consiste em 3 ou quatro tipos cobertos por uma manta (literalmente!) e que se entretem a matar as sumidade da ciência e tecnologia mexicanas, ameaçando nessa forma a paz mundial.

Sendo um filme algo tardio de uma longa série de filmes (que vão dos anos 60 até meados dos 80), com minúsculas e quase inaudíveis linhas de diálogo e cenas de pancadaria, numerosas como sempre, mas pouco convincentes, este particular filme é um mastigar preguiçoso do camp exagerado que compõe franchising do El Santo, sem qualquer do seu simbolismo e magia infantil, que decerto causará numerosas gargalhadas mas que não consegue fazer vislumbrar o perfil do herói justiceiro que compõe ainda hoje uma importante fatia da cultura popular da região marcada de ferozes injustiças sociais.

Freak-o-Visión (1)

2008-07-26T15:07:00.007+01:00

Se existir um sítio perfeito no universo para a vida quotidiana de Isi (o incomparável Santiago Segura) e Disi (Florentino Fernández) será a sua cidade natal Getafe, nos subúrbios de Madrid, onde podem consumir todo o tipo de substâncias com os seus amigos metaleiros sem ser apanhados pela polícia, trabalharem num clube especializado em Heavy Metal, onde também se servem as melhores ameijoas da região (!), ensaiarem até rebentar os tímpanos com a sua bandas (as Ratas Mortas) e roubarem frequentemente a placa da rua com o original nome de AC/DC, por coincidência a banda favorita dos dois vândalos.

Claramente um projecto querido a Segura, que também deu uma mão na produção desta badalhoca comédia, Isi/Disi, Amor a lo Bestia (2004), é uma daqueles filmes que tenta reciclar algumas ideias já reveladas em comédias americanas como Wayne's World (e de certa forma o também repelente franchising de Harold and Kumar) para fazer uma versão espanhola, bem mais interessantemente grosseira e com menos constragimentos 'lúdicos', para simultaneamente se tornar uma sarcástica obra de perfeito humor negro com a mais estúpida e repreensível comédia de exploitation.

Se existe aqui um sentido de mash-up tão comum actualmente no esgotado cinema comercial americano (sobretudo para o público adolescente), com inúmeras menções e reinterpretações de situações de blockbusters, esse 'pós-modernismo' preguiçoso acaba aqui, para entregar em vez disso uma das comédias assumidamente espanholas, e também mais intencionalmente estúpidas dos últimos anos. Basta ver o título (Isi e Disi, a alcunha de ambas as personagens é a fonética castelhana do nome da banda australiana) para entender que a pandilha de feios, porcos e maus liderada pelo realizador Chema de la Peña não esconde a sua filiação ibérica, recorrendo a costumeiras piadas escatológicas do cócó e chichi (e outros fluídos), semelhantes a qualquer básico mash up americano mas reciclando estas para o contexto xunga espanhol (por vezes levando as cenas até as últimas consequências), sem os 'pudores comerciais' que a indústria americana costuma ter de forma a rentabilizar tais medíocres produtos de entertenimento.

Isto é ainda mais revelado pela presença de Santiago Segura, uma actor e realizador que costuma passar por este blog frequentemente e que possui um carreira 'xunga' imbatível, conseguindo o que de mais horrível, porco e de mau gosto (e também hilariantemente divertido) alguma vez o Cinema espanhol contemporâneo conseguiu alcançar, nas suas interpretações caricaturais ridiculamente especiais de alguns estereotipos ibéricos.

Não sendo um filme para os gostos de todos (e sobretudo a evitar depois de uma refeição), Isi/Disi, Amor a lo Bestia é um filme especial na forma como contextualiza as suas personagens absurdamente estúpidas que, mesmo em barricadas opostas de Borkami e Pacholo (outro gross out de Segura), conseguem mostrar como nos podemos sentir culpados de conseguir ver um filme destes até ao fim, que para provocação máxima possui já uma sequela ainda mais risqué e hilariante. Um filme apenas aconselhado a fans de Santiago Segura.

Pequenas Visões de Grandes Heróis em Collants (1)

2008-07-26T09:04:00.000+01:00

via Mininova

Bizarros monstros de borracha, efeitos especiais de gosto duvidoso, um inventor que se parece com o Avô Cantigas e uma multidão de miúdos histéricos, que por vezes deitam a língua de fora para a câmara. Um resumo rápido mas coerente da primeira aparição em televisão de Ultraman, no seu episódio piloto emitido em directo e a preto e branco em 10 de Julho de 1966.

Sendo o mais carismático herói em collants de toda a cultura popular japonesa, a visão desta estreia torna-se deliciosa simultaneamente para os fans dessa mesma cultura pop e para aqueles que vivem fascínados pelo look retro e sensibilidade improvisada e sem rede que o início das emissões televisivas tinham, por vezes com consequências hilariantes.

Esperas, Ausências e Reencontros (2)

2008-07-20T13:18:00.005+01:00

Na única cena onde o trio amoroso que dá a volatilidade narrativa de Daisy (2006) se encontra no mesmo espaço simultaneamente, o realizador Wai-keung Lau compôe para o espectador um interessante composto de 'tempos melodramáticos': a agora muda Hye-young ( Gianna "My Sassy Girl" Jun) tenta comunicar a seu antigo (e ainda actual) amor Jeong Woo (Sung-jae Lee) a profunda e desesperada espera que este gerou, enquanto este tenta explicar que a pessoa por cuja a ausência Hye-young sentiu é de facto o seu recente interesse amoroso, Park Yi (Woo-sung Jung), o homem que espera por detrás da porta. Park Yi sabe ser a personagem 'impar', mas sabe também que é de facto a verdadeira identidade do que Hye-young pensa agora ter reencontrado em Jeong Woo.

Um espectacular intrelaçado narrativo numa linearidade melodramática espectacular e coerente, Daisy foi escrito pelo mestre do novo melodrama coreano Jae-young Kwak (cuja obra quase total foi já por aqui comentada), enquadrando a história entre as sombras das ruas estreitas e as praças luminosas de Amesterdão. Para contar mais uma história de amor simples que Kwak gosta de complicar com interessantes desencontros, esperas, ausências e reencontros, por vezes roçando o sobrenatural, foi escolhido uma linguagem de filme de acção, com a caça a um assassino profissional nas ruas da cidade europeia. Daisy é assim, à primeira vista, um estranho híbrido onde podemos encontrar simultaneamente cenas de pujante veia melodramática, tão habitual da obra do aqui escritor Kwak, como coreografias de acção típicas do cinema do género de Hong Kong, repletas de um simbolismo próprio deste cinema.

Dizendo isto, tal uso da acção parece quase secundário, por muito estranho que isto pareça, estando Wai-keung Lau mais interessado em contar uma história de amor pontuada por um sentido trágico, servindo a acção policial quase como uma 'muleta' simbólica para colar a narrativa. Mais interessante ainda é quando em certos momentos este filme parece mesmo um aglomerado de duas narrativas completamente diferentes (como se dois filmes simultaneos se tratasse), apenas com a personagem de Woo-sung Jung como ponto de referência central.

Mesmo com alguma falhas e divergências narrativas que tiram algum do sentido deste filme, Daisy deverá ser interessante para os fans do cinema de Jae-young Kwak e de alguns 'sucedâneos' coreanos, tendo mais consistência dramática que pulsão agressiva, isto mesmo possuído de uma melancolia que tanto o drama coreano como o cinema de acção de Hong Kong estranhamente partilhante, em todo o seu esplendor oposto.

Parecendo-se mais com um filme para 'exportação' directa para os mercados europeus e americanos, Daisy não é de certo uma obra perfeita, longe disso, mas consegue fazer-se captivante ao logo das suas quase 2 horas, através das suas ambiências meticulosamente fotografadas e de um convincente contributo emocional da actual coqueluche do cinema coreano Gianna Jun.

Algumas Leituras Atrasadas

2008-07-19T15:28:00.007+01:00

Com cada vez menos tempo para conseguir resolver o backlog de posts atrasados neste blog (já perto de 200), ficam aqui umas quantas notas bibliográficas reunidas num longo post. Em alguns dos casos estas leituras mereciam uma descrição mais pormenorizada, mas ficam aqui pelo menos umas notas descritivas de forma a não esquecer.

Blood cinema : the reconstruction of national identity in Spain
Marsha Kinder.
University of California Press, c1993.

Poderá estar já desactualizado, mas este grosso compêndio é ainda a bíblia do Cinema Espanhol e um dos livros mais citados sobre a identidade cinematográfica espanhola. Um penoso e demorado estudo que Kinder foi fazendo ao longo de anos, este livro mostra a absoluta paixão da autora pelo cinema espanhol, provando de forma simultaneamente academica e emocional, porque é que o cinema deste país é ainda apaixonadamente único. Uma leitura demorada e que requer paciência, mas bastante sumarenta e rica para aqueles que queiram entender este cinema de forma íntegra e completa.

História do cinema português
Luís de Pina.
[Lisboa] : Publicações Europa-América, c1986.

Correntemente desactualizado e com uma linguagem académica ultrapassada, a mais conhecida obra de Luís de Pina é no entanto um delicioso compêndio até aos 80, dando um equílibrada visão da história do cinema português sem exageros ou paternalismos. Pelo caminho fica uma leitura rápida, cheia de pequeninos pormenores que teriam sido completamente esquecidos sem este livro.

Spanish visual culture : cinema, television, Internet
Paul Julian Smith
Manchester : Manchester University Press, c2006.

Recente mas completamente baralhado conjunto de ensaios sobre a recente cultura espanhola, este pecúliar livro de Paul Julian Smith, professor de cultura espanhola da Universidade de Cambridge, mostra em todo o seu explendor a ainda forte confusão que os britânicos fazem em relação à cultura ibérica e, no caso particular, sobre a Espanha pós-Almodóvar.

Tentando analisar a corrente cultura popular espanhola (através do Cinema, TV e Internet) Smith analisa vários exemplos em relação os seus temas inerentes (nostalgia, emoção e localização), de forma correcta diga-se, para depois se espalhar ao comprido em alguns capítulos, dando uma visão completamente delirante do actual panorama cultural espanhol e, pior ainda, analizando apenas algumas arvores numa imensa floresta, vai generalizado e tentando abranger estes três temas centrais na cultura espanhola de forma leviana, algo que apenas (a meu ver) Marsha Kinder e poucos outros conseguiram fazer de forma correcta em volumosos opus.

A Spanish labyrinth : the films of Pedro Almodóvar
Mark Allinson.
London : I.B. Tauris, 2001.

Mais um título sobre o cinema de Almodóvar a sair da caneta de um académico do Reino Unido, que parecem cada vez mais apostados em tentar entender a cinematografia espanhola de alguns dos maiores mestres mundiais, aqui tão perto mas tão negligênciados pelo ainda pouco europeu público britânico. Este estudo de Mark Allinson parece querer fazer justiça ao título escolhido, para tentar explicar a 'ibericidade' de Almodóvar, por vezes de forma algo errônea e superficial, sobretudo no período pré-Todo sobre mi Madre.

Será decerto um guia útil para um english first language que não se esteja para chatear com os completos guias americanos sobre o Mestre espanhol e que queira entender as recentes obras, mas francamente dispensável para aqueles que tenham já um enquadramento cultural sobre a antiga obra de Almódovar.

O cinema português através dos seus filmes
Carolin Overhoff Ferreira (coord)
1a ed.
Porto : Campo das letras, 2007.

Um interessante conjunto de estudos sobre a cinematografia portuguesa, este estudo coordenado por Carolin Overhoff Ferreira tenta dar de forma sólida uma visão, ligeira é certo mas acertada, sobre várias décadas de cinema feito em Portugal, começando no início do sonoro dos anos 30 e terminando no inicio do século XXI.

Pessoalmente, uma particular atenção é devida aos ensaios sobre a 'nova vaga' dos anos 60 e 70 (Abelha na Chuva, Verdes Anos, Que farei Eu com Esta Espada?) e os ricos anos 90, que contêm interessantes estudos sobre filmes tão dispares como a triologia 'João de Deus' de João Cesar Monteiro, Os Mutantes ou Tentação. Com uma ainda pobre bibliografia actualmente, os interessados pelo Cinema Português decerto que apreciam este compêndio ainda a cheirar a novo.

The cinema of Spain and Portugal
Alberto Mira (coord)
London : Wallflower, 2005.

Mais um livro recente sobre as filmografias de ambos os países ibéricos, este conjunto de estudos tenta apresentar alguns dos filmes mais sonantes a um público pouco conhecedor das filmografias espanholas (para além de Almodóvar) e da completamente desconhecida obra de autores portugueses como João de Cesar Monteiro. São de resto, talvez por ser novidade, os escassos ensaios sobre obras portuguesas (apenas 3 segundo me lembro) aqueles que sobresaem deste livro, com um interessante estudo sobre a triologia de 'João de Deus'. Dos restantes, o mais interessante será talvez um texto sobre o fenómeno Torrente, de Santiago Segura, num registo que infelizmente parece ainda completamente desconhecido fora da fronteira espanhola, mas que constitui um dos maiores case studies sobre actual indústria cinematográfcia europeia e o 'gosto' de um segmento de mercado quase sempre ignorado.

Asian cinema : a field guide
Tom Vick.
1st ed. New York : Collins, c2007.

É fácil ficar desconfiado e recusar sequer abrir um livro com um título pretencioso escrito por um crítico de cinema americano que pretende ensinar-nos a conhecer a filmografias de cerca de 14 países, algumas das quais das mais ricas do mundo. Mas este antagonismo desvanece-se rapidamente assim que se começa uma leitura mais atenta a este precioso e rico guia sobre o cinema oriental, das inevitáveis obras do Japão ou Coreia do Sul, até à espantosa mas tão desconhecida cinematografia Iraniana ou Tailandesa. Tal como este outro guia já aqui referido, este é um espantoso guia ainda a cheirar a fresco da prensa, onde nas suas escassas 250 e tal páginas Tom Vick consegue enfiar um espantoso conteúdo, mesmo quando nos são dados a conhecer todas as obras relevantes de 2 décadas em um único parágrafo.

Imprescindível não só para aqueles que possuam uma curiosidade titânica sobre os mais relevantes nomes do cinema asiático, mas como também aqueles interessados em descobrir actuais títulos das cinematografias de vários países asiáticos.

Korean cinema : the new Hong Kong : a guidebook for the latest Korean new wave
Anthony C.Y. Leong.
Victoria, B.C. : Trafford, c2003.

Com o boom internacional do cinema coreano no início da década actual, é natural que este tipo de guias tenham começado a dar à costa desde logo que as numerosas compras de direitos e guiões de filmes sul-coreanos pelos estúdio americanos se fizeram notar. O mais acessível e imediato, e também completo será este título, compilando pelo crítico de Cinema (em part time!) Anthony C.Y. Leong, que reúne informação sobre a maior parte das obras significativas da contemporânea cinematografia coreana, dando uma abreviada e sensível crítica de enquadramento a largas dezenas de títulos, todos num só livro. Existem ainda pequenos guias de onde encontrar mais informação e por os olhos em alguma das obras mais obscuras, sendo este um pouco o companheiro perfeito de Hong Kong Babylon, por aqui já comentado.
Não será um trabalho académico credível (para tal New Korean Cinema é perfeito), mas este peculiar livro possui toda a informação de começo para aqueles que queiram tirar um crash course em CCC (Cinema Coreano contemporâneo).

Multiple modernities : cinemas and popular media in transcultural East Asia
Jenny Kwok Wah Lau (coord)
Philadelphia, Pa. : Temple University Press, c2003.

Mais do que um simples conjunto de ensaios sobre uma das regiões mais culturalmente rica e 'mutantes' do globo, este Multiple modernities tenta acabar com alguns equívocos de análise, que colocam a região do extremo oriente como um espécie de 'esponja cultural' devido a presença de diversas culturas ocidentais, para dar a entender a verdadeira metamorfose cultural, sobretudo na chamada cultura popular, para entender o que o que foi o verdadeiro pós-modernismo asiático e de como este deu lugar ao primeiro 'hyper-modernismo' global (desculpem a descrição, mas à falta de termo imediato, este terá que servir) do século XXI. Simplesmente fascinante.

Começar de Novo (2)

2008-07-19T07:46:00.004+01:00

Será uma frase feita usado muitas vezes por preguiça de analisar seriamente alguns filmes, mas é necessário dizer que Shiki-Jitsu (aka Ritual, 2000) é um daqueles objectos estranhos ao Cinema que consegue em absoluto tornar-se uma obra de culto em pouco minutos, tal é (simultaneamente e paradoxalmente) a sua 'predação' a clichés imagéticos como a inovação narrativa com que constrói um filme que fica a ecoar no cérebro dias depois de ter sido visto.

E se o parágrafo anterior parece longo e cheio de duplos significados, isso deve-se à bizarra construção que Hideaki Anno, uma das figuras mais influentes da animação japonesa (e não só) de sempre, faz desta sua incursão pelo live action, moldando este magnífico exercício estético num meaningful tale de duas personagens absortas nos seus próprios túneis de realidade de forma a escaparem ao mundo físico e sentimental que as rodeia. Anno vai misturando as suas influências estéticas, desde já reveladas no opus magnum que é a série Neon Genesis Evangelion, para depois construir por cima uma estranha mas bela e comovente história sobre alienação e dor da memória.

Quando um Homem (o realizador de culto Shunji Iwai, aqui na sua única prestação até a data como actor) encontra uma estranha rapariga (Ayako Fujitani), distraídamente deitada na linha do combóio a encenar um bizarro ritual com um chapéu de chuva vermelho, vai ser atraído para o mundo paralelo, que a estranha rapariga encena de forma constante de forma a esquecer-se do seu atribulado passado. A personagem de Shunji Iwai, à procura de um 'objecto central' para o seu primeiro filme live action, deixa-se absorver por esta estranha forma de vida, para depois, durante as filmagens do estranho documentário sobre a vida da rapariga se tornar também ele um objecto ritualizado que necessita de encontrar a chave que libertará a estranha mulher da sua condição onírica.

Se Ano começa por tentar gerar alguma ordem na narrativa ao establecer que a acção decorre em 30 dias, e cujos momentos significativos serão relatados no filme que as personagens realizam, à medida em que avança pelo filme percebe-se que Ritual torna-se prisioneiro da personagem de Ayako, começando a parecer também mais um ritual. E é apenas quando tudo começa a ficar ambíguo que Anno nos revela o propósito desta espiral narrativa, desenrolando a história até a uma sentida catarse, que torna este filme mais que um mero exercício estético. E mesmo tendo uma forte carga voyeuristica, centrando-se (como já referido) em apenas uma personagem (que de resto assim pede para ser tratada, tal é a fome de atenção da personagem de Ayako), é sobretudo na história de Anno se começa a centrar nos momentos finais, trazendo vários paralelismos que se julgavam apenas estéticos (ou visuais) para a própria narrativa, dando assim de forma magistral sentido a todo o aparato visual do filme.

Tal como a personagem de Ayako, que necessita de um impulso que quebre os seus rituais diários e a retirem do loop vivêncial onde se encontra, de forma a começar de novo a viver, também Anno parece aqui estar a tentar encontrar o seu novo rumo, depois do apogeu que a série Evangelion teve na obra do autor, seguindo por menores esforços de realização. Irónicamente esta que será talvez a obra menos conhecida do autor será também a mais pessoal e intimamente interessante, não necessitando de qualquer artíficio para respirar de forma própria.

Ritual é uma interessante reflecção sobre a personalidade e de como esta poderá ser moldada através das nossas percepções e até negada através dos nossos medos ou receios. Decerto que os fans do autor poderão ter aqui um festim, mas de forma alguma os 'não-iniciados' da obra de Anno se sentirão excluidos, tal é a globalidade deste peculiar e já esquecido documento.

Esperas, Ausências e Encontros (1)

2008-07-13T22:23:00.005+01:00

Um filme feito de esperas, encontros e reencontros e tudo aquilo que se possa encontrar pelo caminho. Git (2004, conhecido internacionalmente como Feathers in the Wind) é simultaneamente um singelo mas heróico exercício cinematográfico, conseguindo captar de forma serena e bela a essência da espera, e que como esta não é senão em si mesmo um acto de criação, onde a vida se torna maleável o suficiente para a entendermos e nos entendermos, muitas vezes (como aqui) através dos outros. De resto o realizador Il-gon Song coloca aqui o 'objecto' esperado de uma forma pouco intrusíva, conseguindo tornar todas as personagens como as centrais nas esperas sentidas e todas elas esperando por alguém.

Sendo um artifício usado de forma tão exaustiva como completa nas artes performativas, a Espera (e a Ausência) é aqui mostrada de forma plena, sem nunca recorrer ao melodrama. Song consegue manter o cast 'seco' e objectivo (como o sério mas simpático Hyeong-seong e a magnífica So-yeon Lee, que constantemente rouba o nosso olhar do resto da cena).

Trabalhando estes sentimentos em video durante todo o filme, o realizador consegue captar de forma quase documental os sentimentos escondidos, mas simultaneamente consegue realçar o humano das personagens, sempre sem perder o rumo à narrativa, não se alienando na experimentação também presente. Song conduz este filme da mesma forma apaixonada com que So-yeon se conduz a si durante as suas solitárias lições de Tango, trabalhando as ausências como presentes e conduzindo-as em sequências tanto apaixonadamente arrebatadas como rigidamente controladas.

Uma das obras mais interessantes do recente cinema independente Sul Coreano, Git é uma obra que será decerto do agrado daqueles que procuram 'texturas' cinematográficas mais contemplativas e existencialistas, mas que não gostam de uma certa abstracção narrativa que por vezes toma conta deste tipo de obras.

Começar de Novo (1)

2008-07-13T22:22:00.005+01:00

***spoilers***

O combóio para Madrid começa a andar, acelerando ao mesmo ritmo que Juani (Verónica Echegui) vai sentido a dor da separação de tudo o que era até então e do desejo forte (e simultaneo) de mudar completamente de vida. Juani foge ao seu pobre e isolado universo chav, onde a felicidade pessoal dos que a rodeiam se expressa através do tunning, da roupa urbana, mau hip hop e comportamentos de uma aspirante a celebridade que trabalha como caixa do supermercado local, de forma a sustentar os hobbies do namorado e uma familia a desmoronar-se.

***fim de spoilers***

Parece-me que será desnecessário, mesmo que seja possívelmente polémico fazê-lo, considerar Bigas Luna uma das referências máximas do Cinema Espanhol pós-moderno, um daqueles realizadores (para além do seu arqui-rival Almodóvar) que moldou todo o cinema em castelhano e ajudou a criar uma 'identidade cinematográfica' espanhola (e até ibérica), com o seu simbolísmo 'local', onde as especificidades regionais se tornam os alicerces de uma construção cultural Europa e globalmente mediterrânica.

De resto, como dizia René Clair (seria?), é no uso de certas especificidades regionais que os outros (e neste caso o público) nos reconhecem como 'universalistas', com expecificidades que completam outra diferentes. Decerto que Luna sabia isso quando realizou Yo Soy la Juani (2006), a sua mais recente incursão obssessiva numa Espanha não-urbana, marginal e polémica, é simultaneamente um reflexo especificamente da actual 'baixa cultura' adolescente espanhola, agora completamente influenciada por 'objectos' estrangeiros.

Será? Nem tanto. O que Luna retrata aqui é um homogéneo comportamento social (e cultural) completamente global, assente numa obssessíva valorização de supérfulas celebridades e insignificantes valores materiais, que tanto colocam uma importância vital em objectos inanimados como atiram o humano para uma 'infantilização' do ser, regredindo na sua condição (por exemplo pelo comportamento feminino moldado pelas obsessões dos homens). E claro tudo isto é re-utilizado localmente.

O que o realizador parece querer aqui alcançar é um retrato desesperado de como alguém embrenhado em tal condição espera conseguir aspirar a algo 'diferente', que será agora ascender a um patamar superior na superfula forma de estrelato, substituindo talvez o tunning e as drogas baratas em qualquer discoteca manhosa de província por uma celebridade celebrada através das jóias menos falsas e das narinas pingonas de pó branco.

Confesso que parece-me por vezes que Bigas Luna trata de forma algo paternalista as suas personagens durante Yo soy la Juani, mas este é um filme de 'recomeço', depois do longo mergulho em obsessões mais particulares. Luna voltou novamente a olhar as especificidades através do global (ou será o oposto?), construindo um filme que não tem vergonha de se afirmar quase como um retrato geracional, ou pouco ao jeito do polémico Historias del Cronen, que mesmo alguns pontos abaixo dos filmes da celebrada triologia do autor (Huevos de oro, Jamón, jamón e La Teta i la Lluna), consegue traduzir essa visão actual de forma total.

Masculino e Feminino (9)

2008-07-03T08:38:00.006+01:00

Mais um filme coreano deste conjunto de posts temáticos, agora para rever ao serão a hilariante comédia Jakeob-ui jeongseok (2005, conhecida internacionalmente como The Art of Seduction), onde dois sedutores natos (um masculino e outro feminino) apostam tudo numa guerra um contra o outro onde a vitória só ficará definida quando um dos dois conseguir seduzir eficazmente o outro até ao limite da devoção. Pelo caminho Han Ji-wan (a implacável Ye-jin Son, já conhecida neste blog devido a interpretações de alguns recentes doramas coreanos) e Seo Min-jun (Il-guk Song) encarnam alguns dos momentos mais disparatados do actual cinema de comédia mainstream coreano, levando a competição entre ambos os predadores sentimentais até aos limites do improvável e estúpido.

Tal como Nae namjaui romance (2004, já visto cá por casa mas nunca comentado aqui), este parece ser um daqueles filmes que se centra nas relações entre os sexos numa urbana e desenvolvida Coreia do Sul, permeável desde os anos 90 a novas tendências 'sentimentais' que moldam essa mesma relação. Se ambas as personagens tentam manter uma aparência de 'género' (masculino e feminino) convencional (sobretudo perante estranhos a esta competição lançada no início do filme entre ambos), por detrás dessa mesma aparência surge a forma mais perfída e igualitária de 'ganância sentimental' centrada em egos sem sexo definido, que gera situações hilariantes durante o filme.

Uma divertida e descomplexada comédia com alguns requintes cínicos na forma como mostra as relações entre ambos os sexos, The Art of Seduction é claramente um filme a descobrir para aqueles mais atraídos pelo cinema mainstream coreano, actualmente uma das fontes de ideias dos estúdios americanos, secos de ideias inovadoras e interessantes.

My Big Brother is Bigger than Yours

2008-06-28T09:24:00.004+01:00

Pertinente e simultaneamente espalhafatoso, Taking Liberties (2007) de Chris Atkins é um daqueles documentários que usa uma linguagem documental sarcástica semelhante à do 'populista' Michael Moore (felizmente já saída de moda) para descrever a forma chocante como uma década de governo Blair tornaram o Reino Unido o primeiro país proto-fascista (de contornos económicos neo-liberais) ocidentais do século XXI. Este chocante documentário vai mostrando, por vezes de forma algo confusa, alguns dos exemplos mais chocantes do moldar das liberdades dos seus cidadãos ainda antes da novas medidas pós 11 de Setembro, aproveitando o 'aplanar' brutal feito pelos anos do tatcherismo.

Num país onde existe uma câmara de CCTV por cada 14 pessoas, onde a desconfiança racista e intolerante é confundida com cidadânia e onde a profissão de spin doctor será uma das mais vitais presenças de governação, será fácil a Atkins ter vistosos argumentos para provar o seus pontos chocantes. E é fácil perceber que a eficiencia de controle social, cada vez mais evidente nas auto-denominadas democracias ocidentais tem aqui uma o exemplo perfeito, o proto-fascismo king size que parece querer provar, de pontas dos pés bem esticadas, que é possível na Europa actual existirem sociedades controladas de forma tão eficiente como 'antigamente', mesmo que com as (enormes, mas obstante pertinentes) diferenças.

De resto existem pelo menos 3 momentos neste documentário onde os actos do governo Blair são comparados à ascenção do partido nacional socialista alemão, com razões assustadoramente correctas. Mas cedo neste documentário se percebe que os factos são mostrados com alguma rédea solta, com saltos cronológicos acentuados que geram confusão e que parecem cair numa alternância entre o cómico e o profundamente sinistro, algo de resto natural devido ao triste assunto documentado.

Se por vezes existe um certo (também natural) acentivo a reclamar por direitos democráticos anteriormente establecidos, este documentário não consegue entrar de forma forte pelo terreno do sarcasmo, tentando apenas tocar a sua indignada 'corneta da alerta' de forma abragente ao público britânico, que toda a gente sabe tem dificuldades em relacionar-se de forma positiva com outras atitudes democráticas (sobretudo 'continentais'). Num território onde não existem cidadão mas subjects e onde os valores democráticos como a greve ou a manifestação de rua é ainda vista pela classe média como perigosos elementos subversivos a evitar, este documentário parece perder-se no seu activismo, mesmo que tente reclamar alguma seriedade de fontes, por vezes questionáveis. E se Atkins não é corajoso o suficiente para assumir uma agenda idealista de Esquerda (bem mais honesta e límpida, quer se goste ou não), o facto é que parece andar por aqui alguma insinuação quanto ao papel que este reino, ao longo da sua longa história, teve quando criou certos mecanismos de repressão social, actualmente ainda utilizados pelos políticos britânicos, isto mesmo tendo sido o criador da precoce Magna Carta.

Mesmo com estas críticas, talvez algo exageradas, Taking Liberties é um interessante (e actual) documento sobre o monumental controlo social que o Reino Unido construiu em volta de si mesmo, com uma cumplicidade embaraçosa da sua própria população. E se este documentário vira alguns espelhos para algumas das actuais 'democracias' europeias, a sua mais valia é mostrar o forte reflexo, sem pudor, do que é o actual neo-liberalismo britânico, mostrando que os antigos pesadelos sci-fi de George Orwell (também ele chamado Blair) são em tudo idênticos a actual situação política do Reino.

Simulação e Simulacros (2)

2008-06-27T13:17:00.005+01:00

Confrontado com o que Martin (Elijah Wood) pensa ser a verdade sobre a série de estranhos crimes na cidade universitária de Oxford, Arthur Seldom (John Hurt ) presenteia o seu wannabe disciplo americano com uma visita caústica ao museu (fictício) das falsificações, o único local no universo onde o que se vê é inequivocamente real na sua simulação do Real, um simulacro real do que se pretende ser verdadeiro, sempre com dúvidas.

Perto da falsificação da coluna de Trajano (uma falsificação ‘verdadeira’, na colecção do V&A), o professor Seldom arrasa todas as esperanças de algum dia Martin conseguir saber a verdade do que quer que seja, juntando ao seu discurso baseado no Tractatus de Wittgenstein (no início do filme) a sua própria teoria sobre a realidade, tão complexa e dúbia de sentido que apenas as suas simulações são perceptíveis.

Mesmo sendo um filme desapontante, The Oxford Murders (2008), a mais recente obra de Alex de la Iglesia, consegue captar algumas das ideias base do livro com o mesmo nome (do matemático argentino Guillermo Martínez), criando preciosos momentos cinematográficos, algo de resto esperado de um dos mais conceituados (e mal vistos) realizadores europeus da década de 90. Mas a forma atabalhoada com que Iglesia (com a ajuda do mestre argumentista Jorge Guerricaechevarría, aqui a exceder-se de forma fatal) compôem a narrativa, misturando tantos conceitos filosóficos debitados a velocidades ultra-sónicas, teoremas perdidos e concepções pitagoricas com os já costumeiros truques de thriller (que Iglesia domina, diga-se) e alguma badalhoquice para apimentar a coisa, faz com que o filme caia naqueles campos baratos de ‘filosofia simples em 10 minutos’, de que O Nome da Rosa ou mais recentemente O Código da Vinci, são moldes e maus exemplos.

Iglesia provou já que consegue dominar o thriller com recursos a simbologias (algo) complexas, com narrativas construídas por personagens captivantes no modo dúbio como se relacionam com as situações (e consigo próprias). Mas este filme parece querer lembrar que por vezes, fora de ambientes mais ‘ibéricos’ e com um budget mais generoso, toda a simbologia cinematográfica deste autor parece perdida, sendo substituída pelos normais mecanismos das histórias de detectives, tão gastas que se tornaram insuportáveis.

Pelo meio fica uma prestação sonanbúla e pouco convincente de Elijah Wood (nada de novo, diga-se), aqui transformado num ladykiller que vai papando quase todo o cast feminino (da recalcada Julie Cox a voluptuosa ‘enfermeira’ Leonor Watling), um magnífico Dominique Pinon que tem aqui um personagem cardboard que tenta dar resolução ao filme e alguns momentos de horror que, mesmo que soberbos, não conseguem dar sentido a bandalheira geral que se torna no final.

Mas mesmo parecendo que não será com esta co-produção espanhola e britânica que a carreira deste genial realizador volta ao explendor interrompido depois da obra-prima Muertos de Risa (e que o mais recente Crime Ferpecto consegue reflectir algum brilho), The Oxford Murders merecerá uma visão interessada para os antigos fans de Iglesia, que mesmo não tendo aqui um festim de humor negro e horror cómico caústico, conseguiram encontrar alguns momentos brilhantes a lembrar que este é um dos realizadores de culto (ainda) mais interessantes da cinematografia espanhola. Os restantes, com excepção daqueles curiosos pelos magníficos ‘dotes artísticos’ de Leonor Watling, podem-se abster.

Simulação e Simulacros (1)

2008-06-19T18:42:00.003+01:00

A rapariguinha dos fósforos (Eun-kyeong Lim), agora transformada num vírus na simulação onde é a peça central, ameaça matar-se sabendo que desta forma não é só a sua existência que termina mas também todo o mundo virtual que rodeia os soldados que a cercam. Antes um elemento passivo, criada para ser morta no final do jogo pelo vencedor, a desamparada vendedora de isqueiros tornou-se o hack supremo desta simulação, quando adquire vontade própria, para desespero da organização que controla o game play. Ganhando as mesmas qualidades que os restantes jogadores, a Little Match Girl torna-se um dos elementos subversivos despoletadores da destruição do jogo, fazendo com que a Simulação e a Realidade se comecem a derreter, misturando-se ambas de forma perigosa para os seus participantes.

Uma das obras pós-Matrix mais estranhas e singulares da cinematografia coreana, Sungnyangpali sonyeoui jaerim ( The Resurrection of the Little Match Girl, 2002) é uma ambígua visão sobre o Real, re-contando a célebre história de Hans Christian Andersen num cenário virtual, onde as frustações da vida ‘Real’ são esquecidas para os seus protagonistas viverem num videogame. Por um lado esta obra de Sun-Woo Jang consegue recriar de forma impressionante o ritmo do cinema de acção ‘escapista’ que inspirou os irmãos Wachowski (sobretudo as espectaculares coreografias de arame presentes em abundância pelo filme) para simultaneamente usar esses mesmos elementos na sua reflecção sobre a realidade das shanty towns de Seoul, misturando-os de forma onírica, escapista e surreal.

Uma grande produção que injustamente se tornou num dos maiores flops da billheteira local durante a corrente década, The Resurrection of the Little Match Girl ganhou algum culto internacional posterior, sobretudo devido a sua exibição em vários festivais de cinema, sendo actualmente uma obra de referência simultaneamente na ‘nova vaga’ de cinema de acção do extremo oriente como também para o cinema independente coreano.

Simultaneamente frenético e contemplativo, este filme torna-se uma experiência desorientante, com as suas estranhas personagens de profundidade cardboard (lembrando sempre que estamos numa simulação virtual) que por vezes se tornam completas à revelia da sua condição de avatars, e os vários níveis de ‘verdade’ que, embora apresentados de forma confusa por Jang, se tornam extraordinariamente centrais ao longo da narrativa, conduzindo-nos a um final estonteatemente bizarro e ambíguo.

Mesmo re-usado ideias centrais aparentemente gastas actualmente, The Resurrection of the Little Match Girl é um filme irreverente que decerto será uma surpresa extraordinária para aqueles que procuram novas formas de ‘acção’ com um twist cyberpunk e com conteúdos mais cerebrais, mas que estão já fartos da poluição visual sem significado das numerosos excressências que o franchising Matrix originou.

Lisboa, 1933

2008-06-18T18:35:00.008+01:00

É notável constatar que sempre que revisto, A Canção de Lisboa (1933) gera um espantoso frisson cinematográfico que faz lembrar que esta é uma das obras mais especiais do Cinema europeu dos anos 30. O primeiro filme sonoro da cinematografia portuguesa é estilisticamente brilhante, com uma narrativa para a altura inovadora (que serviu de molde ao que se convencionou chamar de ‘Comédia à Portuguesa’) e com interpretações inegualáveis (e nunca mais repetidas) por um cast de luxo.

A Canção de Lisboa enquadra-se de um certo Cinema de comédia que observa os ‘sentimentos’ urbanos da altura, tipo esse com uma expressão mais marcada no continente europeu mais no final da Segunda Grande Guerra, e que tem como apogeu o cinema britânico dos estúdios da Ealing. Este filme parece até ser o irmão mais velho de outro delicioso documento citadino, o já comentado Passport to Pimlico, que possui exactamente o mesmo tipo de sentido cómico (com um leve sarcasmo e simultaneamente sentimental) sobre uma Londres ‘bairrista’ do pós-guerra.

Um dos mais saudáveis documentos sobre a cidade de Lisboa, e por acrescento da Portugalidade (seja lá isso o que for), a obra prima (e único filme) de Cottinelli Telmo é um daqueles irresistíveis filmes que parece definir de forma plena a confusão essencial do que é ser Alfacinha e os seus paradoxos. Pelo filme dentro temos os mais significativos ‘atropelos cívicos e sociais’ (roubos, cenas de pancadaria, alcoolismo, abuso de poder, desrespeito pela autoridade a roçar a anarquia, brejeirice quase ordinária, burla, etc,etc) mas também uma poderosa amostra sentimental e humoristica da cidade nos seus anos 30, com as suas personagens bairristas irresistivelmente cómicas, desordeiras e de ‘pêlo na venta’ e por vezes interesseiras e ‘maldizentes’, mas sempre revelando um sentimento solidário e qualidades humanas válidas e equilibradas.

Mais do que um filme datado e marcado pelo idealismo do fresquinho Estado Novo, como seria claro e evidente no menor e tardio Pátio das Cantigas (1942) de Francisco Ribeiro, A Canção de Lisboa e um irresistível pedaço de cultura popular (e pop) portuguesa ainda activo, servindo-se como cenário a lindissima Cidade da Luz e usando as bairristas festas dos santos populares como o calendário onde toda a expressão dessa mesma cultura (também ela sentimentalmente acordada). De resto esta obra usa exactamente as mesmas características de manifestações do sentimento popular actual, na sua expressão ‘bairrista’ e ‘nacional’, em todo semelhantes aquelas recentes, aquando a chegada da Selecção Portuguesa de Futebol à Suiça para participar no actual Europeu.

Longe de tentar enquadrar-se com na recente ideologia do ‘Ser Portugues’ da época (como é explícito no já citado Pátio das Cantigas), e mesmo tendo presentes todos os elementos do que seriam os bastiões dessa mesma ideologia (família, a religião, os valores tradicionais, a ‘verdadeira cultura’ portuguesa), A Canção de Lisboa mostra muito mais um lado exagerado e subvertido desses mesmo elementos ideológicos, parecendo mesmo um filme sem quaisquer cortes censurantes, aproveitando uma altura de ainda 'consolidação' do regime. 75 anos passados, este filme consegue ainda hoje revelar o seu apelo popular talvez porque deixa de parte qualquer contrução artificial dos sentimentos (e de um patriotismo absurdo que viria a tornar-se cada vez mais agudo após os anos 30), revelando em vez disso (e de forma parodoxal) um sentimento popular muito mais legítimo e verdadeiro que poderá ser apontado como o puro bairrismo lisboeta. Simplesmente genial.

Transportes Públicos, Desejos Privados (2)

2008-06-17T18:41:00.005+01:00

Durante uma tão esperada e merecida pausa na fuga feita no velhinho eléctrico 133 pela Cidade do Mexico, Juan 'Caireles' (Carlos navarro) cai numa vertigem ao ver a perna exposta da bela adormecida Lupita (a electrizante Lilia Prado), para depois ter um momento ‘castrador’ e cobrir a liga da eroticizada perna de Lupita, revelando o seu amor mais platónico que carnal e a sua cobardia amorosa.

Mesmo sendo um dos filmes menos apreciados pelos fans de Buñuel (sobretudo do seu ‘período mexicano’), a comédia La Ilusión Viaja en Transvia (1954) consegue mesmo assim ter subliminarmente alguns dos temas centrais do universo de um dos maiores realizadores de sempre. Relatando a estranha aventura de dois mecanicos dos carros electricos da cidade que, durante uma bebedeira, roubam o condenado eléctrico número 133 (destinado à sucata no dia seguinte) para lhe dar a sua ‘última viagem’, encontrando inúmeras personagens e situações inesperadas que os farão andar perdidos e em fuga das autoridades durante 24 horas, sempre sobre os carris do sistema de electricos da cidade.

Uma cómedia ‘sóbria’ com o marcado cariz social, La Ilusión Viaja en Transvia parece querer reflectir sobre os sentimentos humanos como a amizade e a solidariedade e fazer um statement sobre os desiquilíbrios da condição do ‘homem social’, muitas vezes subjugado por padrões sociais repressivos (e que Buñuel ‘exemplifica’ durante a catita sequência da performance do grupo de teatro amador). Mesmo dizendo isto, e sendo este um dos poucos momentos onde o simbolismo buñueliano emerge de uma forma inequívoca, La Ilusión Viaja en Transvia possui tambem ele uma metafora fetishista, com um objecto central (o eléctrico) que se metamorfosea de forma ilusória nos desejos e ilusões das personagens.

Poderá não ser uma obra forte de Buñuel (de facto é um dos filmes menores de um dos maiores realizadores europeus de sempre), e também não ser um exemplo forte do fetishismo (e Surrealismo) do autor de magnífico Tristana (o seu opus fetishista, curiosamente também ele ligado às questões freudianas das pernas da personagem central), mas La Ilusión Viaja en Transvia é um curioso filme deste realizador, onde o latente ganha uma importância central, ao contrário de quase todo o resto da sua obras, mais mais simbolistas, poderosas e até chocantes.

Aconselhado apenas a moradores da Cidade do México ou a fans incondicionais do realizador.

Transportes Públicos, Desejos Privados (1)

2008-06-15T19:27:00.005+01:00

Chico (José Amaro) avança altivo para o início da corrida contra Luís (Óscar de Matos), ignorando que poderá por em risco as lavadeiras que normalmente transporta para fazer as suas entregas em Lisboa. Ao seu lado na carroça, Gracinda (a extraordinária Beatriz Costa) apenas deseja o amor de Chico, estando completamente desinteressada nas suas proesas machistas. Neste início de sequência magnifica, onde os cavalos das duas carroças serão conduzidos de forma desenfreada (usando técnicas de movimento soberbas, da ‘escola soviética’), revelando uma fúria descontrolada. O movimentos frenético desta drag racing de carroças cheias de trouchas de roupa e lavadeiras de Caneças é exactamente o oposto da expressão de Gracinda, que se mantém sempre composta na sua paixão, mesmo quando o faz transparecer ao distraído Chico.

Um dos marcos do Cinema português e (mesmo algo datado) um dos filmes mais interessante da produção nacional de sempre, A Aldeia da Roupa Branca (1939) é um das mais deliciosas visões da zona rural que rodeava a capital portuguesa, um documento ambíguo, simultaneamente usando os modos rudes dos campónios para fazer comédia (por vezes de forma paternal) e simultaneamente dando uma visão algo grotesca dos modos das ‘pessoas da cidade’, sofisticadas mas sem freio na forma como tentam agarrar uma vida ilusória e vaidosa.

Um filme de Chianca de Garcia com visíveis traços de concordância com a então política do Estado Novo, A Aldeia da Roupa Branca vai mostrando as ‘gentes portuguesas’ como simples (ou simplórias), com os seus defeitos mas também com amplas virtudes, que aceitam o seu destino mas que por vezes tem também que ‘inovar’, abraçando os ‘novos tempos’, como o final exemplifica sem equívocos. Mas para lá desta visão 'condicionada' pelo idealismo (e irónica por vezes) dos habitantes da zona Saloia dos arredores de Lisboa, que exemplificam um boa parte da população portuguesa da década de 30 (e com expressão ainda hoje activa, basta ver qualquer episódio da extraordinária Liga dos Últimos), fica também a ideia que este filme revela o desejo de legitímar uma portugalidade nostálgica (simpática é certo, mas imaginária e imaginada pela propaganda da altura).

Um magnífico relato cómico quase documental desta zona rural e pequenina (em vários sentidos), encostada á ‘metrópole’ central de um império ainda presente na altura, em pequenos pedaços espalhado por todo o globo.

O Brilhante Sorriso Capitalista

2008-06-15T13:06:00.005+01:00

Uma sarcástica reflexão da economia implacável do pós-guerra no Japão, Kyojin To Gangu (1958, conhecido internacionalmente como Giants and Toys) é talvez a mais a obra mais conhecida internacionalmente de Yasuzo Masumura, um dos realizadores da nouvelle vague japonesa, e um das mais ambíguas leituras de um Japão prestes a tornar-se uma superpotência mundial, devido a uma frenética actividade económica, de resto documentada de forma perversamente cómica, neste filme.

Apoiada em si mesma num gag visual extraordinariamente inventivo e inesperado, o das numerosas cáries que esburacam a boca de Kyoko (Hitomi Nozoe), uma adolescente tornada a nova face promocional de uma das três maiores companhias de doces, a narrativa deste precioso acto de subversão cinematográfica é pontuada por algumas das mais irónicas leitura de uma ambígua sociedade que, tal como durante a Segunda Grande Guerra, se entregava de forma fanática a uma vivência social (e económica) que destrói a individualidade, o sentido crítico e as relações humanas a favor de uma ganância sem margens para escrúpulos.

Esta estranha ambiguidade é realçada pelas três personagens centrais da narrativa, com a já referida modelo do 'bairro da lata' Kyoko, com a sua atitude 'whatever' marcadamente a definir a emergente classe média, o executivo da companhia que a 'criou' para o olhar do público (Yunosuke Itô, um actor que alguns reconhecerão em filmes reconhecidos como Samurai Assassin ou High and Low) e o seu sidekick Mishi (Hiroshi Kawagushi), o único que procura a redenção num mundo cão, onde os sentimentos são usados como recursos de espionagem.

Tal como uma das personagens reflecte durante o filme, olhando para os posters da desdentada Kyoko, que melhor maneira de descrever a ambiguidade da nova economia japonesa, senão vendendo caramelos mostrando as consequências ao público alvo? Masumura descreve essa ambiguidade de uma forma espectacular (por vezes a roçar os limites do hilariante, quase a fazer lembrar um dos maiores mestres do sarcásmo no Cinema, Billy Wilder), mostrando não só o recente capitalismo japonês moldado fortemente do 'exemplo' americano, como também explicando a exagerada dedicação dos salary men ao seu emprego, agora ao serviço de outros 'imperadores'.

Giants and Toys poderá não ser reconhecido como uma das obras primas da década, de resto marcada pela emergência de obras de realizadores bem mais 'visíveis' na década seguinte, que tornaria o Cinema japonês conhecido internacionalmente (Nagisa Oshima ou Shohei Imamura por exemplo), mas é uma daquelas obras de referência da nova vaga imperdíveis para qualquer cinéfilo, com um charme cómico inegável e com momentos inegualáveis de sarcásmo existencial.

Livro das Férias (4)

2008-06-14T19:21:00.007+01:00

Será irónico que esta compra apressada num aeroporto esteja em sintonia perfeita com os acontecimentos políticos Europeus da semana. Em dias de múltiplas greves por toda a Europa e da reorganização (finalmente) da Esquerda europeia, The Shock Doctrine (2007) da já prestigiada e reconhecida jornalista Naomi Klein é a perfeita leitura do começos de umas férias. Uma exacta aposta para acompanhar o desenrolar da situação económica actual, Klein faz uma muito mais profunda, séria e documentada leitura da 'actual crise' mundial, que inutiliza os já apressados e simplistas comentadores políticos, que vão olhando para um largo pinheiro sem se darem conta que estão já dentro de um denso pinhal que foi metodicamente plantado durante as últimas 4 décadas.

Se com No Logo: Taking Aim at the Brand Bullies Naomi Klein fez acontecer um quase 'movimento de consciência', mobilizando milhares de leitores a agirem contra a forma autoritária como as corporações regem os nossos gostos, o seu mais recente (já bestseller global) Shock Doctrine parece querer recuperar algum do sentido perdido pela esquerda europeia (e de certa forma mundial), através de mais um livro que tem todas as condições de se tornar um manifesto da 'jovem esquerda'. Klein descreve, nas suas mais de 500 viciantes e exactas páginas, como chegamos de forma plena à New World Order desenhada de forma impiedosa pelo Chicago Boys de Milton Friedman e como esta ordem, aliada a precisas formas de tortura (num sentido literal), testadas em doentes mentais nos EUA (também literalmente), nos deram a actual conjuntura mundial e a 'nova ordem' económica após invasão do Iraque.

De resto, como o título descreve de forma assustadoramente precisa, é sobre estes dois choques (o choque económico em pequenas economias desamparadas de forma a promover a supremacia do neo liberalismo selvagem e os choques eléctricos que percorreram e percorrem os corpos de milhões de seres humanos torturados em vários pontos do globo), que Klein nos dá um relato muitas vezes impiedoso, sem revisionismos nem figuras metafóricas, indicado de uma forma directa os actos maquievélicos da administração americana e da sua doctrina económica que foram acolhidos de forma por vezes entusiasmada por diversas figuras políticas de topo em vários pontos do mundo, dando origem ao actual 'Capitalismo de Catástrofe', que gera lucros indecentemente astronómicos usando as desgraças ambientais, de New Orleans à Tailandia, e os cenários de guerra provocados no Iraque.

Mesmo que este assunto tenha adquirido alguns contornos alucinados desde o 11 de Setembro, fomentados sobretudo por várias teorias de conspiração (algumas com algum fundamento), Klein dissipa desde logo quaisquer dúvidas sobre a abordagem ao tema, construindo um relato apenas estruturado (na maior parte das vezes) em fontes acessíveis a qualquer investigador. Com estas fontes Klein traça o caminho tomado pela clique económica neo-conservadora, que construiu para regimes ditatorias e democráticos de igual forma os seus programas de 'recuperação económica rápida' através de abrasivas medidas de destruição dos tecidos sociais e económicos locais para dar lugar a uma desenfreada onda de privatizações apressadas e vendas de patromónio a preços irrisórios e ao free trade sem consideração (literalmente) a quaisquer custos humanos.

Será ainda mais irónico quanto certo que Klein consegue provar com este seu novo relato que de facto o que aconteceu com o desaparecimento do muro e o desmatelamento apressado da União Soviética foi de facto o capitalismo, e não o socialismo (como de forma tão apressada e pouco exacta alguma Direita populisma indicou) tal como o conheciamos, dando origem a uma ordem económica e social sem qualquer consideração pela Sociedade e que eficazmente (e na maior parte dos casos violentamente) esmaga qualquer oposição democrática para o desmatelamento democrático a favor da pura Economia do mercado global.

De uma forma espantosa e metódita Klein faz-nos entender de forma global, não só a Nova Ordem metodicamente criada por Milton e anunciada por George Bush Sr. nos 90, como nos dá um relato sequencial dos seus testes em várias ditaduras mundiais nos anos 70 (Argentina, Chile, Brasil, Indonésia) e suas formas consolidadas (Rússia, Polónia, China, Coreia do Sul, Africa do Sul).

Uma leitura essêncial mesmo para aqueles mais atentos a algumas das realidades da actual ordem económica, Shock Doctrine é um exemplar relato dos 'tempos que correm', onde figuras do passado recente como Pinochet, Yeltsin, os 'eficazes' militares brasileiros ou Nelson Mandela rimam com o actual 'governo' do Iraque, com a administração Bush, os bilionários russos e o boom económico chinês e as suas lojas de 1 euro.

Masculino e Feminino (8)

2008-05-29T09:05:00.004+01:00

Em tudo semelhante ao boçal e desinteressante Miss Congeniality (2000), Jambok-Geunmu (2005, conhecido internacionalmente como She's on Duty) coloca Seon-a Kim (Chun Jae-in), uma agente polícial com fortes hormonas masculinas e com sérios problemas de inteligência no papel de uma adolescente colegial encarregada de vigiar Seung-hee (Nam Sang Mi, a lead feminina de Bad Family), a filha de um gangster local, de forma a traze-lo à Justiça. Pelo caminho Seon-a Kim vai ter que finalmente moldar a sua condição de 'gajo' da força polícial para tornar-se uma amiga feminina de Seung-hee, e relacionar-se de forma normal com um membro do sexo masculino que parece nutrir algum interesse sentimental pela estranha polícia, isto sem perder a oportunidade de espancar deliquentes às dezenas nos cantos mais escondidos da escola.

Não é de todo uma comédia brilhante, longe disso, mas She's on Duty assenta toda os seus recursos cómicos nas suas personagens, apostando muito mais numa comédia física, onde situações pontuais se tornam eficazmente divertidas. Claramente dependente da actriz Chun Jae-in para entregar uma comic drive eficiente, esta comédia (mainstream) de Kwang-chun Park parece ser mais um daqueles produtos de 'resposta' a produções estrangeiras, mas tem claramente alguns atractivos 'locais', sobretudo para desencadear situações cómicas.

Perda e Perdição (5)

2008-05-25T11:10:00.008+01:00

Uma das obras mais interessantes sobre o 'lado obscuro' de Tinseltown nos últimos anos, Hollywoodland (2006) insere-se na recente tendência cinematográfica do actual Cinema americano (dito) independente que vai recontando a história de algumas das personagens desconhecidas (ou esquecidas) da (por enquanto) maior indústria de entretenimento. Se obras como o magistral 'estudo ao negro' de Lynch Mulholland Drive (2001) ou o 'hyper-noir' (algo bacoco) Black Dahlia (2006) tinham já mostrando este fascínio pelo lado sórdido e obscuro do star system, que Hollywood Babylon de Kenneth Anger é de resto o molde, é nesta obra de Allen Coulter que este fascínio ganha uma leitura 'arqueológica', tentando recriar de forma tão histórica como simbólica as suas personagens, um pouco como outra semelhante 'reconstituição', Good Night and Good Luck (2005).

Começando pelo seu nome, a mensagem original que se podia ler na colina da cidade mais famosa de sempre (refiro-me claro ao outdoor de uma imobiliária que se tornou uma brand inconfundível de Tinseltown), Hollywoodland é fiel às origens de uma cidade que não se consegue definir apenas como um ponto geográfico no mapa, mas também uma marca vincada no inconsciente de praticamente todos os habitante do planeta Terra, na sua leitura (ou releitura) imagética da Realidade.

Contando alguns dos episódios que rodearam a investigação do suicído de um dos maiores ídolos infanto-juvenis da TV dos anos 60 (refiro-me a George Reeves, a primeira reencarnação 'humana' do Superman), este particularmente interessante 'pós-biopic' (conta a morte e não a vida) deste actor frustado que adquiriu um estatuto de ídolo americano junto dos pré-adolescentes (e suas famílias) dos 60s num meio cinematográfico 'menor', torna-se um estudo da personalidade psicológica de uma cidade e a sua influência nos seres humanos que interagem num espaço físico mas também mental, moldado pelo estrelato.

Um estilo visual, que poderá ser facilmente ser alcunhado de neo-noir, na sua forma mais honesta e não-forçada, salienta ainda mais um já de si fatal sentimento de queda e de perdição constante, onde todas as vidas são moldadas por uma volátil vontade de vencer (ou perder), como de resto o livro já citado de Anger é o exemplo máximo. Hollywoodland torna-se assim mais do que um 'filme sobre sobre os filmes', ultrapassando o 'estatuto descritivo' de alguns mais modestos biopics, para se tornar um estudo 'chiaroscuro' sobre as particulares condições do estrelato. Dizendo isto, este filme não será de forma alguma uma obra-prima do 'neo-noir' (seja lá isso o que for), reservado que está esse estatuto para o extraordinário Mulholland Drive, tendo algumas 'espinhas' narrativas que ainda puxam para um certo melodrama meloso, que vai tentando minimizando a perdição tanto da personagem de Reeves, como a do private eye contratado para investigar o dúbio suicídio.

Hollywoodland poderá não ser uma obra cinematográfica exemplar, mas o seu interesse será decerto intenso para aqueles que gostam de cinema sobre o lado oculto de Hollywood de forma linearmente descritiva. Pessoalmente, e depois do exemplar Gods and Monsters (que infelizmente nunca teve por aqui destaque, devido à falta de tempo para limpar o volumoso backlog deste blog) e da antiga (e bizarra) adaptação do já várias vezes referido Hollywood Babylon (1972) este foi o filme com tais características que mais me parece aproximar o espectador de tal universo, conseguindo baloiçar o seu interesse mais para o teor 'histórico' do que para o 'suculento' mas dúbio segredo escabroso.

As Irmãs Catita (5): Kiiiiiii

2008-05-23T18:34:00.010+01:00

Já por aqui invocada anteriormente, a loucura das Kiiiiiii tem um sample perfeito no primeiro DVD duo. Gold and Silver (2006) é um showcase bem catita da loucura das prestações ao vivo de Reiko Tada e Utako Tayama, do seu universo infantil distorcido e do fascínio pelo trash, glitter e kitsch dos anos 80.

----
The "crazy little thing called Kiiiiiii" has released their first DVD - an action-packed half-hour of original songs, skits, live performances, promotional videos, movie parodies, special effects, set pieces, stuffed animals,and hand puppets. Follow Gold & Silver, the coolest two-girl band in their high school, battle with their rivals, u.t. and Lakin' from Kiiiiiii. The DVD also comes with a huge load of extras - outtakes, videos, secret scenes, and a musical exhibition of Kiiiiii's original illustrations. Bring the legendary Kiiiiiii experience into your home - today!
----

Golden and Silver esta disponível para venda internacional, region free, através de pagamento por Paypal aqui e o trailer pode ser visto aqui.

Post Gémeo

2008-05-23T09:05:00.004+01:00

Gummy bear no chão, algures nos jardins do Royal Pavilion em Brighton, Maio de 2008. Post gémeo deste no Pipo69.

Masculino e Feminino (7)

2008-05-19T11:04:00.006+01:00

O mais recente filme de um dos actuais mestres do actual cinema espanhol ( refiro-me a Julio Medem) começa com uma poderosa metáfora: uma pomba branca em pleno vôo larga 'lastro' no olho de um implacável falcão, poisado na mão do tratador. Uma metáfora tão poderosa como, segundo me parece, falsa já que os pombos pertencem ao grupo de pássaros que não conseguem fazer tais descargas da tripa em pleno vôo. A ser verdade este facto, esta primeira cena de Caótica Ana (2007) poderá também servir para definir este filme de Medem, um realizador que, mesmo que não seja de agrado de muitos cinéfilos (sobretudo às dúbias 'bifurcações' nas suas obras, oscilando entre o estranho melodrama 'fantástico' com um simbolísmo gritante de forma desconcertante), conseguiu provar já que o seu cult following é justificado.

Tal como esta poderosa cena, rica simbolicamente e filmada de forma exemplar mas quase de certeza inexacta (sublinho novamente, segundo me parece), o restante filme parece avançar por terrenos particularmente interessantes, simbolicamente ricos, para descambar na confusão de já não conseguir traduzir a sua ideia base - a da importância primordial da Mulher como baluastre histórico, social e metafísico, num planeta completamente destruido pelo Ser Humano, com particular destaque sobre o seu 'elemento activo', o destruidor género masculino.

O que Medem tenta traduzir com a estranha história de Ana, uma estudante de Arte que, através de hipnose, revela várias vivências/reencarnações de personagens histórias que foram sujeitas ao martírio e à morte violenta às mãos de sádicos carrascos (masculinos), é de resto a base de algumas teorías de 'sustentabilidade social' actuais, que de forma inteligente, afirmam que as actuais sociedades de países em vias de desenvolvimento necessitam de forma vital de dar liberdade, poderes iguais e educação às mulheres, de forma a conseguirem um desenvolvimento mais rápido. E se Medem consegue facilmente traduzir essa ideia até ao meio do filme, misturando esta visão com um misticismo por vezes algo forçado, todo o filme se torna no cáos invocado no título, quando descamba para a uma mistura visual entre um videoclip New Age e um dúbio anúncio de TV, onde nem o produto a comprar não está claro.

Embora o core ideológico do filme esteja intacto (por vezes até demasiado explícito), servindo de um poderoso elogio do 'elemento feminino' no planeta Terra, o facto é que as mutações narrativas do filme, extremas entre uma abstracção entre o simbolismo feroz e o realismo crú (também erótico, uma marca de Medem) tornam esta obra um exercício filmico facilmente irritante e que atira o espectador para uma confusão cínica, que o torna um esforço vão e camuflado de masturbação do ego.

Podendo estar a ser algo injusto com esta obra de Medem (que de resto é um dos meus realizadores favoritos, para o bem e para o mal), parece-me que Caótica Ana será muito mais um 'remoer' de fantasmas do realizador devido à perda da irmã, a artísta plástica Ana Medem, justificados de qualquer forma pela sua visão (algo dúbia, mas legítima) da Mulher. Mas as suas deambulações narrativas e visuais, erráticas, pouco credíveis e com uma metafísica 'coxa' de sentido, tornam este filme uma experiência simultaneamente inesquecível e irritante.

Speed Metal (2)

2008-05-18T15:00:00.000+01:00

Depois de encontrar o homem que o atropelou (Tomorowo Taguchi), o fetishista de metal (Shinya Tsukamoto) convoca-o para o combate final. Ambos foram simultaneamente amaldiçoados e abençoados com uma bizarra metamorfose que tornou os seus corpos uma amalgama de metal e carne e agora confrontam-se até à fusão máxima.

Mais de 15 anos depois de ter visto Tetsuo (1989, aka Tetsuo the Iron Man) não consigo esconder o 'espanto de ficar ainda espantado' por rever umas das obras mais significativas do cinema japonês dos anos 80. A obra de estreia de Shinya Tsukamoto é simultaneamente algo datada, tendo em consideração sobetudo a obra do mestre Sogo Ishii (de que Tsukamoto parecer ser o principal e mais aplicado discípulo), mas impressivamente influente como poucas, uma daquelas viagens cinematográficas frenéticas que definem quase um estilo de forma global.

Como todas as obras mais dentro de um 'estilo' que o próprio 'estilo', Tetsuo define muito do que foi a imagem alternativa dos anos 80, uma estética visual oculta que não arrastou multidões mastigadoras de pipocas às salas de cinema convencional e cujos sons distorcidos não figuraram nos top ten, ocupados na altura com a sempre boçais bandas mais preocupadas em manter os penteados alinhados debaixo de espessas camadas de laca e a fatiota de lantejoulas a brilhar com o glam barato, mas que mesmo assim definiu (ou ajudou a definir) algumas das 'metamorfoses' da cultura pop na década seguinte. De resto Tetsuo está no mesmo patamar de influência estética de 'fenómenos sónicos' tão próximos como os sons dos Einstürzende Neubauten, Young Gods ou dos Throbbing Gristle geraram, ou (mais oportuno ainda) as metamorfoses do corpo na cultura pop que as iniciais obras de Cronenberg definiram como regra.

Tsukamoto parecerá menos preocupado no aprofundamento desta temática do corpo, fazendo mais uma leitura cyberpunk apocalíptica do cinema Kaiju (cinema de monstros japoneses), mas tudo nesta obra apela para, simultaneamente, o desvelar as metamorfoses corporais que têm o seu apogeu com o já tardio Crash (1996) de Cronenberg, e das metamorfoses mentais, também surreais, que Lynch explora em algumas das suas obras, de uma forma 'impressionista', algo que parece também interessar a Tsukamoto, que vai revelando esse interesse em obras posteriores, já mais afastadas de um entusiamo low budget que marca esta obra.

Um já clássico do cinema japonês, Tetsuo the Iron Man é uma obra a descobrir ou a revisitar, celebrando um dos filmes mais inovadores e intensos do cinema independente que fechou a década de 80 e que, mesmo que marcado por uma certa impulsiva energia crúa, abriu as portas a outras explorações mais reflectidas.

António Marialva, Homem da Bica

2008-05-18T14:42:00.011+01:00

É vergonha por levar mais de 7 anos para ver isto, mas um presente recente e acabadinho de ser visto revela-me um dos melhores filmes europeus da década, uma obra em espasmos de vertigem cinemática difíceis de ultrapassar na sua criativa e inovadora forma de contar uma história clássica, isto quando actualmente o Cinema vive simultaneamente (e paradoxalmente) uma das mais radicais mudanças técnicas,com o digital a substituir o celuloide, mas simultaneamente uma das mais visíveis falta de creatividade, devida sobretudo pelo desmoronamento do Cinema mainstream.

Isto não quer dizer que A Janela (2001, na sua espantosa versão Maryalva Mix) de Edgar Pêra seja uma completa inovação visual na obra de um realizador que desde sempre foi de uma inovação criativa perturbante, infelizmente sem edições em formatos 'convencionais' (quer on-line ou em DVD) e cujo reconhecimento passou sempre ao lado, em Portugal e no restante globo, ficando confinada numa pequena clique de culto. Pêra sempre foi um dos mais excitantes realizadores portugueses contemporâneos, usando o seu conhecimento profundo sobre as raízes do Cinema para desconstruir (sobretudo usando o formato video) as imagens e sobrecarregar os seus filmes com significados gráficos simultaneamente múltiplos e amalgamados numa unidade assustadoramente única, como todos os frutos dos voyeurismos cinematográficos.

A Janela é a sua obra prima mais 'formal', aquela que devido ao formato e edição (nas salas de cinema e posteriormente em DVD) aproximou o realizador do público mainstream, mas também (do que conheço) o seu filme mais completo e complexo, aquele que facilmente poderá ser visto como uma obra prima completa e absoluta, onde qualquer frame dos seus mais de 100 minutos é perfeita.

Filmado no bairro típico lisboeta da Bica, A Janela é uma obra voyeuristica que tentando contar os motivos de um aparentemente crime passional, vai em vez desfiando as vidas de várias personagens feministas do bairro, 7 (?) ao todo (todas elas interpretadas de forma espantosa por Lúcia Sigalho), todas elas ligadas simultaneamente de paixão e pelo matrimónio a Antónyo, o leviano 'coração da Bica', que é visto pelas personagens femininas de forma e com características completamente diferentes, também interpretado por 6 actores diferentes.

Gera-se com esta multifacetada fragmentação das personagens femininas e masculinas (e dos vários actores e actriz) um caleidoscópio cinematográfico impar e viciante, revelando de forma simultânea influências no cinema de comédia português dos anos 40 (também este 'bairrista' e popular) e num certo camp melodramático, muito usado por certas tendências indie americanas (sobretudo aquelas exploradas pelos Kuchar e por Waters), que descamba numa hilariante batalha visual, onde uma montagem e banda sonora freneticamente 'impressionista' encaixa a quase multidão dual das várias personagens.

Como se não bastasse, tudo isto é composto visualmente através de 'partições' no ecrã, úteis para revelar diferenças perspectivas ou para quebrar vários tempos narrativos de forma comparativa, mostrando de forma espectacular os varios túneis de realidade destas personagens. O uso de terminologia 'Wilsoniana' não é de alguma forma gratuita, já que Pêra sempre mostrou particular fascínio por Robert Anton Wilson, dando a esta espantosa misturada estética uma composição formal de contornos 'neuro-punk'.

Pêra contrói o seu bairro da Bica de forma emocional (ou 'impressionista' como já dito), revelando-se na multiplicidade das várias personagens (como o seu alter ego, Sr. Ego revela) e simultaneamente (e de forma bipolar, não existissem já partições suficientes) tornando-se o narrador, aquele voyer que vai observando de forma obssessíva através da janela os comportamentos apaixonados das suas personagens, revelado também como o outro alter-ego de Pêra, aquele que estrutura o filme visualmente, o Sr. Câmara. E esta Bica emocional, como visualmente se revela, é o palco da vivência das mulheres que Antónyo ama de igual forma e sem complexos (e que não consegue definir de forma coerente) e onde essas mesmas mulheres procuram de forma rival, fazer viver o seu Antónyo idealizado (que vêm de forma contrastante e sem sentido), tentando destruir a competição e até o próprio objecto amado, se tal for necessário.

Pelo caminho já nada do aparentemente macguffin inicial (o crime passional) interessa, apenas interessa a metamorfose que o 'Eu' (ou 'Eus') de Antónyo vão sofrendo aos olhos dos espectadores, através de uma hilariante e confusa mistura cinematográfica que, tal como os boatos de bairro debitados pelas linguarudas alcoviteiras, tanto revelam a verdade absoluta como o engano distorcido, disparado pelas percepções pessoais de cada uma das personagens, sobretudo as femininas. E quem é Antónyo e as suas várias 'Marias' (ou Maryas) afinal senão a própria expressão do que é a Lisboa emocional que qualquer um dos seus habitantes (passados, presentes ou futuros) vive, o paradoxal estado emocional, que tanto é animal como choramingas, tanto pretende ser santo como é mentiroso e que através da soberba e do secretismo consegue encontrar uma forma de vida destilada pela alquimia da Cidade. Afinal, como este filme mostra, em Lisboa o real da Realidade não interessa, apenas o seu real sentimental, um pouco como Antónyo Santynho (o inegualável Manuel João Vieira) afirma, quando fala do Fado ser Vida, dizendo-o de forma disparatada mas acertada.

Numa altura que certos realizadores 'alternativos' conseguem finalmente furar a ignorância sobre a sua obra através de várias networks sociais on-line (um exemplo recente mas já clássico será o do espantoso Guy Maddin, 'formalmente' idêntico a Pêra, mas que se tornou em 8 anos uma vedeta do novo cinema alternativo devido à sua presença no youtube), é talvez agora altura de descobrir um dos maiores realizadores 'lusoh-galathycos' de sempre. A corrente edição de A Janela (Maryalva Mix), infelizmente sem venda on-line visivel, esta carregada de extras que complementam um já de si perfeito exercício cinematográfico, poderá ajudar tanto aqueles que desconhecem completamente a obra de Edgar Pêra, como aqueles que ao longo dos anos foram tentando acompanhar a obra do realizador, com uma escassa edição. Imperdível.

Sexy Prelinger

2008-05-17T16:34:00.002+01:00

Nunca é demais louvar a soberba biblioteca video que Rick Prelinger foi disponibilizando ao longo dos anos na secção de Moving Images do Internet Archive, que adquiriu já um peso brutal de obras arquivadas que podem vistas ou guardadas no disco de forma livre e legal, respeitando os canons educativos do Creative Commons.

Num arquivo tão extenso é natural que também algumas bobines de velhinhos stag films ou rotinas de burlesco dos anos 50 e 60 estejam também representadas, já que também estas obras vintage são também uma importante fatia do chamado 'cinema efémero' que o Prelinger archive se especializou, que com um estatuto de objectos quase proibidos na altura, se tornam agora objectos de culto de um fascínio claro devido à sua raridade e candura, quando comparados à actual pornografia.

King of Vintage Collection

Stag Films

Burlesque and Strippers

Recomendado sobretudo aqueles à procura de tintilações vintage on-line. Já agora, para os mais distraidos, fica aqui uma explicação, também em video, sobre o Archive.

Speed Metal (1)

2008-05-17T14:28:00.006+01:00

Enquanto o irmão Ta Chi vai levando uma coça dos indestructíveis (e algo apalermados) robóticos homens de bronze, o irmão Wan (Carter Wong) confronta o ultra rápido 18º guerreiro de bronze que, se derrotado, lhe dará o estatuto de verdadeiro guerreiro de Shaolin. Se conseguir, Wan poderá finalmente vingar a família que à 18 anos atrás foi chacinada às mãos dos invasores da Manchúria. Fixe!

Um clássico do cinema de Kung Fu de Hong Kong, este The 18 Bronze Men (1976, aka 18 Bronzemen) é talvez, acreditando em alguns comentários no IMDB, a obra prima de Joseph Kuo, um dos realizadores fora dos estúdios dos irmão Shaw mais conhecidos, sobretudo devido a Ninja Checkmate (1979), por causa da personagem Ghost Face Killer.

Produzido pela Hong Hwa International e filmado em 'hohwascope', (imitando os créditos do 'shawscope' tão universalmente reconhecidos devido a Kill Bill), esta cópia em DVD, resgatada ao pó de uma one pound shop, é a versão dobrada (e cortada) e com um crop de imagem que rouba alguma das espantosas e rápidas coreografias que ajudaram a criar o culto pelos filmes de Kuo, sobretudo nos EUA. Mesmo com alguma comédia involuntária à mistura e um chato crop da imagem, esta é a versão mais conhecida pelos fans do género e consegue transmitir porque é ainda hoje umas das obras essênciais para qualquer fan do cinema de acção de Hong Kong, imitada e com diversas sequelas para capitalizar o êxito deste objecto de culto.

Canção a Preto e Branco (2)

2008-05-16T15:30:00.003+01:00

Parece que com a ascenção comercial de uma certa clique neo-new wave, tão enbasbacada numa nostalgia não vivida e que parece ser agora mais um produto que um estado de espírito tem vindo a picar a actividade de muita gente para repôr o culto algo gasto dos Joy Division, mantindo até agora pela geração dos 80s e ignorado por uma geração mais interessada até agora em mastigar imitações chatas ou em idolatrar vazios universos de plástico de falso negro pintado. E se Control (já por aqui e aqui comentado) veio trazer a luz a algumas cabeçinhas distraídas, um documentário acabadinho de estreia aqui no Reino Unido traz de volta todo o esplendor de uma das bandas britânicas mais relevantes de sempre.

Será decerto tão desconcertante como objectivo que o novo documentário de Grant Gee tenha o simples título de Joy Division (2008), quase que a anunciar os seus objectivos de manter as coisas objectivas e simples, deixando cair a paspalheira mitológica (e 'mitográfica') para tentar provar apenas pelo recontar da banda e da análise do que mais interessa sobre esta (a música, pois claro!) é possível chegar a resultados muito mais arrepiantemente reveladores que a costumeira propaganda que compõe os actuais documentários e biopics musicais.

Gee afasta desde logo os detritos próprios dos documentários rock, evitando sempre que possível aquele pitch de culto que normalmente tolda a visão objectiva e que alimenta o mito, dando em vez disso voz aos principais intervenientes, que talvez sentido o teor sóbrio e objectivo de Gee, avançam sem as balelas costumeiras e explicam de forma interessante (e vital) o percurso de uma simples banda, que formada numa das cidades mais pobres e províncianas da Inglaterra dos anos 80, se tornou um dos símbolos máximos da verdadeiro teenage angst. Gee vai focando-se sobretudo no que rodeava realmente o som da banda, as suas nuances emocionais, as suas patterns sónicas, a sua composição humana. E até mesmo a eloquência reconhecida a Tony Wilson, que afirma que este documentário é realmente sobre uma cidade que em menos de uma década passou de um estado semelhante a um cenário de um desastre industrial para uma das relevantes cidades do Reino Unido (em todos os aspectos), parece acertar em cheio no alvo da objectividade com que o realizador compôs esta obra.

O resultado é o melhor filme (documental ou não) sobre ou com os Joy Division de sempre, um trabalho composto simultaneamente (e paradoxalmente) com o amor íntegro e comovente de um fan e um despojamento emocional quase desconcertante, deixando o público (seja ele friend or foe dos Joy Division) convencido com a relevância da banda e comovido com um dos relatos pequeno mas mais extraordinário , desvelando o verdadeiro valor mitológico (sentido várias vezes durante o documentário) de uma das bandas mais interessantes e influentes das últimas 3 décadas, sem recorrer a clichés e manifestações de megalomania.

Essencial para os fans, revelador para os indiferentes.

A Prenda das Férias Curtas

2008-05-16T10:43:00.000+01:00

Segunda edição, especial e numerada, de Wanya: Escala em Orongo (1973).

Obra seminal da Banda Desenhada portuguesa, autoria de Nelson Dias (desenho) e Augusto Mota (texto), Wanya (ou Vania) é agora resgatada ao esquecimento para um público mais numeroso devido a esta edição da Gradiva e o esforço de Sara Franco, que organizou a edição.

Uma obra espectacular, com tanto de datado como de emergentemente recente, Wanya será decerto um objecto de desejo de todos aqueles pertencentes à clique da banda desenhada, sendo de certeza uma obra interessante de ser traduzida para outras línguas, de forma a tornar-se uma referência global.

---
Título seminal da Banda Desenhada portuguesa da década de 70 do Século XX e uma das raras incursões nacionais pela BD de ficção científica, “Wanya, Escala em Orongo” acaba de ser reeditado pela Gradiva numa edição especial numerada, lançada 35 anos depois da primeira edição e 15 anos após a morte de Nelson Dias, o desenhador.

Publicada originalmente em 1973, em plena “Primavera Marcelista”, “Wanya” é claramente filha do seu tempo, tanto em termos estéticos, como literários. Filiada numa corrente de ficção científica da Banda Desenhada francesa, em que o erotismo se alia ao comentário social, lançada pelo editor Eric Losfeld, de que “Saga de Xam”, de Nicolas Devil, é o exemplo mais importante e influência directamente assumida pelo desenhador, “Wanya” demonstra que o impacto desta obra, e de outras como a “Barbarella” de Jean-Claude Forrest, também editada por Losfeld, se fez sentir em Portugal, apesar da censura que dificultava o acesso a este tipo de BD mais adulta e “engagé”.

João Miguel Lameiras, Dr Kartoon | Ler o resto
---

Comprar Wanya on-line aqui.

A Compra das Férias Curtas

2008-05-15T13:51:00.005+01:00

Colecção de 3 réplicas de Hi Panda, do artísta chinês Ji Ji, da exposição China Design Now no Victoria & Albert, Londres, até meados de Julho.
Disponível também on-line na V&A Shop.

Nota: Sendo uma exposição ambígua, entre a propaganda descarada e a divulgação bem intencionada, o interesse pessoal que tenho por esta exposição está sobretudo no núcleo sobre Shenzhen, uma cidade de fronteira a norte de Hong Kong, que foi o epicentro das artes gráficas do continente chinês, misturando as influências da vizinha Hong Kong com o grafismo conservador e milenar. Sendo o centro da indústria de impressão, Shenzhen tornou-se um local de encontro de uma nova geração de designers, cujo alguns trabalhos estão patentes na exposição (embora de forma expositiva algo mal pensada, diga-se) e a que Ji Ji pertence.

Masculino e Feminino (6)

2008-05-11T08:42:00.009+01:00

Entre mystère et juvénilité, cruauté et compassion, quelle place la représentation de la femme asiastique occupe-t-elle dans l'imaginaire érotique occidental ?

Fascinante e revelador, o documentário Femmes Asiatiques, Femmes Fantasmes (2008), obra da realizadora Sophie Bredier para o canal franco-alemão Arte, é uma interessante visão sobre as concepções simbólicas, fantasias e idealizações estéticas e o fascínio corporal que a civilização ocidental foi construindo à volta das mulheres do extremo oriente, desde a época pré-colonial marcada pela descoberta exótica até às manifestações da cultura contemporânea, marcadas por uma exploração idealizada do corpo feminino asiático e por expressões pop ligadas às artes gráficas japonesas.

Também ela uma 'mulher asiática' (nascida na Coreia e adoptada quase à nascença por uma família francesa), Bredier vai entrevistando vários criadores e artístas gráficos de forma simultaneamente discreta mas de pontaria aguda, acertando nos fetishes masculinos, para revelar um conceito feminino inexistente e inexacto, um tipo de mulher que não existe nem nunca existiu.

De forma por vezes desconcertante, Bredier 'desvela' este conceito de um 'tipo' particular de feminino idealizado por visões e desejos masculinos, que parece ser tão aceite globalmente como correcta mas que se revela tão inexacto e por vezes até bizarramente ofensivo, mostrando neste documentário como os fetishes ocidentais moldaram a visão da mulher do extremo oriente.

Masculino e Feminino (5)

2008-05-11T08:42:00.006+01:00

Eva (Najwa Nimri) usa as suas skills profissionais de detective privado para perseguir o próprio marido, de quem desconfia ser-lhe infiel. O caricato da cena, que poderá ter até uma leitura quase cómica se isolada do restante filme, torna-se simultaneamente vergonhosa (devido à frieza profissional de Eva) e paradoxal, com a curiosidade da personagem feminina a conter traços de personagem normalmente associados a personagens cinematográficas masculinas.

Uma alegoria sobre a meia idade feminina, simultaneamente moralista e sentimentalmente 'positiva', Mataharis (2007) é a mais recente obra da realizadora Icíar Bollaín, conhecida pelo seu 'femininismo perspicaz', que através dos olhos de 3 detectives privados de Madrid (todas elas mulheres) vai relatando as diferenças sentimentais entre os dois sexos, colocando as mulheres num nível profissional 'igualitário', possivelmente para pôr de lado quaisquer questões sociais de parte e concentrar-se nos sentimentos das personagens.

O resultado é um filme humano que tenta encontrar alguma ternura na desilusão existêncial, com Bollaín a olhar de forma feminina para as questões das três personagens de forma idealista, mas sem cair num femininismo militante, uma muleta fácil neste tipo de cinema de 'género'.

Segundo parece este Mataharis será um filme mais singelo que Te doy mis ojos (2003), o filme que revelou esta também actriz como uma realizadora a ter em atenção, mas o resultado final, embora algo idealista, é satisfatoriamente interessante mas sem nunca ulttrapassar a fasquía da obra de referência.

Perda e Perdição (4)

2008-05-10T20:17:00.005+01:00

Numa das mais silenciosas cenas de heist de sempre, Nishi ('Beat' Takeshi Kitano) entrega o saco a encher enquanto empunha a arma. A empregada do banco parece não tanto estar espantada com o inesperado da situação, mas com a sólida face de Nishi, imóvel mas reveladora de uma indiferença quase sobrenatural sobre a sua futura perda (já anunciada) e da perdição a que se deu para conseguir agarrar os seus últimos momentos de vida.

A obra-prima de um (ou talvez o) maior realizador japonês contemporâneo (vivo), Hana Bi (1997) é um dos filmes mais intensos e poderosos da década a que pertence, com uma poesia visual existêncialista ainda mais reforçada pelo carácter contemplativo que toda a formalidade fílmica de Kitano, marcado por um desprendimento narrativo que captam momentos-chave (afinal os que realmente interessam), despidos de alguma sequência 'formal', quase sketches cómicos offbeat (afinal o background de Kitano desde os anos 60).

A personagem de Nishi, representada pelo realizador, junta a sua futura perda (a da mulher, devido ao cancro anunciado como fatal) e à da filha alguns anos antes, a sua própria perdição, deixando o seu emprego como polícia para enfrentar os últimos momentos do que resta da sua família. E embora a leitura normal de Hana Bi seja a da resignação da personagem pela sua perda o facto é que, para Nishi, o assalto que permitirá compensar aquelas à sua volta e viver os últimos dias da companheira como umas verdadeiras férias de família é apenas o início da verdadeira vida da personagem, aquela livre de qualquer comprometimento social ou profissional, que pertence a todos mas que tão poucas vezes é alcançada.

Kitano entrega assim a sua personagem ao fulfillment máximo, aquele que é simultaneamente trágico e verdadeiro, captado como muito poucas vezes anteriormente no cinema, sem qualquer indício de melodrama e de uma forma tão despida que se torna desconcertante.

Simpatia pelo Diabo (3)

2008-05-04T09:52:00.005+01:00

Mesmo que algo datado, o low budget mexicano Alucarda, la Hija de las Tiniebras (1978, aka Sisters of Satan), obra seminal do realizador mexicano Juan Lopéz Moctezuma, mantém ainda hoje um fascínio hipnótico que apenas algumas obras eleitas do género conseguem ter. Mesmo que muitas vezes citado como uma forte influência gráfica e temática (não só para outras obras cinematográficas, como também musicalmente e nas artes gráficas), esta brutal mistura de ensurdecedores gritos demoníacos, nun exploitation e lesbianismo (esta é afinal uma adaptação da novela de Sheridan Le Fanu), libertinagem sádica e gore é um igualmente repelente e fascinante objecto de culto, onde surreais imagens, filmadas de uma forma teatral e com um guarda roupa bizarro, dão a este filme um look and feel assustadoramente sedutivo.

Por vezes comparado, pessoalmente acho que injustamente, com o Exorcista (1973), Alucarda é um dos poucos filmes da nova vaga de realizadores mexicanos dos anos 70 que se pode incluir no género de terror, tornando Moctezuma um dos 'pais' do género (e influência estética) para o excessívo gore mexicano de fama mundial que despoletou nos anos 80. De resto Alucarda é muito mais semelhante a um outro marco do 'cinema de possessão demoniaca', o seminal, fundamental e graficamente excessívo Anticristo (de 1974, realizado por Alberto de Martino e com uma cena em tudo semelhante acima), do que a uma obra abertamente mainstream e com um certo pendor para o choque voluntário sem grande consequências sérias.

Esta obra prima de Moctezuma, embora com imagens algo chocantes, parece estar mais interessada em explorar a repressão sexual e o fascínio pelo proíbido e o oculto, frequentemente invocado pelas duas adolescentes 'irmãs do diabo', aproximando-se mais a filmes como Carrie (1976), que de resto faz uma homage interessante quase no final. Aqui o gore é mostrado, tal como em Carrie, através da simbologia do sangue 'divino', quer através de chagas 'místicas' ou da presença do sangue mestrual, que parece 'ornamentar' os estranhos (e surrealmente gráficos) hábitos brancos das religiosas do convento, evitando Moctezuma qualquer outro uso do sangue que não o 'simbólico', mesmo que abundantemente usado.

Mesmo descontando os efeitos especiais low budget e alguns pedaços de diálogo com pouco sentido, que poderão gerar alguns sorrisos nos mais desprevenidos, Alucarda é uma estridente mas honesta obra sobre a histeria religiosa, com um pendor claramente anti-religioso que lhe valeu muitas vezes o rótulo de propaganda satánica no católico México. Poucas vezes vista, devido ao seu polémico conteúdo e poucas edições em DVD, Alucarda é uma obra a ser re-descoberta, agora que faz 30 anos.

A Busca das Memórias (1)

2008-05-04T09:34:00.005+01:00

Um aluno de medicina, Hiroshi Takagi (Tadanobu Asano) cumpre os diversos passos da cerimónia fúnebre do corpo de dissecou de forma obsecada durante quatro meses nas aulas de dissecação, obedecendo de forma relutante mas séria à voz monocórdica do intructor. A sua frente a mórbida Ikumi (a modelo Kiki), é a única pessoa na morgue que sabe os segredos entre Hiroshi e o corpo que finalmente será entregue às chamas da cremação.

Sendo um dos realizadores mais interessantes do cinema contêmporaneo japonês, Shinya Tsukamoto é também aquele que 'trabalhou' de forma maníaca a reflecção sobre o corpo humano e as suas mutações físicas. E tal como Cronenberg, Tsukamoto é também um realizador onde todas as metamorfoses físicas são acompanhadas pelas mutações mentais (ou espirituais), marcadas pelo 'querer' das suas personagens, normalmente despoletados pelo chamado destino, que estas mesmas personagens enfrentam de forma impulsivamente determinada.

Vital (2004) é uma poderosa reflecção sobre a perda amorosa e física e a procura no corpo físico daquilo que poderá constituir a vida, o centro do que significa estar vivo, fisicamente e em comunhão com os outros seres vivos.

***Spoilers***
Para tal Tsukamoto faz Asano encarnar no papel de um amenésico estudante de medicina, que no mesmo acidente perdeu (será?) a memória e a presença física, viva, de Ryôko (a bailarina Nami Tsukamoto), tentando fazer deste um obsecado 'navegador' que quando começa as aulas de dissecação se depara na mesa de estudo com o cadáver na amada morta nesse mesmo acidente. Deste período inicial do filme somos levados por sucessívas viagens em flashback (alguns aparentemente reais, outros parecendo mais sonhos ou distorções do real), contrabalançados com uma autópsia levada aos extremos por Hiroshi, que estuda de forma exagerada todos os mais ínfimos pormenores do corpo morto à procura no seu âmago, tentando de forma maníaca recuperar as memórias de Ryôko.
***Fim de spoilers***

No volume final de O Mar da Fertilidade, a espantosa tetralogia de Mishima, Honda, a personagem principal que faz de toda a sua vida uma busca espiritual para encontrar o centro da vivência do seu amigo de infância, depara-se com a perturbante dúvida que põe em causa alguma prévia existência do 'objecto de estudo' de toda a sua longa vida, agora reduzido a pó e perdido na existência de uma lembrança cada vez mais dúvidosa e inreal.

Shinya Tsukamoto realiza neste filme talvez um dos filmes mais 'reflectivos' que alguma vez realizou, moldando este filme de uma forma quase experimental, que o formato digital faz ainda mais sobresair. E a forma obsecada com que molda a personagem de Hiroshi, com a ajuda do extraordinário Tadanobu Asano, parece querer mostrar a niilista evidência de que sem memórias o humano, mesmo que feito de física e palpável carne, nunca existiu realmente, iludindo para uma conclusão em tudo semelhante à da (também obsecada) personagem principal de O Mar da Felicidade.

Domestic Appliances (2)

2008-05-03T10:38:00.005+01:00

O 'electrodoméstico' em formato humano, replicante de emoções e capaz de se apaixonar pelo seu dono é um tema clássico na séries televisivas japonesas direccionadas para um público maioritariamente masculino (seja em formato Anime ou live action). Exemplos não faltam para fundamentar tão afirmação, desde a super heroína Cutie Honey (em várias versões desde a primeira série na década de 70) ou a persocom Chi no espantoso Anime de culto Chobits. No Japão, com uma cada vez maior emergência de uma poderosa nova classe de office ladies, que agora já não estão em posições de submição mas revelam-se como figuras centrais da economia japonesa do ínicio do século XXI (começando a quebrar hierarquias milenares num país ainda conservador), apenas agora esta variação do eterno plot da 'mulher objecto' que se revela uma companheira tão 'perfeita' para os desejos masculinos (e que torna o protagonista masculino tão desconfiado como maravilhado) parece estar a ser adaptada para um público feminino.

Usando exactamente o mesmo sentimento fetichista (uma palavra que no seu significado inicial estava relacionada com objectos) estreiou à poucas semanas o dorama Zettai Kareshi (2008, traduzida como qualquer coisa semelhante a O Namorado Total) tentando captura este tipo de pulsões emocionais do público feminino, usando como personagem central o actor Hayami Mokomichi, um ainda jovem mas já conceituado actor que se tornou rapidamente um dos sex symbols masculinos mais requisitados nos dorama japoneses dos últimos anos.

Usando um plot parcialmente idêntico ao já referido Chobits, Zettai Kareshi mostra a relação ambígua entre Riiko (Aibu Saki, uma das melhores actrizes da recente geração de actores de TV no Japão), uma honesta e cute office lady numa empresa japonesa de alta pastelaria de influência europeia (!) sem grande sorte ao amor, a quem é oferecido um prototipo top secret de um futuro namorado cibernético de aparência humana (Mokomichi), que poderá resolver todos os problemas sentimentais (e também 'carências físicas', como é acentuado de forma 'malandra' várias vezes no primeiro episódio) da azarada protagonista.

Tendo que manter o segredo da existência de tal domestic applicance, como o técnico de manutenção do curioso objecto lhe chama, Riiko cai numa rotina onde as situações absurdas entre a 'máquina' e as diversas personagens que a rodeiam se propagam a um ritmo alucinante, gerando conflito, o ciúme e a confusão, e alguma cobiça sobretudo nas personagens femininas, com consequências por vezes hilariantes. E aqui entramos pelos terrenos de Chobits, onde agora Riiko tem que 'ensinar' o cyborg as normais vivências da 'dona', de forma a gerar um balanço entre a sua função de 'objecto emocional' e as ambiguidades sentimentais que este vai gerar da vida da jovem profissional. Pelo caminho, Riiko terá de decidir se é esta a solução para os seus problemas sentimentais, ou se a real thing, por muito problemática que se possa apresentar, e preferível para encontrar o verdadeiro amor.

Mesmo sendo Zettai Kareshi um dorama de comédia romântica, e mesmo tendo como alvo o público feminino (sobretudo jovens adultas urbanas) e sem dar grande importância a um certo teor sci-fi que poderá estar inerente ao tema, esta série consegue gerar algum interesse cómico num público em geral, sobretudo aqueles mais interessados em certos temas sociais e culturais do Japão contemporâneo (relações entre género em cenários urbanos, a alienação social e as questões geradas entre o humano e a máquina...), isto mesmo sem pretender ter qualquer profundidade temática, agradando decerto também a quem goste de acompanhar dorama de comédia de sensibilidades mainstream, com actores já de presença sólida na TV nipónica.

Estéticodorama (2)

2008-05-02T19:50:00.001+01:00

Embora os pais sempre lhe tenham dito que era o rapaz mais bonito da vizinhança, quando Jun Wei (JJ Lin) chega à universidade depressa compreende que mais ninguém tem a mesma opinião. Não convencido com esta nova descoberta, Jun Wei declara-se de forma hilariante a Si Si (Nicky Lee), a mais espectacularmente bela miss da universidade, descobrindo que afinal é uma feia criatura desinteressante, mas que conseguindo mesmo assim começar uma amizade com a 'cobiçada' colega. Invejosos, os flat mates de Jun Wei começam o mais disparatado clube universitário que haverá memória, de forma a conseguirem atrair membros do sexo oposto para o seu círculo de amizades.

Uma explosiva mistura entre comédia romântica de contornos dramáticos e slapstick caótico e hilariante, Yuan Lai Wo Bu Shuai (2008, já conhecido nos círculos dos fansubs como So I'm Not Handsome) é um dos mais recentes doramas de Taiwan a merecer visões cá por casa, fascinando com a sua bizarra visão da comédia teenager existêncial, onde as amizades dúbias, os amores platónicos e os constantes sarilhos universitários são ligados com dramas pessoais, colombofilia, aikido e atingir a perfeição a fazer omeletes de arroz.

Pela descrição este dorama poderá não parecer grande coisa, mas 'So I'm Not Handsome' consegue ser captivante desde os primeiros minutos, com uma esquizofrénica e hilariante forma de mostrar uma aparentemente linear história de amores não correspondidos e perdas familiares, servindo-se das preocupações estéticas das personagens principais e do eterno plot da Bela e do Monstro.

Só p'ra Lembrar (4)

2008-05-01T13:38:00.004+01:00

Slogans et graffiti

Voici ma collection de slogans et graffiti de Mai 68.
Je les ai trouvés dans des livres, pas sur place : j'étais tout jeune, en 68, et j'habitais dans un village de Belgique, pas à Paris.

Química Pop

2008-04-30T12:56:00.005+01:00

Será quase impossível quantificar a gigantesca influência que a descoberta acidental que este homem fez à 70 anos trouxe para a cultura do século XX. E decerto que o pacato Albert Hofmann, quando no seu pequeno laboratório em Basel, na Suiça, tomou a primeira dose de lysergic acid diethylamide não esperaria nunca ser uma das figuras centrais da segunda metade do século passado, dando o 'alimento' psico-inibriante a uma geração que mudou o Mundo.

Albert Hofmann - 11 de January 1906 – 29 de Abril de 2008

Perda e Perdição (3)

2008-04-26T18:45:00.004+01:00

Marichka (Larisa Kadochnikova) e Ivan (Ivan Mikolajchuk) observam ao mesmo tempo a mesma estrela no mesmo tempo o céu dos Cárpatos, negando à distância física a solidão em que os dois se encontram, um sem o outro, tentando ignorar que existem maiores distâncias entre si que a espacial. Descrito tantas vezes como o Romeu e Julieta dos Cárpatos, Tini Zabutykh Predkiv (1964, conhecido internacionalmente como Shadows of Forgotten Ancestors), uma das poucas obras primas de um dos maiores (e talvez o mais ignorado e esquecido) cineastas do século XX a sobreviver até aos dias de hoje, Sergei Parajanov, é um pujante conto de perda amorosa, alienação e insuperável perdição pela dor da existência sem o 'objecto amado', poucas vezes expresso no Cinema desta forma magistral e sentida.

E como se não bastasse ser este um dos contos de amor mais belos do cinema, Shadows of Forgotten Ancestors é simultaneamente, de forma desconcertatemente esquizofrénica, um completo relato (de contorno assumidamente documental) de algumas das tradições folclóricas da Hutsul Ucraniana, onde a Europa e a Ásia se fundem nas suas manifestações milenares, que parecem ter chegado até à década de 60, quando Parajanov de forma magistral as captou para dar corpo a esta história tradicional de fatalidade e amor eterno.

***spoilers***
Narrando o amor precose e eterno entre Ivan e Marichka, impossível devido à rivalidade de morte entre as famílias de ambos, Parajanov envolve-nos de uma forma hipnótica numa relação que sabemos logo à partida condenada, mas que se torna tão alienante como a forma desamparada com que Ivan tenta 'voltar' à humanidade depois da perda de Marichka, para se deparar com a sua perdição e a queda no torpor da memória, de forma comovente e absoluta.
***Fim de spoilers***

Bem menos 'simbolista' que o magistral Sayat Nova, já comentado por aqui, Shadows of Forgotten Ancestors é uma daquelas obras obrigatórias a qualquer cinéfilo que é foi até à pouco tempo obscurecida no esquecimento e censura que Parajanov foi votado. Uma edição recente em DVD região 1 (EUA e Canadá) parece tentar culmatar esta omissão (mais vale tarde que nunca), estando também incluido na preciosa caixa de 4 filmes do realizador, esperando-se agora pela já à muito esperada edição europeia, inexistente em DVD a acreditar em alguma informação on-line.

Domestic Appliances (1)

2008-04-25T19:52:00.006+01:00

Aquilo que parecia impossível aconteceu a Xar (Bob Cowan): A sua inteligência artificial de fleshapoid conseguiu aprender o que é o Amor, ao apaixonar-se por Melenka (Maren Thomas), para depois cometer o acto de pecado sempre negado a estes electrodomésticos ao servido dos seres humanos: o Sexo!

As pecúliares visões futuristas de um dos mais esquecidos realizadores underground americano. Com o seu irmão gémeo George, Mike Kuchar realizou algumas das obras mais bizarras que haverá memória no cinema americano dos 60s, inaugurando ousadias camp nunca vistas que foram só igualadas pelo universo trash de John Waters. The Sins of the Fleshapoids (1965), uma estranha e subversiva mistura cinematográfica com influências simultâneas no melodrama de contornos clássicos e o universo dos comics (que os irmãos Kuchar são fanáticos leitores), eleva ainda mais o estranho universo faz-de-conta dos Kuchar, para contar uma estranha história de um amor impossível entre dois electrodomésticos do futuro (servos robots que são réplicas perfeitas dos seres humanos), serventes de caprichosos humanos.

Simultaneamente influente e ignorada, a obra dos Kuchars (sobretudo centrada nas décadas de 60 e 70) é uma das percursoras do cinema independente pós-moderno e de new wave americana dos 80s, com as suas visões pop decadentes e as suas inventivas histórias existênciais.

Alter Egos (3)

2008-04-25T18:30:00.004+01:00

Meta Carson (a voluptuosa Rhonda Fleming) pergunta a Jeff (Robert Mitchum): "You always go around leaving fingerprints on girl's shoulders? ...Not that I mind, particularly...". Dentro de poucas horas Jeff terá que se fazer passar por primo de Meta de forma a ser apresentado a alguém que quando for assassinado, deverá servir para acusar de assassínio Jeff de forma a completar a vingança de Whit (Kirk Douglas).

A obra prima de Tourneur Out of the Past (1947) está repleta de Alter Egos e duplas personalidades - umas por culpa, outras por feitio, algumas usadas apenas por minutos, outras para sempre. Para lá da complexidade da pérfida femme fatale (dupla, no corpo de uma espectacular Jane Greer) e das várias personagens que tentam enganar-se umas às outras, gerando um labirinto de máscaras a que se perde a conta cedo no filme, Out of the Past torna-se ainda mais complicado devido ao longo flash back que revela que afinal Jeff não é afinal um simpático proprietário de uma qualquer bomba de gasolina perdida no meio do nada, mas sim um 'detective' com vidas descartáveis a cobrirem uma alma viciosa.

E num filme tão carregado de alter egos, não será de estranhar que certos espectadores sintam também que as suas impressões digitais estejam na mão da personagem de Mitchum, com o quente braço de Fleming a moldar-se com a pressão.

Só p'ra Lembrar (3)

2008-04-25T17:32:00.007+01:00

A revolução no youtube

Só p'ra Lembrar (2)

2008-04-25T17:10:00.001+01:00

foto: linhadotua.net

Written by MCLT
Thursday, 27 March 2008:

A Petição pela Linha do Tua já conta mais de 3000 assinaturas.

O MCLT agradece a participação e a preocupação demonstrada quanto ao futuro e preservação deste património único, a Linha do Tua e o vale onde está inserida, em pleno Douro Vinhateiro, Trás-os-Montes.

Para que este assunto seja discutido em plenário na Assembleia da Republica, precisamos de obter um mínimo de 4000 assinaturas.

A Linha do Tua não pode desaparecer assim! Vamos exigir transporte em SEGURANÇA naquela que é considerada uma das mais belas linhas férreas de montanha da Europa! Assine e divulgue a Petição pela Linha do Tua VIVA!

Para que os dados sejam correctamente validados, lembramos que devem constar na petição: o nome completo (no mínimo, o primeiro e último nome), o número do bilhete de identidade, e, se assim o desejar, pode indicar o local de residência no campo "comentários".

Um MUITO OBRIGADO a todos!

ACEDA À PETIÇÃO em http://www.petitiononline.com/tuaviva/petition.html

Alter Egos (2)

2008-04-24T18:53:00.005+01:00

O outro Eu da tímida professora Fumiyo (Takabe Ai) manifesta-se durante a noite, ao incarnar a urban legend chamada Guren Onna (a mulher queimada), que tanto assusta as suas adolescentes alunas durante o dia. Procurando a satisfação emocional que sempre lhe escapa na normalidade, Fumiyo vai fingindo que é (e subitamente convencendo-se que será) uma das assombrações urbanas que preenche o roteiro de fantasmas urbanos de Tokyo, encontrando outros 'seres' (alguns tão fingidos como ela, outros sobrenaturalmente reais) durante as suas investidas nocturnas.

Um refrescante, mas infelizmente nem sempre eficiente, dorama que mistura de comédia com terror, Guren Onna (2008) vai retratando as vivências urbanas de uma solitária e tímida professora de liceu, submetida aos comportamentos abusivos das alunas e dos seus colegas de trabalho, que se vinga das frustações de forma tão profissional quanto possível, usando disfarces e gadgets convincentes para assustar os transeuntes tardios de uma qualquer zona urbana de Tokyo.

Se esta ideia central num plot poderá parecer aliciante, o resultado é algo desapontante, com Takabe Ai a não conseguir ter uma prestação cómica sólida, oscilando entre uma caricatura sem sal da também caricatural Ueno Juri no espectacular dorama Nodame Cantabile e uma eficiente figura de slapstick mórbido que vai conseguindo arrancar gargalhadas sentidas. Mesmo que não possa ser levada muito a sério, Guren Onna parece querer denunciar certas maladies urbanas num Japão (urbano) onde o bullying e as pressões sociais levam a sociedade aos extremos, mesmo que sejam demonstrados de forma cómica e com consequências disparatadas.

Se será para ser seguida cá em casa, ainda não está decidido, mas decerto que Guren Onna conseguirá gerar algum interesse a todos os fans de dorama made in Japan que esperem algo um pouco diferente das já costumeiras e gastas histórias de adolescentes de liceu.

Só p'ra Lembrar (1)

2008-04-23T18:06:00.002+01:00

Aqui está o link para mais um pequeno video de uma série feita com muito coração e dedicação. É uma história de amor verdadeiro, redenção e músicos desempregados. Divulgar este LINK é participar activamente na divulgação d´"O Mundo Catita", e ajudar o pequeno Vieira a entrar no seu televisor. Agradecemos francamente o vosso apoio incondicional. Não deixem de visitar a nossa página para saber novidades.

Abraços,
Filipe Melo e João Leitão

http://www.youtube.com/watch?v=yNeJG1PBAfM
http://www.youtube.com/watch?v=62Uow-uOsqk

www.mundocatita.com

Um Chico, Três Momentos

2008-04-20T09:16:00.002+01:00

Chico Buarque De Hollanda (1966)
A estreia gravada que tornou Chico Buarque uma das vedetas da MPB, sobretudo com a inclusão do êxito 'A Banda' a abrir um dos albuns que trouxe de volta o espectacular legado do samba canção dos anos 30 e que parecia negar as influências da aburguesada Bossa Nova. Mesmo parecendo não conseguir convencer de forma assumida a left wing que apoiava incondicionalmente os rebeldes da Tropicália, este primeiro trabalho trás já, embora isto possa parecer paradoxal, um cheiro a rebeldia malandra em forma de um 'tradicionalismo' algo formal, que seria sentida de forma plena durante os registos dos anos 70.

Construção (1971)
O primeiro trabalho depois da volta do exílio em Italia, Construção parece querer contradiar aqueles que na Tropicália achavam que Chico Buarque era demasiado tradicionalista e brando nas suas críticas sociais. Canções como Deus lhe Pague, Construção ou Quotidiano (uma das maiores composições de sempre da música brasileira) marcaram para sempre a música de intervenção, com os seus relatos pujantes, colocaram este album como um dos mais importantes de toda a MPB e tiraram qualquer dúvida, aqueles que ainda a podessem ter, que Buarque é um dos maiores compositores da língua Portuguesa de sempre.

Chico Buarque & Maria Bethânia - Ao Vivo (1975)
Da primeira colaboração entre os dois gigantes ficou esta gravação ao vivo, fruto de uma tournée no Canecão (com lotação esgotada durante meses e local de reunião das principais figuras do Rio). Um dos albuns ao vivo mais emocionantes de sempre, Ao Vivo combina a genialidade das composições de Buarque com a exuberância de Bethânia, com uma voz poderosa a invocar trovões ou a sussurar carícias, sempre sem qualquer rede ou preparação, numa gravação tão honesta e crua que parece querer mostrar que é apenas um pálido reflexo do que terá sido assistir a estes concertos.

Where is My Mind? (2)

2008-04-20T08:20:00.004+01:00

via Internet Archive

Num dos sci-fi britânicos dos 60s com mais culto de sempre, They Came From Beyond Space (1967), a mente de Lee Mason (Jennifer Jayne), possessa por um ser extraterrestre, é submetida a uma torturante lavagem cerebral, feita com bizarras máquinas caseiras produzidas pelos cientistas Curtis Temple (o canastrão Robert Hutton) e Farge (Zia Mohyeddin), de forma a conseguirem recuperar a verdadeira mente (e personalidade) da bela cientista.

A peculiaridade da estranha sucessão de cenas durante esta bizarra cura geram mistura de várias influências visuais, com trips psicadélicas misturadas com 'filtros' visuais de documentários científicos da época. Esta estranha mistura visual torna-se ainda mais surreal nesta 'recuperação' da mente de Lee será a de que estamos de facto a ver uma cena de tortura com nuances sexuais, onde cientístas terrestes torturam mentalmente uma criatura doutro planeta, aqui 'presa' no corpo da actriz Jennifer Jayne, algo que normalmente se passa de forma oposta (a experimentação e crueldade é sempre mostrada de forma oposta). Toda a sucessão é filmada parecendo uma amálgama de imagens de tortura e perversão masculina, sempre discretas, onde não existem de facto cenas 'fisicas' e estando toda a sugestão na expressão da magnifica face da actriz, mas onde tudo é mostrado de forma eficiente.

Where is My Mind? (1)

2008-04-20T07:54:00.004+01:00

Via Internet Archive

Janet (a expressiva Anabel Shaw) assiste aterrorizada da janela do seu quarto de hotel ao crime passional. Perto da janela do quarto ao lado o reconhecido psicólogo Dr. Richard Cross (Vincent Price) termina a briga com um candelabro de prata na cabeça da mulher. Caindo em choque, Janet terá que ser submetida a tratamento de forma a conseguir sair do turpor do trauma para conseguir encontrar de novo a sua sanidade mental. Seguindo o conselho do gerente do hotel, o marido de Janet decide por a saúde mental da sua mulher nas mãos do psicólogo assassíno do quarto ao lado, que já percebeu que a sua mais recente paciente é a única testemunha do crime.

Um singelo mas altamente eficiente psycho thriller de contornos bizarros, Shock (1946) vive da prestação destas duas personagens (mais do que das outras metades, o marido de Janet e a amante do Dr. Cross, a actriz Lynn Bari, habituada a estranhas personagens duplas) para construir um interessante jogo de tensão mental, onde uma personagem dependente é submetida a 'tratamento' de forma a esquecer o crime o ser obliterada (mental ou fisicamente) pelo criminoso. Entretanto a obliviosa Janet vai tentando encontrar a ponta do fio que a levará à sanidade, reconhecendo o seu 'carrasco mental' e tentando convencer o restante pessoal médico que a mente que está a usar quando acusa o médico não está contaminada pelo choque.

Embora podesse ser bem mais carregado e labírintico na sua aproximação ao tema, Shock consegue ser credivelmente interessante, com Price a dar uma normal prestação arrepiante, sem nunca cair no excessos que por vezes este filme parecia querer.

Alter Egos (1)

2008-04-18T19:46:00.004+01:00

O outro eu de Saki Shinohara (Mako Sakurai, actriz, actriz de voz e vocalista dos Bon Bon Blanco) é uma maid num qualquer maid bar de Akihabara, rodeada de otakus que lhe ensinam os requintes da profissão.

Depois do sucesso comercial do dorama Densha Otoko (2005) ter trazido para o mainstream a figura do anti-social otaku como uma 'personagem com caracter', a mini-série Maid in Akihabara (2005) pareceu querer rever a matéria dada, com as visões semelhantes sobre vários oddballs que frequentam o café Meido no Miyage, onde Saki se refugia de um gang de yakuza (depois de ter trabalhado como hostess num dúbio bar), para entrar num outro submundo, onde os fetiches são vividos de forma pecúliar. Pela curta narrativa de 6 episódios temos, tal como em Densha Otoko, uma iniciação no mundo otaku, alguns erros que culminam na aceitação de um outsider pelos Otakus, um conflito entre este novo membro e os outsiders, uma resolução do problema, quando todos juntos 'vencem o inimigo' o conquistam a felicidade.

Mas a diferença neste dorama parece ser o seu afirmativo espírito low budget, que faz desta uma hilariante experiência otaku 'auto-congratulatória' uma série aparentemente filmada para o formato web, sem qualquer contemplação comercial e com humor (e amor) muito dentro do espírito desta tribo urbana. parecendo-se querer assumir como um produto do 'outro lado da barricada' (feito por otakus para otakus?), Maid in Akihabara é uma experiência cómica interessante mas também inconsequente, sendo no entanto elementar como documento sobre a clique otaku, ainda tão obscura e (sobretudo) muito mal interpretada.

Particularmente recomendada aos interessados nestas nuances urbanas, fetichistas de Maids e viciados em séries cómicas bizarras.

Estéticodorama (1)

2008-04-16T19:51:00.005+01:00

Mesmo aqueles habituados a uma certa estranheza de algumas das recentes série de TV do extremo oriente decerto que não previam que Before and After: Plastic Surgery Clinic (2008) fosse um dos doramas mais bizarros que há memória na televisão Coreana. Misturando comédia com imagens arrepiantes de cirurgia plástica (aparentemente reais), Before and After conta a história de um grupo de oddballs comandados por um entusiástico mas desastrado herdeiro de uma clínica do género, assombrada pelas dívidas à mafia local. E para ajudar este estilista do bisturi temos uma dupla bizarra de enfermeiras, uma com desordens alimentares (e outras) e a outra do uma estranha inclinação para a confusão vivêncial (que geram os melhores gags) e um cirurgião genial com inclinações de caridade que deixam o dono da clínica de nervos estilhaçados.

Pelo caminho ficam as histórias e circunstâncias pessoais de vários (ou várias) clientes, que por diversos motivos se submeteram a alguns dos tratamentos da clínica. Se as personagens centrais dão o tom cómico à série, que é eficiente, são os clientes quem geram o lado 'dramático', gerando debates entre as diversas personagens, e duelos de opinião sobre a verdadeira razão deste tipo de transformações corporais.

Balançando entre o hilariantemente estranho e o repelentemente gráfico (bastante educativo, diga-se), este Before and After: Plastic Surgery Clinic parece querer escudar-se numa bem intencionada visão sobre os prós e contras da cirurgia plástica, que depressa se torna um autêntico catálogo promocional desta prática.

Claramente para além de qualquer debate mental do espectador (e possível cliente) fica uma comédia de tons sarcásticos salpicada de gore de hospital. Se este tipo de imagens são já uma presença aceite em qualquer programa de TV em horário nobre, (o voyeurismo de celebridades e wannabes assim o obriga) seja em que parte do globo esteja a ser mostrado. Divertidamente sinistro.

Lixo Divino

2008-04-16T19:48:00.005+01:00

Via G-pod

A real importância de John Waters no cinema na segunda metade do século passado (e da cultura pop americana, por arrasto) nunca será unanime. Afinal este realizador sempre foi alvo, por vezes simultaneamente, dos elogios mais entusiasmados e das críticas mais 'trucidantes' e depreciativas da sua bizarra, controversa e delirante obra. Mas, como o documentário Divine Trash (1998) tenta mostrar, Waters tem de facto uma importância central no cinema pós-anos 60, com a sua forma desprendida e entusiástica forma de filmar, uma quase blueprint para várias gerações de cineastas independentes que emergiram desde os finais dos anos 70, alguns dos quais (como Jim Jarmusch que participa neste documentário) chegaram ao confortável mainstream da 'clique Sundance', que premiou este documentário do comediante Steve Yeager, um antigo colaborador de Waters e figurante em Pink Flamingos (1972) e Polyester (1981).

Através de várias entrevistas de fans, intervenientes na carreira (para o 'bem' e para o 'mal'), apoiantes e críticos, familiares e amigos próximos de Waters, este documentário vai tentando, por vezes de forma algo vaga e pouco precisa, mostrando o percurso do criador de hilariantes e nunca-jamais-repetidos exercícios cinematográficos como Mondo Trasho (1969), o infame Multiple Maniacs (1970) ou o delírio melodramático asqueroso Pink Flamingos, três das maiores obras-primas do cinema independente americano de sempre, desde o 'berço', onde manifestou as primeiras obsessões repetidas depois durante a sua obra, até ao final dos anos 80, com a morte da sua maior diva e alter-ego criativo, Harris 'Divine' Milstead.

Estranhamente, ou talvez não, este documentário do final dos anos 90 deixa de parte a segunda parte da carreira de Waters (quando Hairspray, Cry Baby e Cecil B. Demented lhe deram alguma fama junto do público mainstream), concentrando-se mais na relação criativa entre Waters e Divine e os seus bizarros frutos. Será talvez algo acidentada a forma como o documentário se centra na relação entre estas duas personagens espantosas, mantendo-as sempre envoltas numa aura icónica, alimentada pelos inúmeros espantosos episódios que vão sendo revelados pelos entrevistados (algo até normal, afinal tratam-se de dois dos maiores ícones do underground americano da segunda metade do Século XX). Mas Yeager parece ser algo 'tímido' em de facto revelar a relação de amizade de Waters e Divine, caindo em alguns lugares comuns, como a emocionada entrevista à mãe de Divine.

Mesmo dizendo isto, Divine Trash revela algum espantoso material de arquivo raro (penso que nunca revelados até então) da produção de Multiple Maniacs e sobretudo de Pink Flamingos (que ocupa uma grande fatia da parte final do documentário), revelador da forma independente mas determinada como Waters e a sua entourage moldaram, sem querer, uma parte do Cinema das últimas 5 décadas. Completando este especialmente interessante in-site sobre Waters, o documentário vai dando um enquadramento histórico da obra do realizador com a então emergente e mais visivel cena underground, mais centrada em New York, , dando pistas preciosas sobre algumas das obras mais relevantes da altura e a comparação entre a sofisticada clique artística desta hub cultural com a arídez artística da suburbana e desolada Baltimore natal de Waters, que não conseguiu segurar o seu cidadão mais irreverente e (actualmente) notável.

Ficando para a história não só pela ousadia e excesso fílmica, mas também como um dos mais inovadores e 'desprendidos' criadores independentes de sempre (e um dos primeiros renovadores do melodrama pós-moderno), o John Waters (e Divine) retratado(s) neste Divine Trash poderá não ser o mais completo, mas basta para entender a genialidade do realizador e do seu 'alter ego', sendo este um documento imprecinsdível não só para os fans de Waters, como daqueles que tenham já interesse na espantosa história do cinema underground americano, revelando-se sobretudo útil aqueles ainda não iniciados neste estranho mas compensador pedaço do Cinema.

Caixa de Pandora

2008-04-14T19:47:00.005+01:00

Um singelo mas competente thriller da nova vaga do cinema comercial espanhol, La Caja 507 (2002) de Enrique Urbizu (realizador de um dos maiores filmes de gangsters, pré-Reservoir Dogs, Tudo por La Pasta de 1991 ) é uma reciclagem dos clássicos do Cinema de crime (e de outros reminicentes, sobretudo do Film Noir e suas reflecções da década de 70 e 80) num contexto de um cenário ibérico vulgar e quotidiano, evitando muitos dos lugares comuns do actual do Crime Cinema, tão cheio de aparatosa acção como vazio de conteúdo cerebral.

Anos depois da perda da sua única filha, Modesto Pardo (o excelente Antonio Resines) e Ángela (Miriam Montilla) tentam retomar à vida normal numa pacata vila na região da Andaluzia. Mas o dia-a-dia do casal Pardo é destruido quando Modesto, director do balcão bancário local, fica fechado durante o fim de semana no cofre forte, depois de um rápido e eficaz roubo. Tentando passar o tempo até ser resgatado do insonorizado cofre, Modesto passa os olhos por uns aparentemente vulgares documentos numa das caixas espalhadas pelo chão durante o assalto, a caixa 507 do título, relacionados com um terreno onde a sua filha morreu, durante um aparentemente normal incêndio florestal.

Simultaneamente, o ex-chefe da polícia local e 'peão' do submundo local, Rafael (José Coronado), dono dos mesmos documentos da caixa 507, encontra-se numa situação perigosa, pressionado pela máfia local a entregar os mesmos documentos que despoletaram o sentimento de vingança em Modesto. Daqui a história avança com ambas as personagens a freneticamente tentarem descobrir a verdade sobre os mesmos documentos, mesmo não entendendo as profundas raízes que todo o caso tem na região, envolvendo não só vários grupos mafiosos, com também algumas empresas, a comunicação social e vários dos detentores do poder local e regional, que não se poderão dar ao luxo de serem incomodados na sua aparentemente limpa forma de governo. A acção torna-se então fragmentada e simultaneamente frenética, dividida entre o 'cerebral' cidadão de classe média a desenterrar a verdade incómoda através de perguntas e consultas em arquivos, enquanto o polícia-tornado-gangster toda toda a acção de forma mais 'activa' usando as ferramentas do ofício para conseguem chegar à posse dos documentos, ambos sabendo que têm o tempo contado até conseguirem chegar aos diferentes finais.

Com uma eficaz e até credível forma de contar uma história sobre corrupção local, que poderia ser filmada em qualquer parte do sul de Espanha ou Portugal, Urbizu consegue ainda entregar um interessante filme de acção mainstream, sem nunca 'perder o pé' nas questões centrais e ainda tendo tempo de inserir algumas homages (sérias) a vários clássicos do género como Chinatown, Blade Runner ou Kiss Me Deadly. Poderá não ser a filme obra-prima de Urbizu, mas este Caja 507 é um dos 'valores seguros' do recente cinema mainstream (e comercial) espanhol, conseguindo simultaneamente geral bastante interesse naqueles interessados neste tipo de crime flicks europeus e despertar algum interesse num público mais geral.

Nottingham06: Billy Childish

2008-04-13T14:39:00.006+01:00

Parece-me estranho que um dos artistas britânicos mais influentes, honestos, criativos e realmente independente dos últimos anos apenas consiga encher meia sala no pequeno espaço de exposição da independent artsorganisation.org aqui em Nottingham. Mas foi isso que aconteceu ontem à noite quando o punk rocker/ artista plástico/ escritor e lenda do R'n'R Billy Childish, com a sua fatiota colonial e acompanhado pelos seus Musicians of the British Empire (a 'enfermeira' Julie no baixo e o 'beefeater' Wolf Howard na bateria) tocou perante pouco mais de 50 fans, usando como 'desculpa' uma exposição que apresenta muitos dos seus trabalhos e acompanhando a projecção do infame 'Watch de K Foundation Burning a Million Quid' dos KLF (K Foundation, perdão).

Para aqueles (poucos decerto) que nunca tropeçaram no nome de Childish em qualquer menção de algumas das bandas que actualmente compôem o bem sucedido rock de contornos 'independentes', tornado pela indústria num mainstream boçal que apenas serve para encher as páginas do New Musical Express e que fazem adolescentes sentirem-se rebeldes na comformidade em que vivem (desculpem a brutalidade longa deste parágrafo), este será um dos únicos 'valores seguros' realmente independentes e com alma, um artista multidisciplinar que fez a carreira contra a corrente, algo que sempre lhe valeu o desprezo das cliques artísticas e um culto aguerrido fora do mainstream. E talvez por isso não seja assim tão estranho estar uma sala tão vazia para ver Billy Childish, nesta pequena cidade inglesa (aqui a palavra não se refere só à escala geográfica) onde os Whitesnake conseguem ainda esgotar a maior sala das redondezas (mesmo quando o preço dos bilhetes foram os mais caros de sempre), e será também normal a ausência quase absoluta de espécimens de algumas das tribos urbanas que vêm o punk rock e rock garage revivalista como um mastigar de certos revivalismos vazios.

E tal como os rumores on-line vão revelando Billy Childish é tão carismaticamente modesto, hilariantemente divertido e caloroso e fogosamente left wing ao vivo, conseguindo conquistar público desde o primeiro minuto com o seu jeito improvisado de tocar, rematado no intervalos das músicas com conversas sarcásticas a provocar o público (o relato das aventuras de Childish a abrir um concerto dos Cramps foi hilariante). Debitantando clássicos de uma longa carreira e algumas novidades (que pessoalmente achei redundantes), os Musicians of the British Empire arrasaram a sala com um punk rock old school inflamado por diabólico rockabilly e surf, mostrando que afinal ainda existem verdadeiros concertos de rock and roll, sem qualquer masturbação de ego e com conteúdo.

A fechar, já com o final do filme dos KLF acabado e esquecido (um mestre de cerimónias como Childish não permite a atenção divagar fora do palco), entrega-se uma energética versão de 'Fire', para aquecer o regresso a casa numa noite de primavera ainda tão fria como a neve que ainda na semana passada caiu em Nottingham.

Alucina Génio (3)

2008-04-06T01:33:00.002+01:00

Tantos anos depois de ter visto o trailer que me despertou a atenção, finalmente consegui fixar na retina à poucas semanas na orgia kitsch que é Fah Talai Jone (2000), que teve uma modesta distribuição pela Europa (devido sobretudo à sua popular recepção em vários festivais) com o título The Tears of the Black Tiger. Um dos poucos títulos do interessante boom cinematográfico tailandês dos finais dos 90s a terem saído daquela particular zona geográfica, The Tears of the Black Tiger é um estranho híbrido camp que mistura Western (sobretudo os ícones do Spaghetti), o melodrama piroso e exagerado do cinema romântico popular tailandeses dos 50s, comédia, acção e musical, mimicando de certa forma alguns dos formatos gerados por Bollywood (bastante populares na Tailândia). Elevando o camp pop até a uma hilariante saturação quase insuportável, o realizador Wisit Sasanatieng, conjunga um estranho pastiche 'colado' com um Technicolor ultra-violento, representações levadas ao exagero cénico e cenários surrealmente 'emocionais', onde o poderoso uso da cor chega a ferir os olhos, fazendo deste filme um crossover que tanto parece apelar para os mesmos universos das mais recentes obras de Tarantino e o universo bizarramente barroco de Baz Luhrmann, por vezes com laivos melodramáticos que lembram as obras kitsch de Pierre e Gilles.

Acompanhando de forma nostálgica e melancólica a história de Dum 'Black Tiger' (Chartchai Ngamsan) o mais extraordinário pistoleiro de sempre, dividido entre o seu amor eterno por Rumpoey (Stella Malucchi) e a sua vida de temido bandido (a que aderiu devido à injustiça social da sua aldeia natal), o plot de The Tears of the Black Tiger vai-se compondo através dos desencontros e histórias paralelas (dentro do establishment e fora da lei) entre camponês-tornado-jagunço Dum e da 'betinha' Rumpoey, sempre com adversidades geradas pelo companheiro de armas de Dum, Mahesuan (o hilariante actor Supakorn Kitsuwon, que posteriormente teve alguns papéis secundários em filmes ocidentais) e sobretudo o establishment, pouco complacente com um herói bandido, mesmo que com um coração justo.

Com as suas múltiplas homages a vários filmes westerns e filmes de acção americanos (e indianos segundo parece) para entregar um história relativamente comum ao género melodramático (boy meets girl com contornos trágicos, muitos desencontros e adversidades...) e muitas gargalhadas devido ao excessivo camp, não se consegue entender se The Tears of the Black Tiger será uma divertida leitura pós-moderna, tentando fazer uma leitura social crítica (algo que acho pouco provável), ou se este filme é apenas uma celebração do kitsch de alguns dos géneros do Cinema popular na Tailândia, algo mais provável.

Não tendo sido uma obra muito popular na Tailândia, mesmo mimicando géneros populares e parecendo ser quase uma resposta local a um género teen pós-moderno popularizado pelo pavoroso Baz Luhrmann (lembre-se que Romeu+Juliet tinha sido realizado 3 ou 4 anos antes), The Tears of the Black Tiger fez a 'costumeira' tour dos festivais de Cinema europeus e americanos, uma forma de muitos independentes orientais de conseguirem distribuição no ocidente, tendo tido uma recepção calorosa (sobretudo do público) e com a Miramax a distribuir o filme para toda a Europa e EUA.

The Tears of the Black Tiger é uma daquelas oddities sempre recomendadas a qualquer curioso por cinematografias não mainstream e território cinematográfico oriental ainda 'virgem' e não sujeito à actual maníaca doença de remakes americanos.

No Drama Queen

2008-04-05T10:46:00.007+01:00

Com um dos mais reconhecíveis olhares do século XX, quase sempre vagamente incobertos pelo fumo do cigarro, Bette Davis foi o Drama feito carne. Com as suas personagens cruas e reais, Davis foi (e é) uma das maiores incarnações daquilo que em Cinema é frenéticamente procurado mas poucas vezes alcançado, o Mito do (e no) Real.

Davis faria hoje 100 anos no Mundo dos Homens.

Love, Hate, Action!

2008-04-05T02:00:00.010+01:00

Durante uma boçal festa burguesa, Ferdinand 'Pierrot' Griffon ( Jean Paul Belmondo) interroga o realizador americano (Samuel Fuller, ou Samuel Fou... Foulaire, aqui em 'Cameo Mode' a representar o 'verdadeiro Cinema'), provocando-o com uma pergunta sobre o que é realmente o Cinema. Num diálogo a três, com uma interprete a mediar o diálogo entre o françês e o inglês e a traduzir de forma 'errada' a pergunta de Ferdinand, Fuller explica de uma forma algo indiferente o seu mais recente filme, que está a tentar filmar em Paris, revelando depois toda a essência do verdadeiro cinema, limitando a sua definição ao mais elementar tema, destilando-o (aqui de forma quase alquimica) através de uma singela definição: O Amor, o Ódio e a Acção, a Violência e a Morte... In one word, Emotions!

Provavelmente um dos filmes mais significativos para todo o entendimento das bases teóricas da Nouvelle Vague, Pierrot Le Fou (1965) é em si mesmo um código para decifrar todo o Cinema, onde todos os mais infímos detalhes são revelações e todas as personagens, mesmo aquelas que possam passar despercebidas, são simbolos cinematográficos em si mesmas.

Perda e Perdição (2)

2008-04-03T01:34:00.004+01:00

Num flashback que explica futuras 'perdas' maternais provocadas pela luta de poder, Isenstein coloca o jovem Ivan (Erik Pyryev) a assistir impotente ao arrastar do corpo da mãe pelos conspiradores boiardos, depois de ter aparado o seu corpo moribundo nos últimos momentos de vida. Uma das cenas chaves na leitura da segunda parte de Ivan Grozny (1958), esta acção parece querer simultaneamente querer 'desculpar' o profundo calculismo do futuro Czar, que gerará a sua perdição moral e simultaneamente apontar para a origem de todos os actos de excesso de poder, colocando novamente esta cena (no sentido inverso, com Efrosinia Staritskaya a aparar o seu filho Vladimir) já no final do filme.

Noir Dassin

2008-04-02T09:09:00.004+01:00

Bastará pensar em três dos maiores marcos do cinema noir de sempre (Du Rififi Chez les Hommes, Night and the City, com também outra recente ausência do 'mundo dos vivos' - Richard Widmark, e claro The Naked City) para perceber que com o desaparecimento de Jules Dassin desaparece também uma das mais influentes e inovadoras figuras do Cinema do século XX, mesmo que pouco notada pela maior parte dos blogs cinéfilos. Não será preciso conhecer de forma exaustiva a história do noir para entender a importância vital deste realizador não só na formulação do género como na sua reformulação (por muito ambíguo que isto pareça) e na criação de algumas das 'normas' que ainda hoje são exaustivamente usadas, algo que parece provar a sua genialidade. Fica aqui uma singela homenagem a um dos realizadores que pessoalmente me deu algumas das horas mais espantosas de cinema que me lembro.

Julius (Jules) Dassin - 18 de Dezembro 1911, 31 de Março de 2008

Masculino e Feminino (4)

2008-04-01T01:37:00.001+01:00

A Princesa Yuki (Misa Uehara), chora a morte da sua criada e doppleganger, executada pelo clã Yamana, olhando para lá dos montes onde se encontra a cidade de Akizuki. Criada como um rapaz pelo clã, Yuki despreza o sacrifício da sua criada e irmã de Rokurota Makabe (Toshiro Mifune), reprendendo o esforço dos seus vassalos de uma forma furiosamente masculina, para depois se afastar para a falésia e revelar a sua natureza, a de uma adolescente desamparada que chora a perda de uma amiga da mesma idade.

Kakushi-toride no San-Akunin (Akira Kurosawa, 1958)

A Moment of Anger (1)

2008-03-30T11:47:00.008+01:00

A Mulher Escarlate (Marjorie Cameron) acende o cigarro na chama de Shiva (Sampson De Brier), iniciando a orgia divina. Um dos maiores e mais influentes filmes independentes de sempre, Inauguration of the Pleasure Dome (1954) é possivelmente também a mais completa obra de Kenneth Anger, aquela que nos seus curtos mas fundamentais quase 40 minutos consegue mostrar porque é que Anger é um dos nomes mais centrais do cinema americano dos anos 60, com as suas sobreposições de imagens, os seus 'feitiços' imagéticos e uma estrutura de composição que se rende ao simbolismo poucas vezes trabalhadas no cinema americano desta forma tão assumida e gloriosa.

-----

A convocation of magicians assume the identity of gods in a Dionysian revel. Lord Shiva, the magician, awakes. The Scarlet Woman, whore of heaven, smokes a big, fatjoint; Astarte of the moon brings the wing of snow; Pan bestows the grapes of Bacchus; Hecate offers the sacred mushroom, yage, wormwood brew...
The orgy ensues - a magick masquerade at which Pan is the prize. Lady Kali blesses the rites of the children of light as Lord Shiva invokes the godhead with the formula Force and Fire.
Kenneth Anger

Maria Juana (2)

2008-03-30T11:36:00.005+01:00

Burma 'Blondie' Roberts (Harley Wood) fuma o seu primeiro joint de Marijuana, com resultados hilariantes. Um dos momentos mais 'expressionistas' do cinema de Dwain Esper, o feiticeiro do inicial Exploitation e um dos maiores mestres de cerimónias do género, Marihuana (1936) poderá não ser um dos mais 'extremos' exercícios de choque cinematográfico do realizador mas é o seu filme mais 'simbolista'.

Recheado de momentos icónicos (o night swimming das mulheres presentes na festa do dealer, o estranho sotaque 'estrageiro' do cabecilha da organização criminosa, o melodrama do final...), elevando um género que era inicialmente uma excressência oportunista do cinema 'educativo' ao seu conceito de puro cinema, com todos os seus vícios e hilariantes consequências.

Troglofitas (2)

2008-03-27T19:59:00.008Z

via Internet Archive

Tal como o tesouro do post anterior mais uma raridade do Z é relembrada cá em casa ao serão devido à estreia do intragável 10,000 B.C. Eegah (1962) é uma daquelas obras de culto que sempre foi relegada ao desprezo pelo mainstream e que agora parece legitimada por este desesperado esforço cinematográfico em vender bilhetes.

Se juntarmos a todas as 'inexactidões' antropológicas e históricas (debitadas a uma velocidade generosa), os vários problemas estéticos e os vistosos buracos na continuidade narrativa à presença do gigante de culto Richard Kiel, à sexy e pouco activa Marilyn Manning e ao troglodita herói do cinema B de R'n'R Arch Hall Jr. (uma das maiores figuras de culto do B, actor no histórico Wild Guitar e do excelente The Sadist já aqui comentado onde Marilyn Manning também brilha) este torna-se uma dos filmes de culto mais bizarros de toda a década de 60 , com os seus Rock and Roll acts à beira da piscina, as suas pouco convincentes interpretações e sobretudo a algo controversa e simbólica cena de 'quase violação' da apaixonada Roxy Miller (Manning) pelo troglodita Eegah (Kiel).

Ao contrário da 'troglofita' do post anterior, assumidamente um exploitation cheesecake de contornos modestos, Eegah é mais um low budget de drive-in que remete para o universo da santíssima trindade dos teen-exploitation da década de 50 (hot rods, rock and roll e 'barbarismo' adolescente) e que com Frankenstein's Daughter, The Giant Gila Monster (ambos já comentados por aqui e aqui) ou muitas das posteriores produções da AIP (já tarde na década de 60) é um exemplo típico do fascinante canon do cinema para adolescentes dos anos 50, aqui condensado até ao ponto da exaustão e a gerar algumas imagens de culto mais frenéticas nessa mesma categoria.

Aos poucos redescoberto devido sobretudo à presença do grande vilão bond Richard Kiel, Eegah pertence já ao panteão do camp levado ao extremo, podendo ser actualmente adquirido on-line de forma mais acessível, devido ao seu estatuto actual de Criative Commons. Uma agradável redescoberta.

Troglofitas (1)

2008-03-26T13:21:00.006Z

via Internet Archive

Perante a maior crise criativa (e umas das maiores em termos financeiros) de sempre, Hollywood vai poluindo os cinemas mainstream com algumas das piores descargas de mau gosto de sempre. Como se não bastasse o outsourcing criativo com a compra de várias cinematografias mundiais em peso para a produção de remakes de forma a tapar a crise de ideias, temos ainda que aturar a última palavra na nulidade com 10,000 B.C., uma javardeira pré-histórica recentemente estreada aqui no Reino Unido e que parece querer fazer lembrar que a Humanidade afinal não evoluiu assim tantos nos últimos milénios.

Perante tal panorama não resta mais nada senão rever alguns clássicos do Z para entender que existem algumas pérolas do camp que outrora foram relegadas para o limbo não-artístico do exploitation e que agora parecem encontrar alguma legitimidade artística (limitada é certo) perante tal nulidade de valores no actual cinema americano mainstream. Talvez um dos campeões do camp troglodita retro será este The Wild Women of Wongo (1958), considerado desde sempre como um dos piores filmes de sempre, figurando orgulhosamente no topo de várias listas do género. Não sendo uma recriação 'educativa' e histórica (como por exemplo Prehistoric Women ou One Million Years B.C., já comentados aqui e aqui) nem uma descrição de 'costumes diferentes' de algum canto escondido da planeta (como por exemplo She Gods of Shark Reef, também já comentado aqui) resta a The Wild Women of Wongo a definição de exploitation de teor cheesecake, descarado mas inofensivo.

Quando o 'Father Time' e a 'Mother Nature', como explica a voz 'didáctica' no início deste hilariante filme, decidem juntar homens 'normais' com trogloditas femininas na ilha de Goona e repetir a fórmula (deste vez de forma inversa) com bonitas amazonas descascadas de vergonha e parvos trogloditas na ilha vizinha de Wongo, começa uma das epopeias pré-históricas que nunca poderia ser escrita em qualquer livro, mas que teriam sempre (mais tarde ou mais cedo) que ser mostrada nos ecrãs independentes do circuito de exploitation americano da década de 50 e posteriores, adquirindo uma patine de culto que parece ser agora já espessa.

Claramente o motivo da narrativa não é a recuperação de algum objecto sagrado de valor ou alguma 'tecnologia tribal' que poderia gerar mais um passo na evolução humana, mas a satisfação estética (e mais outras) das jovens mulheres de Wongo que poderão ser resolvidas pelos jovens homens da rival tribo, e que gera uma situação onde a caça, o rapto e tomadas de 'posse' dos jovens trogloditas por parte das atrevidas belezas primitivas são descritas, para satisfação masculina e algumas das gargalhadas mais merecidas em toda a história do camp no cinema.

Sem ser preciso dizer muito mais sobre Wild Women..., esta troglofita parece estar agora legitimada para ser vista até pelo público mais highbrow acostumado a mastigar com satisfação as suas pipocas inconsequentes no mainstream e o seu estatuto de Creative Commons (merecido, para o bem e para o mal) permite agora a muitos conseguirem passar as vistas neste magnífico documento cinematográfico.

Vampiros Selectos (5): Lemora

2008-03-26T13:19:00.006Z

Confesso que depois de tantos obcecado pelo que é definido como 'Cinema de Culto', só há muito poucos meses encontrei Lemora: A Child's Tale of the Supernatural (1973), um desses 'objectos de culto' que gerou alguma influência na 'tribo gótica' e com um pequeno mas fiel exército de fiéis fans. Mas confesso que depois de tanto ler histórias fabulosas sobre este low budget realizado por Richard Blackburn, a sensação que fica ao ver Lemora é a de um certo vazio sentido pelo desapontamento de ver tantas ideias interessante serem desperdiçadas por uma tosca forma visual de mostrar este estranho conto de vampirismo.

Inserindo-se numa 'tradição' de low budget de terror americano, muito activa na época e que viria depois a definir a nova vaga de terror do final da década de 70, Lemora tem alguns pontos em comum com quase todos os anteriores posts dos Vampiros Selectos, parecendo misturar influências 'atmosféricas' europeias, comuns a Jean Rollin e Jeromil Jires de Valerie and Her Week of Wonders (1970), com o cinema com atmosferas referentes a um certo estilo próximo do American Gothic (existem aqui pequeninos toques de Night of the Hunter ou Carnival of Souls), depois mastigado até à náusea (e de forma infantil) por Tim Burton.

Com um plot claramente polémico para o público americano da época, Lemora encontrou um público fiel numa Europa dominada na altura pelo Euro Sleaze no cinema de terror, onde a sua forma sigela (e algo pateta) de lidar com a relação de contornos lésbicos entre a adolescente Lila Lee (Cheryl Smith) e a vampira Lemora (Lesley Gilb) era vista como casta e inofensiva perante o erotismo violento de Jess Franco e Jean Rollin. Mas mesmo gerando algum culto, esta obra nunca conseguiu chegar a um nível de culto de muitos dos filmes deste género, talvez devido a sua algo cambaleante realização (que tanto possui momentos muito interessantes como incrivelmente amadores e patéticos) e a sua cadência narrativa, sem qualquer ritmo e cheia de buracos. Talvez por isso, apenas nos anos 90 esta obra tenha começado a gerar algum culto, tendo sido editada finalmente em video (onde parece ter sido banida até então), e tenha começado a emergir dentro deste sub-género de terror.

Mesmo não sendo uma clara obra-prima, e tendo várias falhas de realização que o baixo orçamento evidencia de forma quase 'cruel', Lemora: A Child's Tale of the Supernatural poderá gerar algum interesse 'histórico' naqueles interessados nos contemporâneos e semelhantes objectos de culto europeu. Decerto que poucos serão os que acham esta obra mais significativa que algumas das obras chaves dos já citados Franco ou Rollin (embora algumas fan pages on-line pareçam querer negar isto), mas a sua presença no 'universo do culto', que já deu modestos frutos na cultura pop americana (sentida quer no goth fandom, quer em algumas graphic novels), merece uma visão interessada.

Wi(l)dmark

2008-03-25T13:20:00.005Z

Um rápido post, tão curto quanto grandemente merecido, para tecer um elogio fúnebre a um dos actores que encarnou alguns dos anti-heróis mais espantosos do Film Noir.

Pessoalmente lembrar-me-ei sempre de Richard Widmark como o espectacularmente desiludido carteirista de Pickup on South Street de Fuller e o brutal e cínico vilão no seu role de estreia em Kiss of Death, que lhe deu um Oscar precoce e merecido. A sua forma de representar personagens, cépticas e violentamente desencantadas, ajudou a moldar alguns dos role models do Noir, marcando com a sua presença 'intelectualmente maligna' em clássicos como Night and the City de Dassin ou Panic in the Streets de Elia Kazan, encarnando facilmente algumas das características mais interessantes que definem esse tipo de personagens.

Com uma carreira bem mais longa e versátil que a que pessoalmente conheço, fico com a ideia que sem a presença de Widmark todas as obras citadas nos parágrafos anteriores nunca teriam conseguido atingir o completo estatuto de obras-primas que hoje têm.

Richard Widmark, 26 de Dezembro de 1914 - 24 de março de 2008

Masculino e Feminino (3)

2008-03-24T12:54:00.000Z

A primeira aparição da personagem que dá título ao filme: O orgulhoso Ballin Mundson (George Macready) entra nos seus aposentos com Johnny (Glenn Ford) para apresentar a sua recente 'aquisição' através de um casamento rápido. Antes de passar para a 'câmara nupcial' Mr. Mundson pergunta a Mrs Mundson (Rita Hayworth) 'Are you decent?', originando os gestos de uma das cenas mais eróticas de sempre na história do Cinema Americano.

Charles Vidor em Gilda (1946) tenta camuflar o facto da sua personagem principal ser a mais 'masculina' do filme (e desculpem-me esta expressão, quase ofensiva quando atribuída a Hayworth) com a sua 'amoralidade', quase sempre ocultada durante o filme e exagerada propositadamente pela própria personagem durante a célebre cena músical da 'luva' (outro marco das imagens eróticas no Cinema). De facto Gilda (e até certo ponto, Hayworth) nunca se contenta ou resigna a ser o simples 'objecto de posse' (algo várias vezes referido durante o filme), uma 'condição feminina' socialmente aceite, mas quer ser 'livre' como um masculino individualista herói, perante o terror impotente do seu marido e da desorientação do sidekick Johnny , que para além de cuidar das posses do seu patrão (e volto aqui a frisar a ideia de posse, como se um objecto se tratasse, da personagem de Gilda), tem aqui também outras razões de 'posse' (ou de recuperar a 'posse', Gilda partilha o nome Farrell com Johnny) de um 'bem' indomável, castrador e volátil, que não soube nem sabe como controlar.